Muchos conocemos al dedillo la historia de cómo el siempre eterno Robin Williams decidió llamar a su hija Zelda inspirado por el juego de Nintendo, pero lo que no tanta gente conoce es que ese salto, del videojuego nipón a la farándula estadounidense, empezó también en sentido inverso.

El nombre de Zelda, y con ello el título de la franquicia The Legend of Zelda, no le cayó a Shigeru Miyamoto del cielo como una de las lágrimas de Tears of the Kingdom, sino que nace de una reconocida novelista y bailarina de origen norteamericano: Zelda Sayre.

El origen de Zelda

Más conocida por su nombre de casada, Zelda Fitzgerald, la artista llegó a oídos de Miyamoto cuando su segunda franquicia más famosa aún no tenía ni título. Tal y como relata en el prólogo del libro Hyrule Historia, por aquél entonces aún se llamaba “La leyenda de algo”, sin saber muy bien en qué acabaría aquello.

El caso es que en cierto punto del desarrollo, cuando la decisión aún no estaba tomada, desde el departamento de marketing tuvieron la ida de crear una suerte de cuento ilustrado con el que acompañar el juego. En él se daría a conocer la historia de un joven llamado Link y la aventura que le llevaría a salvar a una princesa de inconmensurable belleza.

Al relaciones públicas al que se le había ocurrido la idea del cuento le vino a la cabeza el nombre de Zelda, reconocida esposa de un famoso novelista que fue icono de la jet set estadounidense, y aunque la idea del cuento no llegó a buen puerto, a Miyamoto le gustó el nombre y decidió quedarse con él.

No debió ahondar mucho más en aquella historia, porque de lo contrario habría visto que, en realidad, Zelda Fitzgerald, pese a su archiconocida belleza, estaba a kilómetros de lo que cualquiera podría llegar a entender como la fragilidad de una damisela en apuros.

La auténtica Zelda

Nacida en el seno de una familia rica de Alabama, Zelda le debía su nombre a un libro de Jane Howard del que su madre era fanática. Pese a que su vida dio un giro radical en la adolescencia, lo cierto es que se crió entre los algodones de una saga de senadores, jueces y periodistas de renombre.

Poco podía imaginar aquella modélica y cuadriculada familia que la pequeña terminaría convirtiéndose en la primera flapper de la historia norteamericana, una revolucionaria de tomo y lomo de las que cambiaron el pelo largo por el corto, los vestidos recatados por la falda corta, y la vida de ama de casa por las fiestas, los coches y el alcohol.

Convertida en mucho más que una musa para su marido, el reconocido escritor F. Scott Fitzgerald, las frases, cartas y diarios de Zelda terminaron en novelas de su pareja navegando entre la inspiración y el plagio. Y es que si por algo debería ser reconocida Zelda a día de hoy, es por ser una formidable escritora.

El legado que nos ha quedado, a pesar de ello, es de la demonización de una mujer que vivió las mejores fiestas de los años 20 entre Nueva York y París, que vivió a la sombra de un marido celoso y posesivo, y que cayó en la ruina por gastar más de lo que ganaban.

Entre el alcohol y las drogas, terminó coqueteando con el suicidio y derivó en una enfermedad mental que, diagnosticada como esquizofrenia, la llevó de una institución mental a otra hasta que, en el incendio de una de ellas, murió calcinada con apenas 47 años. Una historia muy distinta a la de la Zelda que todos conocemos.

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 The Legend of Zelda: Ocarina of Time no es únicamente uno de los mejores juegos de la historia, es un candidato firme y constante a ser el mejor de todos. A fin de cuentas, es el juego ante el que se miden todos los Zeldas y, por extensión, cualquier otro título de aventuras. Pero ¿qué lo hace tan especial?

Lanzado originalmente en 1998, Zelda: Ocarina of Time estaba llamado a ser el caballo de batalla de Nintendo y la N64. Así lo entendieron todos los que presenciaron la primera beta del conocido como Zelda 64 tres años antes. La realidad, por otro lado, es que por entonces ni los creativos de La Gran N tenían claro cómo iba a ser el debut del Héroe de Hyrule en aquella bestia de 64 bits.

Es más, Nintendo estaba aprendiendo sobre la marcha, a base de ensayo y error, a hacer juegos en entornos tridimensionales. Lo que no sospechaban desde Kioto es que acabarían marcando las pautas de los juegos venideros, no solo por el modo de sumergir al jugador en las sensaciones de aventura, sino por el poso que Ocarina of Time ha dejado en el arte y la ciencia de hacer videojuegos.

Y, sobre todas las cosas, el fascinante viaje de Link de niño a adulto. Como comentó Shigeru Miyamoto (creador de The Legend of Zelda o Super Mario Bros.) Al principio del juego uno ve el mundo a través de los ojos de un niño, convirtiéndose en un lugar muy diferente al llegar a la edad adulta.

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En este aspecto, el tema principal de Ocarina of Time también podía ser perfectamente una analogía del estado de madurez por el que estaba pasando la industria del videojuego, pero también la de los jugadores que habían crecido con las consolas y juegos de la propia Nintendo.

¿Casualidad? Dicen que la coincidencia es una ilusión y. como verás a continuación, el talento y la pasión por hacer juegos al estilo Nintendo marcaron la diferencia ante lo desconocido, que fue mucho. Lo cual no quita, por otro lado, que Miyamoto y su equipo también deseaban hacer, como veremos más abajo, un Zelda de capa y espada.

Al principio fueron tres, como la Trifuerza

Para entender la arrolladora magnitud de la aventura del Héroe del Tiempo es necesario ponerse en contexto y partir de una sencilla premisa casi universal: a medida que se añaden títulos en una serie, suelen aparecer reglas. Pero en el caso concreto de Ocarina of Time, y cómo asintió el propio Satoru Iwata, no había ninguna.

Es verdad que la versión para Nintendo 64 de The Legend of Zelda: Ocarina of Time salió cuando los juegos estaban cambiando de 2D a 3D. Como no se podían aplicar las antiguas reglas del 2D, todo se hizo partiendo de la nada.

Trabajábamos a oscuras pero, por alguna razón, los miembros del equipo confiaban en que conseguirían ver la luz; y esa actitud tan positiva envolvió todo el proceso.

¿La excepción que confirma la regla? Bueno, se puede decir que la semilla que puso unos años antes Link’s Awakening acabó aflorando en una experiencia atemporal. Es más, tanto Iwata y Eiji Aonuma, máximo responsable de The Legend of Zelda, consideran que Ocarina of Time fue el título que definió lo que todos tenemos interiorizado como la “esencia de Zelda”. Esas sensaciones que incluso resuenan más allá de la propia saga.

Con eso por delante, lo cierto es que el Zelda que acabó movilizando a casi todo el departamento de EAD de Nintendo empezó a gestarse a través de tres personas, y ninguna de ellas era Miyamoto. Nos referimos a Yoshiaki Koizumi, quien debutó en Nintendo con A Link to the Past; Jin Ikeda como diseñador de personajes y el legendario productor Toru Osawa. Siendo justos, todo lo que había al principio eran tres personas y una idea:

Cuando la gente habla de The Legend of Zelda: Ocarina of Time, mencionan varias cosas como la historia épica, los puzles que hay que resolver, las cabalgatas por campos enormes y lo que les gusta Link, ¡pero todo empezó con la idea de crear un título de Zelda de capa y espada!

A lo que se refiere Osawa con capa y espada es al concepto del chanbara. A los intensos duelos de espadachines japoneses. Una idea recurrente que varios de los implicados en las entregas anteriores llevaban intentando implementar en la saga de Zelda y que, por cuestiones técnicas o de diseño, se había descartado en algún punto de cada desarrollo.

Así, con esa premisa, se estudió cómo regresar al no lo suficientemente aclamado The Legend of Zelda II de NES. Es decir, a la aventura en la que Link se enfrenta a toda clase de peligros en fases de scroll lateral. Y no solo contaban con el beneplácito de Miyamoto, sino que éste estaba interesado en desarrollar aquella idea.

A mí, como a Shimizu, me encantaba Zelda II: The Adventure of Link. Antes de Super Mario 64, había estado creando Zelda II: The Adventure of Link [para la SNES] en polígonos, con Miyamoto.

Estábamos haciendo experimentos con un Link delgado, creado con polígonos. Se le veía de lado combatiendo con su espada. En aquel entonces, el chanbara era aún un tema pendiente.

No pudimos dar forma a Zelda II: The Adventure of Link entonces, pero yo seguía soñando con conseguir un juego de Legend of Zelda de capa y espada hasta que me uní a este equipo.

Aquello no dejaban de ser experimentos, claro. Es más, en un punto de esa fase de desarrollo, y a sabiendas del potencial de N64, Miyamoto sugirió que el próximo The Legend of Zelda se jugase en primera persona.

Empecé hablando con Miyamoto sobre cómo podríamos crear The Legend of Zelda para la consola Nintendo 64, y me preguntó: “¿Qué tal si lo hacemos de forma que Link no aparezca?”. Quería que lo convirtiera en un juego en primera persona.

Al principio él tenía la imagen de un juego en el que te movías por ahí con una vista en primera persona. Cuando apareciera un enemigo, la pantalla cambiaría y verías a Link y lucharías desde una perspectiva lateral.

Aquello no era una locura, desde luego. Era simplemente una idea diferente. Y tenía sentido: durante un tiempo, los propios desarrolladores iban a ciegas sobre el potencial de N64. Incluso llegaron a considerar que crear un personaje para el futuro hardware de Nintendo exigía la misma cantidad de trabajo que crear todos los fondos.

Por suerte, el desarrollo de Super Mario 64 ayudó a comprender más y mejor a Nintendo el hardware de N64. Y es que el legendario plataformas no solo hizo evolucionar todo un género, sino que ayudó a entender el potencial de las tres dimensiones en los juegos. A Nintendo, y al mundo entero.

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Tomando prestada la inspiración de los lugares menos esperados

Si bien el modesto, pero sensacional, Link’s Awakening había conseguido el hito de romper con lo establecido en la saga de The Legend of Zelda, la clave para atreverse a hacer cosas nuevas y abordar con éxito el desafío de llevarla a las 3D viene de Super Mario 64.

A fin de cuentas, las sagas protagonizadas por Mario y Link siempre han estado hermanadas: desde 1985, lanzamiento de un título de la saga Mario Bros. daba pie al inicio de una entrega principal de The Legend of Zelda, de modo que los implicados en ambos proyectos atesoraban las ideas que tenían durante el desarrollo de uno para cuando comenzase la producción del otro.

Cuando creábamos Super Mario 64, estábamos pensando constantemente en The Legend of Zelda, y empezamos a hablar de reducir los elementos de acción en él y aumentar los puzles.

[Pensaba en ambos a la vez]. E incluso cuando trabajaba en Super Mario 64, escribía informes de lo que quería lograr con The Legend of Zelda. Y cuando empecé a crear The Legend of Zelda: Ocarina of Time, los rescaté y los consulté.

Cosas de todo tipo, tenía combates con espada, combates contra muchos enemigos... El proyecto de Super Mario 64 se había acabado increíblemente rápido, así que muchas de las cosas que había proyectado se habían quedado en el tintero y yo quería trasladarlas a The Legend of Zelda: Ocarina of Time.

Ahora bien, no todo lo aprendido era algo positivo. Al ser un plataformas, en Super Mario 64 no es tan importante que los ejes entre los diferentes modelos tridimensionales coincidieran. En el nuevo The Legend of Zelda eso era esencial.

En Super Mario 64, por ejemplo, cuando querías leer un cartel, dabas vueltas a su alrededor. Nos preguntábamos cómo podríamos resolverlo y cuando Koizumi se unió al grupo dije: “Como vamos a incluir acción estilo chanbara, ¡vamos al parque Toei!”

Un parque de atracciones aportó la solución

Además de unos estudios cinematográficos próximos a la sede de Nintendo, la parte abierta al público del Toei Kyoto Studio Park sirve de parque de atracciones. Incluyendo espectáculos y decorados de época. Y fue allí donde, como comenta Osawa, encontraron la solución al problema:

Había un espectáculo de ninjas. Un grupo de ninjas estaba rodeando a un samurai y uno de ellos lo atacaba con una kusarigama (una hoz con cadena). El samurai la cogió con el brazo izquierdo, la cadena se tensó y el ninja empezó a moverse alrededor del samurai.

A los de Nintendo se les iluminó la bombilla: aquella arma del tiempo de los samurái que enganchaba a dos luchadores les inspirará a crear el sistema de apuntado de Ocarina of Time, permitiéndoles crear un vínculo entre modelos tridimensionales.

Un apuntado manual y revolucionario que no tardaría en imponerse entre todos los juegos venideros. Y, a la vez, la clave para conseguir el ansiado sistema de luchas de espada en The Legend of Zelda.

Cuando se usa el botón Z para fijar el blanco, yo imaginaba una especie de kusarigama que no se ve entre Link y su adversario. Si empujas la palanca analógica hacia delante, puedes ir acercándote poco a poco y si la mueves hacia un lado, puedes moverte en círculo rodeando a tu enemigo hasta situarte detrás de él para buscar un hueco para atacar.

Cuando se crea un juego de The Legend of Zelda el proceso creativo habitual es centrarse en crear la mecánica de juego primero y después el guion. Una de las primeras ideas ya estaba sobre la mesa, pero todavía quedaban enormes obstáculos por delante. Entre ellos, establecer la narrativa del juego.

Con la cada vez mayor confianza generada a raíz del desarrollo de Super Mario 64 y el creciente refuerzo de personal, el nuevo Zelda comenzó a tomar forma. Y, lo que es más importante, a comenzar a sumar ideas a un ritmo espectacular.

El hada Navy (que debe su nombre al Sistema de Navegación con Hada que se implementaría) resolvía problemas que se arrastraban desde Super Mario 64 y, a la vez, estimulaba la imaginación de los de Nintendo, de modo que incluso los detalles más pequeños al final acababan cobrando peso en campos tan diferentes como el guión, el sistema de batalla o la manera en la que el propio juego se comunica con el jugador.

Pensé: “Esta es Navi” y se me empezaron a ocurrir muchas ideas. Como la de que se pudiera saber por el color si la persona que tienes enfrente es buena o mala y que, si Navi hablara, podría ser una guía muy importante para la historia. Así que llamando Navi al sistema, contribuimos a que fuera desarrollándose.

(Risas) ¡Vaya que si lo hizo! (Risas) La adición de Navi también contribuyó a mejorar el guion. Así podíamos ir expandiendo la historia alrededor de la idea de conocer y despedirse de un hada.

Y no solo el guion, también la mecánica de juego salió beneficiada. Pensemos en la aldea de los kokiri. Tiene muchos árboles y muchos habitantes, pero era muy difícil mostrarlos todos a la vez. La mayor parte de estas cosas las íbamos decidiendo sobre la marcha.

Así fue cuando, en mitad de un vendaval de ideas y apenas un año y medio antes del lanzamiento, a Miyamoto (entre otros) se le ocurrió una locura: querían ver a un Link pequeñín en el juego. De la noche a la mañana había que replantearlo todo.

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Link, el Héroe del Tiempo nacido del caos

No es que Miyamoto se opusiera a que Link creciese en los videojuegos. Al contrario, estaba encantado con el nuevo aspecto y la dirección que estaba tomando el proyecto. De hecho, era plenamente consciente del despliegue que Nintendo estaba teniendo con el juego: hasta cinco directores trabajaron en conjunto para darle forma al Zelda de N64.

Sin embargo, lo último que quería hacer es que el héroe de Hyrule fuese un cliché. Un héroe cualquiera. Tenía que ser especial y, a la vez, un protagonista que descubriese con ojos de niño el mundo que se estaba creando.

Link es un muchacho. En el primer juego, The Legend of Zelda, tenía unos 12 años. En Zelda II: The Adventure of Link tenía alrededor de 16, pero nunca fue mi intención convertirlo en un héroe guay del montón. Hasta The Legend of Zelda: Ocarina of Time, Link era un personaje infantil y juguetón.

Como había trabajado en todos los juegos desde el primero, pensaba que si lo hacíamos demasiado guay, dejaría de ser Link. Cuando vi el Link adulto que había hecho Koizumi me pareció guay, pero dije: “¡No quiero prescindir de Link joven!”. Después probamos si podíamos usar tanto el Link adulto como el Link joven.

Por otra parte, yo también quería que Link fuese guay en cierto modo, por eso decidimos incluir a ambos: tanto el adulto como el joven. No solo crece desde el punto de vista de sus estadísticas, como en un juego de rol, sino que también crece físicamente. Al hacer esto, surgieron a borbotones todo tipo de ideas.

Lo cual no quita el hecho de que, una vez más, Miyamoto había llegado para soltar la bomba a unos desarrolladores que ya estaban con el tiempo en contra. Aunque,  como es habitual en Miyamoto, no solo estaba en lo cierto, sino que consiguió inspirar a todo el equipo desatando nuevos torrentes de ideas.

Al principio solo íbamos a mostrarlo en su forma adulta. Si piensas en el elemento chanbara, tiene sentido. Con un Link niño, la espada sería pequeña y no tendría mucho alcance, cosa que sería una gran desventaja, especialmente contra enemigos grandes.

Pensamos en cómo podríamos combinar las dos formas, niño y adulto, en el mismo juego y así se nos ocurrió lo de viajar siete años hacia el futuro sacando la Espada Maestra y luego el regreso a su forma infantil cuando la espada vuelve al pedestal. Un viaje instantáneo en el tiempo.

De la noche a la mañana, el proyecto entero había tomado una nueva dimensión. Una mucho más ambiciosa y que requeriría cambios muy drásticos en todas las fases del desarrollo. Pero lo verdaderamente singular es que un cambio tan grande no hiciera que todo el proyecto se viniera abajo. Más bien, al contrario: en Nintendo estaban todavía más motivados.

Por un lado, el guionista, los programadores y los diseñadores principales se habían acostumbrado a ese caos en el que todo cambiaba de un día para otro. A fin de cuentas, aquello era una cadena, de modo que Osawa, responsable del argumento, tenía que pasar por todos los departamentos día tras día con cada cambio.

Ocurría cada día. Yo escribía el guion y todo el mundo empezaba a sacar defectos: “Esto es raro” y “Eso es imposible”... Entonces modificaba el guion y decía: “He cambiado esto, ¿qué os parece?”.

Por otro lado, todo el equipo era consciente de que introducir los viajes en el tiempo implicaba duplicar muchos de los aspectos (y el esfuerzo) hasta llegar a la meta deseada. Pero también estaban fascinados con las posibilidades.

Cuando decidimos tratar con un Link que creciese desde un niño de 9 años a un chaval más maduro de 16, quería tener a muchos personajes desempeñando varios papeles.

Como quedaría reflejado en el juego final, no se trataba de cambiar únicamente el aspecto del protagonista o la estética de los escenarios, sino la visión que el jugador tendría del mundo que le rodea una vez alcanzada la madurez. Lo cual abría nuevas posibilidades.

Sin embargo, durante la creación me di cuenta de que contar una historia era menos prioritario que tener a mucha gente alrededor del protagonista y representar sus relaciones. Unos años atrás había un programa de televisión bastante popular llamado Twin Peaks. Cuando lo vi, lo más interesante no eran los entresijos de la historia, sino la clase de personajes que aparecían.

Así es. Creo que esos personajes sospechosos y extraños son interesantes por sí mismos. Me interesa más su presencia que quién es el primo de este o el otro y qué padres eran enemigos acérrimos en el pasado.

Unas inspiraciones muy peculiares

Precisamente, Twin Peaks y la inclusión de un argumento entrelazado es algo que Ocarina of Time heredó de manera directa de Link's Awakening. Pero también había nuevos desafíos técnicos. A fin de cuentas, era el primer juego de la saga elaborado en 3D, y eso supone una nueva capa de desafío al conjunto, como comentó Miyamoto.

Al cambiar algo de 2D a 3D descubres muchas cosas, como que ciertos elementos dejan de ser divertidos. Por ejemplo, cortar el césped es algo que apareció por primera vez en la serie The Legend of Zelda en el título The Legend of Zelda: A Link to the Past.

Al hacerlo, resultó sorprendentemente divertido. ¡Algunos comenzaron a decir que este era un videojuego en el que cortabas el césped con el Ataque circular! (Risas) Pero cuando nos propusimos incluir ese elemento de cortar la hierba en The Legend of Zelda: Ocarina of Time, parecía que estuviésemos obligados.

Si bien muchos elementos se quedarían en entregas pasadas, las tres dimensiones eran perfectas para introducir nuevos conceptos a la saga. Ideas, como el salto automático, que se fundían de manera tan natural con el universo de The Legend of Zelda que, vistas en perspectiva, parece que siempre han estado ahí.

El salto automático se me ocurrió en uno de mis días libres. ¡Estaba ansioso por volver al trabajo el lunes!

Reuní a todos el lunes por la mañana y les dije: “¡Vamos a hacer algo llamado salto automático!”. Todos respondieron: “¡¿Qué?!”. El equipo que había hecho los juegos de Mario iba a dejar de lado el botón de salto.

Como comentamos, Ocarina of Time no solo permitió a sus creadores llevar a cabo todas las ideas que no pudieron hacer en Super Mario 64 (como poder galopar a caballo) o el lujo de experimentar con una saga de culto, sino demostrar el alcance de su propio talento, como después reflexionaría Takumi Kawagoe:

Nuestra capacidad de adaptarnos a esos cambios drásticos era el reto que nos permitía medir nuestra habilidad.

Y pese a todo, como ocurrió con Link's Awakening, el equipo estaba fascinado con los progresos. Con el modo en el que se integraban sus ideas. Al punto que, incluso tras hacerse oficial el retraso de su lanzamiento, se sentían entusiasmados por poder volcarse más y tener la capacidad de rescatar ideas.

Avanzábamos con un proceso de prueba y error y veíamos cómo el proyecto tomaba forma día a día. Era muy divertido trabajar en él. Cada día veíamos lo que habíamos creado el anterior y seguíamos mejorándolo.

Algo que siempre pienso cuando trabajo en esta serie es lo difícil que fue crear The Legend of Zelda: Ocarina of Time, pero sé que fue fantástico. Como hemos dicho antes, estábamos haciendo algo sin precedentes.

Una pasión compartida, como recalcó Yoshiaki Koizumi, en la que el personal de Nintendo no se limitó a hacer las cosas bien, estaban deseosos por descubríar hasta dónde eran capaces de llegar, pese a que todavía estaban adaptándose a las posibilidades del nuevo hardware.

De algún modo, creo que era por la audacia del personal. Apenas estábamos empezando a familiarizarnos con la consola Nintendo 64 y empezamos el desarrollo emocionadísimos con todas las posibilidades que ofrecía.

Como resultado, nuestras emociones y comportamiento hicieron que añadiéramos muchas cosas al juego solo porque podíamos hacerlo. Nos decíamos: “Si podemos hacer esto, ¡hagamos eso otro también!”.

The legend of Zelda: Ocarina of Time era un digno sucesor de una saga de culto, pero también la máxima evolución de la misma. Sin embargo el secreto detrás del juego era el inagotable talento y motivación de sus creadores, así como, según cuenta Takizawa, la desmesurada creatividad que se puso en común.

Nunca llegamos a tener un plano perfecto al crear un juego de Zelda. Básicamente, creamos un lienzo y todos aportan sus ideas sin parar y las ponen en común.

Todo el mundo discutía sobre todo, poniendo ideas en común y creando cosas. Por ejemplo, en lugar de pedirle al director que tomara una decisión, lo hacíamos en grupo.

Visto así, y teniendo presentes los resultados por delante, podría parecer que iban a lo seguro dada su confianza, pero el modo en el que se estaba realizando el proyecto era singular. Tanto, que ni el propio Koizumi visualizaba el resultado final.

No sabíamos qué tipo de juego sería hasta que unimos todas las piezas.

Y, pese a todo, unas sensaciones positivas de principio a fin. Como debe ser.

Creo que si tuviéramos que hacer el próximo The Legend of Zelda: Ocarina of Time con el mismo equipo, nos divertiríamos mucho.

Ahora faltaba lo más complicado: ensamblar aquel juego, presentarlo al mundo y corresponder con las expectativas. Y lo cierto es que hicieron historia.

Lo que Nintendo y la industria del videojuego le deben a Ocarina of Time

The Legend of Zelda: Ocarina of Time marcó un antes y un después en la industria del videojuego. No solo por sus innovaciones, sino por el grado de profundidad y sensaciones que eran capaces de transmitirse a través de un mando y una consola. Era el espíritu de la aventura. Una que merece la pena jugarse, como mínimo, una vez en la vida.

La acogida fue tan extraordinaria como el propio juego: fue el título de la serie más vendido hasta Twilight Princess, y aquello tenía truco ya que se sumaron las versiones de GameCube y Wii. Pero, sobre todo, demostró al mundo que Nintendo no se limitaba a hacer juegos: creaba experiencias con belleza y alma.

Un juego que, pese a su particular desarrollo (algo muy raro de ver en Nintendo), acabó adelantándose a su propio tiempo. Tanto que, a día de hoy resuenan las sensaciones de cabalgar con Epona por Hyrule, enfrentarse al temido Templo del Agua o alzar la Espada Maestra en el Templo del Tiempo.

A lo que hay que sumar, claro, la estela que ha dejado Ocarina of Time en la industria del videojuego. Títulos tan diferentes como Shadow of The Colossus, Okami, Beyond Good & Evil y tantos otros considerados de culto, beben directamente de las aventuras del Héroe del Tiempo. Incluido, como no, The Legend of Zelda: Breath of the Wild.

A fin de cuentas, el juego irradiaba estupendas sensaciones desde su propio desarrollo, según contó Miyamoto a Iwata:

En lo que respecta a haber hecho cosas nuevas con este juego, tenía un buen presentimiento que solo percibo con algunos de los juegos en los que participo.

Y estaba encantado con que aquí en Japón pudiésemos elaborar una historia medieval de espadas y magia que gustase a gente de todo el mundo. ¡A pesar de haber usado un drama histórico del Toei Kyoto Studio Park como referencia! (Risas) Recibió una buena acogida en el extranjero.

¿Es The Legend of Zelda: Ocarina of Time el mejor juego de todos los tiempos? Al margen de las notas, es algo que tiene que averiguar cada uno. Pero está claro que los mejores juegos que vinieron después siguen teniendo una deuda con el Héroe del Tiempo.

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¿Qué pasaría si la Trifuerza de The Legend of Zelda fuese destruida? A priori uno podría pensar que al no existir una reliquia así de poderosa, capaz de tentar a codiciosos villanos y seres de la oscuridad, el Reino de Hyrule desbordaría esa clase de paz y la prosperidad que cabe esperar en un ajetreado mundo de fantasía. Hace mucho tiempo el rey de Lorule pensó exactamente lo mismo y, en el proceso, acabó condenando a su pueblo.

Tal y como se deduce de su nombre, Lorule ("Low-Rule") es el mundo espejo de Hyrule ("Hi-Rule"), y merece la pena hacer una distinción adicional: no se trata del Reino de las Tinieblas. Ambos existen en paralelo al escenario principal de la saga de The Legend of Zelda, pero mientras que en el Reino de las Tinieblas vemos que la luz de Hyrule es sustituida por maldad, oscuridad y desesperación, lo que encontramos en el Reino Lorule es directamente lo opuesto, de modo que el héroe del valor en realidad es un cobarde. Pero, incluso en esas, como veremos, a su modo sigue siendo un héroe.

El concepto de un mundo espejo existe en la saga de The Legend of Zelda desde hace años. De hecho, técnicamente el primer juego de NES escondía algo muy parecido a su propio Minus World absolutamente inaccesible a través de los medios convencionales.

Dicho esto, hubo que esperar a noviembre de 2013 a poner los pies en Lorule, siendo su descubrimiento y exploración uno de los grandes reclamos de A Link Between Worlds. Y eso que, como Link no tardará en descubrir, el reino entero se cae a pedazos.

Aviso de Spoilers: a continuación hablaremos sobre muchos de los acontecimientos de la trama principal de The Legend of Zelda: A Link Between Worlds

La historia de Lorule, el reino reverso de Hyrule

El reino de Lorule en el reflejo de Hyrule

Explicar la naturaleza del Reino de Lorule es relativamente sencillo, pero eso no la hace menos interesante: a todos los efectos es el mundo espejo de Hyrule, y eso implica que la manera de ser de las personas es la opuesta a la que hemos visto hasta ahora. Que haya tanta oscuridad e incertidumbre en el corazón de sus habitantes, sin embargo, es algo más reciente.

Al igual que Hyrule, Lorule llegó a tener su propia Trifuerza. Igual de increíble, pero de aspecto invertido. Por ponernos en contexto, en ambos casos se trata de una poderosa reliquia otorgada por las diosas creadoras del mundo que además de contener su enorme poder era capaz de conceder cualquier deseo de aquel que la tocase.

Un don que, de manera colateral, despertó el interés de seres avariciosos y seres de la oscuridad, generando guerras y destrucción. Un ciclo que, de hecho, se ha repetido constantemente en la historia de ambos reinos. ¿Es la Trifuerza un regalo o una maldición?

En ambos casos, tanto Hyrule como Lorule decidieron que lo mejor era alejarla del mal. De modo que mientras que en Hyrule se optó por sellar la Trifuerza, un rey de Lorule decidió acabar con los problemas de raíz y llegó a la conclusión que si la destruía se pondrían fin a los conflictos y desgracias que azotaron a su pueblo durante generaciones.

Sin embargo, aquel rey de Lorule se olvidó de lo más esencial: tanto la Trifuerza como el mundo son las grandes obras de las diosas de la creación y, por extensión, no pueden existir el uno sin la otra. De modo que, pese a sus intenciones, en lugar de salvar al reino, al lograr destruir la Trifuerza lo acabó condenando.

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Qué pasaría en The Legend of Zelda si la Trifuerza es destruida

El castillo de Lorule

A partir de aquí un apunte: la destrucción de la Trifuerza no implicaba que la desaparición inmediata de Lorule, sino una lenta degradación hacia la miseria. 

Durante los siguientes años la tierra de Lorule se comenzó a requebrajar, los animales comenzaron a convertirse en monstruos y seres de la oscuridad y el cielo quedó cubierto con negras nubes. Y lo que es peor: sin aquella reliquia, poco a poco  la oscuridad había inundado no solo el reino, sino también  los corazones de sus habitantes.

Llevados más allá de sus límites, los habitantes de Lorule no solo había perdido toda esperanza, sino habían asumido su final mientras veían cómo poco a poco se agotaban sus pocos recursos. Y entonces, afloró la parte más oscura de su alma: empezaron a cometer crímenes y robos por pura desesperación.

La princesa Hilda

De modo que los habitantes de Lorule no solo empezaron a vestirse como los seres de la noche, sino a comportarse como tales, siendo menos civilizados y, llegado el momento, llegándose a convertir en villanos enmascarados. Algunos incluso se llegaron a resignar y perdieron el miedo a acabar convertidos en monstruos de verdad.

"El mundo está llegando a su fin... pero eso no debe servirte como excusa para empezar a robar. ¡Si te conviertes en un ladrón, se te corromperá el alma! Las personas son traicioneras y desalmadas.

¡Solo se puede confiar en los monstruos! Debes hacer como nosotros, ponerte una máscara y cantar para aspirar a convertirte en un monstruo"

Como es natural, los sentimientos hacia la princesa Hilda, la heredera de la familia real de Lorule no eran de gratitud. Más bien lo contrario. No había ni una guía de la sabiduría en estos tiempo de oscuridad, ni una luz de esperanza. Lo cual nos lleva a la otra pregunta clave: ¿dónde está el supuesto héroe del reino?

Quién es Ravio, el "heroe" de Lorule

El liante de Ravio

Lo normal es pensar que el Link de Lorule sería algo parecido al Link Oscuro de Ocarina of Time o al Link Tenebroso de Link's Awakening. Sin embargo, y como comentamos, Lorule es un mundo espejo y el contrapunto del héroe del valor es Ravio, un tipo algo el holgazán, bastante cobarde y más codicioso de lo esperado.

Ravio está al servicio de la Hilda de Lorule del mismo modo en el que el destino de Link está vinculado al de Zelda, de modo que al ver la desesperación de su princesa  y su pueblo actúa de manera muy diferente a la que se nos propone en los juegos de The Legend of Zelda y, ante la falta de opciones, toma una determinación: robar la Trifuerza del Reino de Hyrule e impresionar a su heredera. A grandes males, grandes remedios.

Con todo, y pese a que Ravio tiene muchos defectos y muy a la vista, no es un ladrón. O, al menos, no tiene el suficiente valor para robar algo así. De modo que solo necesita a alguien capaz de hacer el trabajo sucio mientras observa desde una distancia más o menos prudencial. Y precisamente ahí es dónde su destino se cruza con el de Link y comienza la aventura de A Link Between Worlds.

Hilda y Ravio ante la Trifuerza de Lorule

Así, tras varias aventuras, un inesperado viaje al mundo espejo y numerosas pruebas de sabiduría, valor y coraje, el héroe y la princesa de Hyrule completaron su gran gesta y usaron el deseo de la Trifuerza para que Lorule vuelva a tener la suya. Y pese a que los métodos de Ravio fueron cobardes y sus intenciones bastante cuestionables, hay que concederle una cosa: a su modo, salvó a su propio reino de la destrucción.

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Ha quedado muy claro que The Legend of Zelda: Tears of the Kingdom es un parque de atracciones para las mentes creativas. El sistema de construcción y combinación de objetos nos ha regalado las mejores y más locas ocurrencias de los jugadores. Desde aviones y tanques hasta sistemas de tortura para los Kologs.

Soluciones creativas a problemas complicados. Así podríamos definir lo que estamos a punto de ver. El Santuario de Lu Qoum (ya te vale con los nombrecitos, Nintendo) se ha convertido en uno de los puntos más destacados: pocas personas lo superan como se esperaría... y eso nos deja con soluciones muy, muy creativas. Y algunas bastante pragmáticas, por qué no decirlo.

El Santuario de Lu Qoum, apodado el Santuario de los Raíles, presenta tres desafíos con diferentes dificultades. Si bien los dos primeros no suponen un reto a tener en cuenta, el último ha traído de cabeza a muchos jugadores... aunque su solución sea esencialmente igual que en los dos anteriores casos. Os comparto la "solución correcta" de la mano de @mancosupremo en YouTube.

Ahora que sabéis cómo supera el santuario de la forma que pensaron los desarrolladores, os voy a enseñar cómo lo están superando algunos jugadores. Uno cree que es creativo, hasta que ve los vídeos de Tears of the Kingdom...

El primer ejemplo lo protagoniza chadovsky_ y muestra cómo resuelve todo el santuario en cámara rápida. La estrategia para el último puzle es (cuanto menos) original y algo enrevesada. ¡Aquí no juzgamos a nadie! Por otro lado, sentient.broccoli no se complica demasiado y usa únicamente los tres ventiladores. El resto es trabajo de la gravedad y la paravela.

Y el premio al método más explosivo se lo lleva Pigginteabreak, que usa el escudo para grindar en los raíles, bombas para impulsarse y su conocimiento de la física para superar el puzle. Estoy seguro de que a muchos no se nos habría ocurrido ni en nuestros mejores sueños.

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Y puestos a rizar el rizo, el ilustrador @JakeyBoiArts debería tener convalidadas una o dos asignaturas de ingeniería por la solución que propone. Se basa en la misma idea que los dos primeros ejemplos, pero definitivamente se complica la vida muchísimo más. Ha quedado tan brutal como pintaba en su mente.

Pero quizás el asunto se esté tratando con demasiada complejidad. Es posible que la construcción no vaya mucho con joeyisquitemid y sea fan de Tony Hawk, porque su método consiste en saltar y en grindar los raíles con una vagoneta acoplada. Simple y sencillo como en funcionamiento de un chupete.

Hasta ahora, los jugadores han empleado soluciones muy creativas para resolver el santuario, pero lamentablemente eso se está empezando a ir al traste. El Santuario se ha viralizado en redes sociales y hay una creciente cantidad de vídeos que muestran cómo resolverlo correctamente. En vez de tirar de creatividad, muchos usuarios están comenzando a tirar de Google... algo destroza por completo la idea de Tears of the Kingdom.

Ahora os toca a vosotros: ¿qué os parecen estas soluciones?, ¿las preferís a la solución convencional?, ¿habéis superado este santuario? Y si la respuesta es afirmativa, ¿cómo lo hicisteis? La caja de comentarios es vuestra para contar cómo lo hicisteis... o cómo lo haríais.

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La fantasía más mágica es la que invade a Break!, el nuevo TTRPG de mesa que busca financiación en Kickstarter para dar forma a un proyecto que bebe de fuentes la mar de interesantes. Reynaldo Madriñán y Grey Wizard, no deben estar creyéndose el apoyo tan brutal que está recibiendo su título.

De los 11.464 euros solicitados para que la campaña salga adelante, ahora mismo Break! cuenta con 442.675 euros contribuidos por parte de la comunidad, siendo el 17 de mayo la fecha en la que se cerrará el crowdfunding. Inspirándose en los clásicos de anime japonés y en videojuegos de la era de SNES como Zelda, podremos conseguir un libro de 470 páginas si abonamos 45 libras, aunque la versión digital con las reglas se obtiene por 20 libras.

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Las reglas se basan en las normas 5e de D&D, buscando un entorno familiar para los recién iniciados en un reino posapocalíptico en el que nos toparemos con estructuras enormes, máquinas de guerra y una naturaleza que se ve asolada por la polución más contaminante. El planeta está sumido en la más absoluta oscuridad por una parte, mientras que la otra tan solo puede ver el brillo del sol constante.

Son ocho clases y once especies las que podremos escoger para crear nuestro personaje para echar una partida, pero cada uno de ellos será muy particular. Contaremos con una característica llamada Quirk, la cual dota de una anomalía física o psicológica a nuestro personaje. Evidentemente, cada uno de ellos cuenta con armas, hechizos mágicos, armaduras, mascotas, seguidores, vehículos y otras distinciones exclusivas. Todo ello puede ser generado en apenas 10 minutos.

Negociación, exploración y combate son algunos de los formatos que podremos abordar jugando a Break!, el cual presenta unos diseños espectaculares hasta con los enemigos. Si quieres ir echando un vistazo a las características principales, puedes hacerlo a través del PDF gratuito.

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Bien sabemos que los desarrolladores de videojuegos son unos maestros a la hora de diseñar y crear sus obras. Sin embargo, descubrir algunos trucos debajo de la manga como sucede en Fallout 3 nos deja atónitos. Toda la parte inicial siendo un bebé se creó haciendo que nuestro personaje fuese diminuto y realmente no controlamos a un recién nacido. Con motivo de este particular detalle, os traemos unos cuantos ejemplos más de cómo los estudios se las ingenian para optimizar los títulos y que tengamos la mejor experiencia posible.

Assassin's Creed, DOOM y BioShock

Jennifer Scheurle, desarrolladora de Opaque Space, desveló que en DOOM y Assassin's Creed los últimos puntos de vida tienen mayor valor para crear la sensación artificial de que sobrevivimos a los ataques enemigos. En el caso de BioShock, Paul Hellquist quiso sumarse diciendo que el último estertor de vida nos hace invulnerable durante dos segundos.

Uncharted 4

De una forma similar, en Uncharted 4 logramos esquivar todas las balas con Nathan Drake y la única que impacta realmente contra el protagonista es la que acaba con su vida. Además, Naughty Dog necesitaba que hubiese ruido de disparos de fondo en algunas secuencias, así que colocó pistolas que disparaban solas contra una pared para crear el sonido.

Firewatch

El relajante título de Campo Santo nos lleva por un bosque repleto de misterio y con la única compañía de una guardabosques al otro lado del walkie-talkie. Podemos escoger qué responderle, pero lo mejor es que no responder también tiene sus consecuencias, aunque no aparezca como una opción. Jane Neng explica que el equipo quiso que sintiésemos que los personajes son reales.

Juegos de plataformas

Este truco de desarrolladores aplica a multitud de obras con plataformas o en las que tengamos que saltar. El creador Chevy Ray, miembro del equipo de Earthblade, explicó que existe el término "tiempo coyote" para referirse a una situación en la que un jugador cae al vacío, pero pulsa saltar. Si la diferencia entre ambos sucesos no es excesivo, el salto se ejecutará para no frustrarnos.

Alien: Isolation

Todavía tenemos pesadillas con el xenomorfo de Alien: Isolation persiguiéndonos por todas partes. Tommy Thompson confesó que el dichoso alienígena era capaz de encontrarnos gracias a que le implementaron dos cerebros. Uno de ellos sabe dónde estamos en todo momento y el segundo controla el cuerpo del monstruo.

Evitar que seas un torpe

Puede que hayas pensado en alguna ocasión que tus movimientos con el personaje en tercera persona son demasiado exactos. Prácticamente nunca te atascas, vas derecho hacia donde quieres y todo es genial. Esto es debido a que los desarrolladores implementan una corrección en el joystick. Lo que supone este cambio es que hace que rodeemos objetos grandes como rocas o vehículos independientemente de si apuntamos de forma precisa o no.

Mario Kart y GTA Online

¿Por qué ir primero en Mario Kart es una condena de que te caiga un caparazón azul? Bueno, esto es debido a que Nintendo apuesta por otro concepto habitual como el de la "banda elástica". Hablamos de un método que favorece enormemente a los jugadores en desventaja frente a los que lideran. Sucede en los modos competitivos, buscando que no haya una frustración muy grande ni que sea imposible remontar. Lo mismo podemos ver en GTA Online con las carreras, ya que se puede activar o desactivar la opción de que el primer clasificado sea más lento que sus rivales.

Gears of War

Si la gente ha disfrutado de cientos de horas en las partidas online de Gears of War es, entre otros motivos, por su primera batalla. Lee Perry, veterano desarrollador de la franquicia, señaló que el 90% de los jugadores dejaban de participar si en la primera partida no conseguían una baja. Para evitar ese abandono, Perry decidió aumentar las estadísticas de las armas un poco para que fuese más fácil incorporarse a la lucha.

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Horizon Zero Dawn

Puedes hacer que tu videojuego sea un pepino cósmico que tenga más detalles que la vida misma, pero en consecuencia necesitarás un sistema de la NASA. Para evitar problemas de explosiones y ventiladores como reactores de un caza, lo mejor es optimizar recursos. Un ejemplo de ello es lo que consiguió Guerrilla Games con Horizon Zero Dawn. Todo lo que veamos en pantalla del mundo abierto está generado, pero por detrás de la cámara no habrá nada o estará en proceso de carga. De esta forma se alivia mucho la carga de trabajo para los componentes.

Devil May Cry y Zelda

Dos ejemplos básicos de cómo no agobiar al jugador en una situación de estrés. En The Legend of Zelda: Ocarina of Time, cuando te topes con un grupo de enemigos, solo te atacará aquel que hayas fijado. Por otro lado, en Devil May Cry se ralentizará a los contrincantes que estén fuera de tu campo de visión para que sean más lentos. Es la típica situación de película en la que si todos los rivales se lanzasen en tromba a por ti, no tendrías ninguna oportunidad.

Minecraft Dungeons ya de por sí se aleja muchísimo de la fórmula habitual de Mojang. Básicamente consiste en coger los personajes y el mundo cuadriculado de Minecraft para meterlos en un Action RPG al estilo de la saga Diablo. Sin embargo, al principio iba a ser otra cosa muy distinta.

Måns Olson, director del juego, ha confirmado en una entrevista con US Gamer que Minecraft Dungeons no se inspiraba en la saga de Blizzard al principio del desarrollo. En su lugar, la cosa iba a ser más como The Legend of Zelda.

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Todo se remonta a cuando el título iba a salir como exclusivo de Nintendo 3DS, tal y como os contamos hace meses. Entonces se concibió como un juego individual que quería distanciarse del Minecraft de siempre, centrándose más en la acción y la aventura.

Empezó como un pequeño título para un jugador, bastante menor en escala, y mientras hacíamos el prototipo nos dimos cuenta de que sería divertido que fuera multijugador.

Con el tiempo, Dungeons no solo pasó a ser un juego de PC, Switch, PS4 y Xbox One, sino que el equipo empezó a considerar que fuera multijugador. A raíz de esto último, la fórmula cambió por completo para amoldarse más a ese tipo de experiencia compartida.

En cuanto a las ideas de Zelda, "no hay mucho de eso que haya permanecido en el juego tal y como es ahora", explica Olson. El director define Minecraft Dungeons como más parecido a Diablo o Gauntlet, menos puzle y más hack n' slash cooperativo.

Este spin-off tiene previsto salir al mercado el próximo 26 de mayo. Ya queda menos para aventurarnos en las mazmorras cúbicas que nos propone junto a varios amigos.

Cuando hablamos de los pesos pesados de Nintendo Switch a nivel de exclusivos, siempre se nos vienen a la cabeza The Legend of Zelda: Breath of the Wild (si no contamos que también está en Wii U), Super Mario Odyssey o Super Smash Bros. Ultimate. Clásicos instantáneos que han recibido todo tipo de ovaciones por parte de la crítica y de los usuarios. No obstante, el honor de ser el título más vendido de la consola no lo tiene ninguno de ellos. La compra obligatoria para casi cualquier usuario de Switch, según parece, es un juego que salió hace ya más de cinco años.

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Es cierto que la híbrida de Nintendo no lleva tanto tiempo en el mercado, pero como sabéis, Mario Kart 8 no se lanzó originalmente para esta, sino para su predecesora allá por 2014. Ya entonces se convirtió en uno de los abanderados de Wii U, ayudándola a salir a flote cuando más lo necesitaba.

Su presencia en Switch en forma de edición Deluxe ha insuflado una nueva vida a la última entrega de la saga de carreras más icónica de Nintendo. Casi tres años han pasado desde que arrancó por segunda vez y todavía sigue vendiendo como si no hubiera mañana. ¿Cuál es su clave?

La marca Nintendo: diversión para toda la familia

Por un lado, el modelo de negocio que Nintendo suele seguir con los exclusivos es, cuanto menos, peculiar. Seguramente os hayáis fijado en que sus juegos rara vez bajan de precio. Mario Kart 8 Deluxe cuesta la friolera de 59,99 euros en la eShop, y no mucho menos en las tiendas físicas. A nadie le gusta ese acercamiento, pero creo que es útil entender qué lo motiva.

Todo esto se debe a que Nintendo sabe que sus franquicias tienen millones de fans alrededor del mundo, que son iconos reconocibles por cualquier persona. Por lo tanto, si alguien quiere jugar al último Mario Kart no puede hacerlo en cualquier consola, tiene que ser en una Switch. Y el caso es que todo el mundo quiere jugar, ergo, van a pagar lo que cueste.

Las sagas de esta compañía no solo son mundialmente famosas por haber plagado la cultura popular de obras importantísimas, las cuales han calado en muchos de nosotros desde que éramos pequeños. También lo son porque su público objetivo es mucho más amplio que el de la competencia. Van dirigidas a jóvenes y adultos aficionados a los videojuegos, sí, pero también a niños y niñas que disfrutan con títulos accesibles y coloridos, así como a sus padres, que juegan con ellos y les enseñan. Son juegos para uno solo, o para toda la familia. En ese sentido, Mario Kart no tiene rival.

Nintendo es perfectamente consciente de que sus personajes y fórmulas son atemporales. Llevan subsistiendo desde los 80, así que saben que cualquier familia en un momento dado va a querer comprar una Switch con Mario Kart 8 Deluxe, porque todo el mundo conoce a Mario, ese personajillo con bigote que es sinónimo de diversión en todo el mundo.

A pesar de no ser ninguna novedad a estas alturas, lo siguen promocionando en todas partes, sobre todo cuando llega la campaña de Navidad. Los packs de la consola con el juego se venden a espuertas y tanto niños como padres se lo pasan pipa jugando.

Sus anteriores entregas también copaban las listas de ventas en cada plataforma, pero este Deluxe lleva el clásico a un nuevo nivel. Se puede jugar en la televisión o en modo portátil, cuando sea y donde sea. Por si fuera poco, la consola viene equipada con dos mandos, permitiendo ese juego padre e hijo sin dificultad alguna, y convirtiéndolo además en un candidato perfecto para darle caña cuando vienen los amigos de visita a casa.

Diseñado para que siempre apetezca jugar

Esas son algunas de las razones que han catapultado a Mario Kart 8 Deluxe hasta lo más alto de las listas de ventas en el catálogo de la híbrida, pero aún falta la más importante: es el mejor Mario Kart de todos, y por ende, un torbellino de entretenimiento al que siempre apetece darle. Es inmediato, lo pones y ya estás echando una carrera. Te dejas llevar por lo directo que es, pero eso no significa que puedas jugar con el piloto automático, porque su frenetismo es tan imprevisible que te obliga a mantenerte siempre alerta (con las ayudas desactivadas, claro).

Hay algo especial en su fórmula. Un equilibrio prácticamente perfecto entre la accesibilidad del juego relajado, y el desafío que no nos permite bajar la guardia en ningún momento porque a la mínima nos caemos de la pista. Dos aspectos contrarios que, en lugar de anularse, se refuerzan el uno al otro. Por no mencionar a los objetos, ese añadido de locura gracias al cual siempre está pasando algo nuevo y sorprendente.

Muchos han tratado de imitar a Mario Kart desde hace años para replicar esta clase de sensaciones, con muy buenos resultados o perspectivas diferentes que también merecen la pena, pero está claro que la saga del fontanero le tiene cogido el truco desde hace mucho tiempo.

Todos sus juegos están diseñados para que jugar siempre sea estimulante. Las pistas están plagadas de oportunidades de turbo que nos toca maximizar, recompensando la habilidad y la observación con una buena dosis de sensación de velocidad y posibilidad de adelantamiento.

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Casi todo en Mario Kart otorga turbos, y por eso es tan vital y tan satisfactorio hacer buenos derrapes. No es solo que esa técnica venga mejor, es que es más divertida de usar. Igual que también lo es tomar cada atajo en el momento oportuno, normalmente llenos de saltos y maniobras espectaculares que nos dejan por delante del rival con un estilo inigualable.

Años y años de perfeccionamiento han logrado que la saga de las carreras del fontanero sea todo un prodigio de la velocidad. Cada circuito está meticulosamente pensado para que siempre esté ocurriendo algo y tengamos que tomar decisiones a toda velocidad. Una masterclass en la que todos los engranajes encajan... hasta que entran en escena los objetos y lo mandan todo al traste, pero ese punto imprevisible es la mejor parte.

Incluso si es la primera vez que juegas y todavía no dominas la conducción, la diversión está garantizada gracias a lo variado de estos ítems y la cantidad de situaciones que estos generan. Amén de los circuitos, cada uno de ellos con su propia personalidad y capaces de enamorar a primera vista. Además los hay a puñados, porque esta edición Deluxe trae las ocho copas del original más las cuatro de los DLC, con cameos de lujo por parte Animal Crossing, Splatoon o Zelda.

Un indispensable, en general

Podría estar un buen rato más hablando del renovado y completísimo modo Batalla, o de los intensos enfrentamientos del online, pero esos no son más que añadidos. Aportan al conjunto, pero lo mejor de Mario Kart 8 Deluxe es todo lo que acontece en su núcleo jugable. La garantía de que es un juego con el que te vas a divertir sí o sí nada más ponerlo, y de que le vas a sacar provecho para tener piques con otra persona.

Es un clásico dentro de una saga clásica, una garantía de calidad para cualquiera que tenga una Switch, sin importar la franja demográfica. Mario siempre cumple cuando hablamos de diversión, y esto lo digo con conocimiento de causa: no pude (no quería) parar de jugar hasta hacerme tres estrellas de oro en todas las copas y en dificultad 200cc.

Quién no conoce a estas alturas al creativo más distinguido de toda la historia del videojuego. Shigeru Miyamoto es todo un icono tanto en nuestro medio como en su país de origen.

El gobierno japonés ha reconocido al diseñador con un título especial por todas sus contribuciones, el de Persona de Mérito Cultural. Cada año se suelen nombrar a una serie de artistas, músicos, escritores, directores de cine y demás por lo que han aportado a la cultura japonesa, pero esta es la primera vez que un creador de videojuegos lo recibe. De esto informa el medio Nikkei, a cuya información traducida hemos podido acceder gracias a Kotaku y Anime News Network.

Shigeru Miyamoto to be recognized as a Person of Cultural Merit by Japan. In response, he said, "I'm thankful that light is being shined upon the genre of games." Not forgetting his co-workers: "This is a job where you can't do anything by yourself." https://t.co/hWn7lBpNYM https://t.co/jLHVznLPoW

— Cheesemeister (@Cheesemeister3k) October 29, 2019

Shigeru Miyamoto reconocido como Persona de Mérito Cultural en Japón. En respuesta, ha dicho "agradezco que se arroje algo de luz al ámbito de los videojuegos". No se olvida de sus compañeros: "Este es un trabajo en el que no puedes hacerlo todo tú solo".

Junto a él, el susodicho título se le ha otorgado también a otra veintena de personas este año, entre las que destacan la mangaka Moto Hagio o el director Nobuhiko Obayashi. Se unen así a creadores tan importantes como Hayao Miyazaki, quien recibió la distinción en el año 2012.

Shigeru Miyamoto es uno de los principales artífices que han conducido a Nintendo a ser lo que es hoy en día. Ha sido el creador de franquicias tan míticas como Super Mario, The Legend of Zelda, Star Fox o Pikmin, y en la actualidad sigue actuando como Consejero Creativo y Director Representativo en la compañía.

The Legend of Zelda: Breath of the Wild no ha parado de demostrarnos a lo largo de estos más de dos años y medio que esconde una barbaridad de secretos y curiosidades. Por si no fuera suficiente, speedrunners y jugadores en busca de desafíos siguen completando el juego de formas de lo más peculiares.

El usuario PointCrow ha intentado este fin de semana uno de los retos más difíciles que hemos visto hasta el momento, ya que su intención ha sido la de pasarse la galardonada aventura de Link utilizando únicamente el escudo. Por lo tanto ha tenido que dejar de lado cualquier espada, arco, bombas, etc.

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La importancia del idioma en los speedruns

De primeras parece algo imposible, pero solo hace falta echarle un ojo al vídeo que ha publicado de algo más de media hora para comprobar la increíble hazaña que supone superar el juego de esta forma. 

Para ello, a lo largo de las más de 27 horas que ha durado realmente la partida, dedica la mayor parte del tiempo a recolectar los escudos más resistentes que existen, ya que son necesarios posteriormente para enfrentarse a Ganon. Hasta llegar ahí vemos cómo emplea bloques de acero para hacer frente a los Centaleones con la ayuda del imán o cómo aprovecha las condiciones climáticas del tiempo con lluvia para resolver los puzles de ciertos santuarios.

Aun así, lo mejor de todo es la pelea contra Ganon y las tácticas que emplea para devolver sus disparos o incluso para golpearle con los escudos hasta derrotar a todas y cada una de sus fases. Si tenéis un rato libre en algún momento, os recomendamos que no os lo perdáis porque además el responsable de este reto lo hace con un gran sentido del humor.