Una figura como la de Hisko Hulsing se ha ganado todo el derecho a que estemos muy atentos a sus futuros trabajos, especialmente si el cineasta holandés cuenta en su currículum con proyectos como dos temporadas de Undone, The Sandman en Netflix y las secuencias animadas del documental sobre Kurt Cobain Montage of Heck. Por si fuera poco, su regreso al cine independiente con Danse Macabre luce de auténtico escándalo.

Hablamos de un cortometraje animado de cuatro minutos y medio ambientado en el segundo movimiento de la Décima Sinfonía de Dmitri Shostakóvich, pero con la particularidad de que Hulsing pintó a mano los fondos y personajes en 75 óleos gigantes. Todo ello se repartió a un equipo de más de 30 artistas repartidos por Francia, Hungría, Bélgica y los Países Bajos, el cual ha estado trabajando durante 11 años para materializar la producción.

Gracias a Cartoon Crew, ya tenemos acceso a un tráiler en el que se nos muestra una procesión de soldados esqueleto, músicos angelicales y figuras religiosas en una visión progresiva de caos, muerte y guerra que es absolutamente espeluznante. Hulsing no ha utilizado guion alguno, sino que se ha basado en la música de Shostakóvich para dar forma a todo lo que vemos.

Por si fuera poco, Hulsing rodó todo el cortometraje en imagen real sobre fondo verde con actores y músicos reales (incluido su hijo al violín para garantizar la precisión de los movimientos). Esta grabación sirvió solo como referencia de movimiento para los animadores, sin usar técnicas de rotoscopia. También se intentó evitar generar una imagen digital, similar a la de un videojuego, por lo que se desarrollaron herramientas informáticas y shaders personalizados durante dos años.

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El esfuerzo en este sentido ha sido titánico, ya que los programas fueron alimentados con las pinturas de Hulsing para replicar su textura exacta sobre la animación combinada en 2D y 3D. Posteriormente, el propio Hulsing retocó casi cada fotograma a mano para que el resultado final pareciera una pintura al óleo en movimiento. Si bien Danse Macabre toma mucha de la ambientación de la Rusia soviética bajo el mandato de Joseph Stalin, lo cierto es que Hulsing ha querido evitar la inclusión de cualquier ideología política.

¿Cuándo podremos ver todo el resultado? Será durante el prestigioso Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, entre el 21 y el 27 de junio, ya que allí se proyectará toda la animación.

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A lo largo de las últimas semanas, dos directores noveles de Hollywood se han convertido en la sensación del verano. Kane Parsons ha pegado el pelotazo con Backrooms, mientras que Curry Barker ha asaltado la taquilla mundial con Obsession. Ambas cintas siguen recaudando millones de dólares cada semana y ahora han recibido la mejor de las noticias.

A través de una entrevista con el medio estadounidense Pop Drop, Steven Spielberg ha hablado sobre estos dos directores y se ha rendido ante ellos por haber logrado un éxito atronador con películas independientes y con identidad propia, pero sobre todo por haberlo conseguido con un presupuesto tan limitado.

"Me alegro muchísimo por ellos. Creo que es fantástico. Me parece genial que hayan trabajado prácticamente con muy poco dinero. Obsession, en particular, tuvo un presupuesto inferior al millón de dólares, y la otra película quizá contó con unos diez o nueve millones, y aun así les está yendo muy bien. No puedo más que aplaudirlos. No he visto Backrooms todavía. La veré cuando termine todo esto. Pero sí he visto Obsession y me encantó".

Que Spielberg tenga estas palabras para tu primer proyecto es claramente una señal de que estás haciendo las cosas bien. Sobre todo porque el legendario director sabe perfectamente cómo hacer películas de éxito con un presupuesto muy limitado, como ocurrió con Tiburón o E.T., el extraterrestre.

Desde luego, el género del cine de terror ha sido el soplo de aire fresco que necesitaba Hollywood, ya que es una de las pocas industrias que no tiene miedo de arriesgar. Además, también destaca por su buenísima accesibilidad para directores noveles, lo que ha llevado a crear productos únicos, pero sobre todo con identidad propia.

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Una de las adaptaciones más esperadas de los próximos años es, sin duda alguna, Death Stranding. El universo creado por Hideo Kojima tendrá una nueva historia en la gran pantalla de la mano de Michael Sarnoski, quien ya ha comenzado a escribir la película e incluso le ha dado un primer borrador al director nipón.

A través de una entrevista con IGN, Sarnoski reveló que ya ha hecho un primer borrador de la película y que este fue enviado tanto a A24 como a Kojima. Ambos, aunque con algunas correcciones, parecen estar bastante encantados con el resultado y ya están reuniéndose de manera cada vez más asidua para terminar el guion definitivo.

"He estado hablando mucho con Kojima y con A24 sobre el proyecto. Han leído un borrador. Estamos trabajando juntos en algunas revisiones y todos parecen muy emocionados y satisfechos con lo que estamos haciendo".

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Sarnoski reveló también que algo que siempre le ha agradecido a Kojima desde que empezó con el proyecto fue la enorme libertad creativa que le concedió para poder crear su propia visión de este mundo a través de una historia completamente nueva y ajena a lo visto en los videojuegos.

Porque sí, esta película no adaptará la historia que ya hemos visto en las consolas de Sony, sino que se situará en el mismo universo. Este método de adaptar franquicias de videojuegos está cada vez más presente y, aunque algunos tienen dudas, parece que puede ser la mejor manera de hacerlo, ya que Fallout ha sido un completo éxito y todo apunta a que la nueva película de Resident Evil podría correr la misma suerte.

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En tan solo unos días, Kane Parsons ha pasado de ser un youtuber a uno de los cineastas con mayor potencial de Hollywood en la actualidad tras el estreno de Backrooms. Con tan solo 20 años, el director proviene de una generación que ha vivido con las nuevas tecnologías y donde la IA ha entrado de lleno en su vida desde casi su adolescencia. Sin embargo, su opinión acerca de esta tecnología no concuerda con la de parte de su generación.

A través de una entrevista en un medio australiano, Parsons comentó que detesta por completo la inteligencia artificial generativa y que el futuro, por el momento, es un tanto impredecible debido a la poca regulación que existe sobre esta tecnología. No obstante, tiene un punto a favor para esta herramienta.

"Lo que más me interesa es analizarla desde un punto de vista artístico. Ya vivimos en un mundo en el que sales a la calle y ves carteles publicitarios y anuncios que son claramente basura generada por IA. Eso ya forma parte de nuestra realidad visual. Para mí, la IA generativa se siente menos como una innovación y más como un síntoma de una decadencia cultural y económica más amplia. Me interesa utilizar esa iconografía en el arte, no emplear la IA para crear la obra en sí, sino examinar lo que representa"

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Tal y como se puede leer en la entrevista, el director está completamente en contra de este tipo de IA y, si por él fuera, eliminaría cualquier rastro de estas herramientas en el ámbito artístico. Sin embargo, reconoce que pueden ser una herramienta bastante buena para agilizar procesos tediosos que no tienen como eje central lo artístico.

Por ejemplo, cosas como la renderización o la rapidez a la hora de procesar efectos especiales sí son perfectas para que la IA trabaje calculando todo tipo de variables y ofreciendo un resultado fiable en poco tiempo. Es por ello que, aunque la mayoría de empresas afirmen que están usando IA, muchas de ellas la están utilizando para acelerar procesos computacionales más que para crear un vídeo o una imagen. Esperemos que en el futuro siga predominando esta opinión y que el mundo en el que convivimos no se convierta en una prisión tecnológica.

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Dentro de pocos días, Steven Spielberg volverá a los cines después de cuatro años desde su última película con El Día de la Revelación. El legendario cineasta estadounidense regresará a la ciencia ficción después de varias décadas, y su objetivo será volver a darle una vuelta de tuerca al género extraterrestre.

Durante el estreno de la película en Estados Unidos esta misma semana, Spielberg afirmó que esta película no iba a ser el típico largometraje de extraterrestres, sino que ofrecerá una nueva visión sobre estos misterios para hacer una película creíble sobre el fenómeno OVNI.

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"No se trata de un repaso histórico completo de los OVNIS, sino de contarlo desde el punto de vista de los denunciantes que están saliendo ahora y empezando a revelar la verdad", comenta Spielberg, dejando claro que esta película estará hecha por y para los nuevos exploradores y curiosos que siguen descubriendo anomalías en el cielo.

Así, Spielberg no solo quiere hacer una buena película de ciencia ficción, sino crear la película de OVNIS más realista de la historia. Contact, La Llegada o la propia película del director, Encuentros en la Tercera Fase, son algunas de las cintas que se encuentran en este Olimpo del género, y todo apunta a que esta nueva película aspira a presentarse como una candidata seria para entrar de lleno en este selecto club. Ya lo ha hecho una vez (o más), así que no será difícil para el bueno de Steve.

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Las Guerras Clon acabaron en el preciso instante en el que Palpatine emitió la Orden 66 en La Venganza de los Sith. Si bien no fue un final inmediato, como ocurre con las guerras actuales, lo cierto es que el nuevo Imperio gestionó todo rápidamente. Se suele decir que las principales víctimas de este final fueron los Jedi, pero lo cierto es que el destino de ambos ejércitos fue igual o peor. Mientras que el caso de los soldados clon fue agónico y cruel, los droides casi desaparecieron en cuestión de segundos.

Lo primero que debes saber es que el ejército droide separatista nunca fue un ejército estatal, planetario o perteneciente a sistemas concretos, más bien fue una fuerza corporativa fruto de la necesidad. Su creación fue una colaboración de megacorporaciones como la Federación de Comercio, el Gremio de Comercio y el Clan Bancario Intergaláctico, entre otras, que se unieron al Conde Dooku y que sirvieron bajo las órdenes del General Grievous. Llegó a ser la fuerza militar más numerosa de la galaxia.

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Su destino fue tan frío e irrelevante durante las películas que solo tenemos pequeños datos aquí y allá para reconstruir los hechos en La Venganza de los Sith, The Bad Batch y Rebels. Tras la Orden 66, el ataque al Templo Jedi y la masacre del Consejo Separatista en Mustafar, Palpatine y Darth Vader emitieron una orden a nivel galáctico para desactivar de inmediato todos los droides, sin excepción. Millones de tropas y vehículos se desplomaron en un instante. Imagina el final de la Batalla de Naboo, pero a nivel galáctico.

Envía un mensaje a las naves de la Federación de Comercio. Todas las unidades droides deben desconectarse de inmediato. - Darth Sidious a Palpatine

El Imperio proclamó que los restos de los droides eran de su propiedad y se prohibió terminantemente la creación futura de ejércitos automatizados. Los restos del ejército droide (naves, vehículos, robots...) se desguazaron y fundieron junto a gran parte del material del ejército de la República (algunas cosas se reutilizaron) para crear la enorme maquinaria de guerra imperial. Se puede ver durante el incio de Jedi: Fallen Order, por ejemplo. Ahora ya sabes de dónde sacó el Imperio tanto material para la Estrella de la Muerte y el resto de su ejército imperial.

Sin embargo, el apagado no fue limpio y no toda la galaxia respetó la orden de Darth Vader. A partir de aquí, el destino de los droides se divide en tres ramas: reprogramados para trabajar en campos, minas y seguridad (único destino humilde y bueno), vuelta al servicio en los pocos reductos separatistas (señores de la guerra) y el mercado negro. Esta última fue la más extendida. 

Sindicatos del Crimen, piratas, contrabandistas y lo peor de la galaxia aprovecharon para arramblar con todo y crear sus pequeños ejércitos privados con mejoras modernas. También se utilizaron como guardaespaldas, cazarrecompensas y gladiadores. Por esa razón ves tantos droides en Mandalorian y Grogu: el Sindicato Hutt fue uno de los principales beneficiados del destino del ejército droide.

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A lo largo de toda la historia de la franquicia, el personaje de James Bond ha sido interpretado por numerosos actores diferentes que siempre nos han hecho disfrutar de películas cargadas de artilugios sorprendentes, las llamadas chicas Bond y una buena dosis de acción en algunas secuencias de las que te dejan boquiabierto. Una de las mejores de toda la saga la pudimos ver hace 52 años en El hombre de la pistola de oro.

En aquel momento, en el año 1974, el agente 007 estuvo interpretado por el actor Roger Moore, quien en un momento de la trama tenía que perseguir al villano, Scaramanga (Christopher Lee), por Bangkok. La situación le llevó a robar un coche de un concesionario y pisar el acelerador a fondo para que no se le escapara. En ese momento, se dio cuenta de que podía tomar un atajo muy peculiar.

Con el fin de cruzar el río que estaba situado al lado de la carretera por la que conducía, se fijó en un puente que estaba en ruinas, con la convicción de que pillando la suficiente velocidad podía ejecutar un salto tan grande que le permitiría salir disparado y aterrizar al otro lado. Eso mismo nos permitió presenciar una de las acrobacias más alucinantes de la historia del cine, ya que el coche dio un giro de 360 grados en el aire y aterrizó sin ningún problema en la orilla. A continuación podéis verlo al completo.

Cómo se logró esta secuencia tan inolvidable

Para que esta escena fuera posible y lo más creíble, ya que estuvo totalmente exenta de efectos especiales, el equipo de producción colaboró con la empresa Calspan Corporation, especializada en la investigación y realización de pruebas automovilísticas. De esta manera, empleó un ordenador para llevar a cabo una serie de cálculos necesarios para que todo saliera a la perfección.

Según la investigación, el conductor y el volante debían estar situados en todo el centro del vehículo, además de utilizar una rampa curvada que se pudiera atravesar a una velocidad de 77,25 kilómetros por hora. Dicho esto, el equipo se puso manos a la obra para construir la rampa y modificar el coche con los ajustes necesarios, además de contratar al especialista en acrobacias Loren "Bumps" Willert.

En el momento de la verdad, hubo que colocar un maniquí a cada lado del especialista, para simular los pasajeros, mientras que él se encontraba en el centro pintado de negro para que no se le viera. Aun así, otro detalle de lo más sorprendente es que él jamás había pilotado un coche, pero se suponía que con pisar el acelerador a fondo para pillar la suficiente velocidad sería suficiente.

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Y finalmente así fue, ya que el resultado fue excelente y solo necesitó una única toma. En resumen, los cálculos del ordenador fueron perfectos al no ser necesario repetir la toma, por lo que se podría decir que la idea que tuvo Calspan Corporation fue la adecuada de principio a fin. Un momento tan impresionante que se podría decir que sirvió de inspiración para otras tantas películas que también quisieron rodar escenas de este tipo, como bien puede presumir Tom Cruise.

Por otro lado, aunque el equipo de producción invitó a más de un centenar de periodistas para que lo presenciaran en persona este momento tan impresionante, hubo algunos que ni con esas se lo terminaron de creer.

Trasladamos a unos 100 periodistas desde Europa a Tailandia en un Boeing 747. Aunque presenciaron cómo el coche volaba dando un giro de 360 ​​grados de un lado del río al otro, muchos de ellos dijeron, cuando se estrenó la película, que era el efecto especial más bonito que jamás habían visto.

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Este mes será muy intenso para todos los cinéfilos porque a lo largo de las próximas semanas se van a estrenar una gran cantidad de películas por las que merecerá la pena rascarse el bolsillo para acudir a las salas de cine. Sin duda, una de las más prometedoras de todas ellas es El Día de la Revelación, que puede ser que a alguno no os diga mucho por el nombre, pero se trata del último trabajo dirigido por Steven Spielberg.

Tan solo quedan siete días para que se produzca el estreno de la que apunta a ser una de las mejores películas de 2026, ya que algunos críticos han tenido la oportunidad de verla por adelantado y ofrecer su valoración. Las impresiones que les ha dejado han sido tan soberbias que hasta ha habido quien se ha atrevido a calificarla como "la mejor película de Spielberg en 20 años", lo que sin duda es una afirmación a tener en cuenta.

Solo hace falta echarle un vistazo a algunas de estas críticas que se han depositado para que la expectación se dispare por las nubes, alabando de paso la impecable actuación de Emily Blunt. Aquí tenéis algunas de ellas:

Collider - Steven Spielberg volvió a dar en el clavo. Tuve la suerte de ver esta película sin saber casi nada sobre ella y recomiendo encarecidamente que hagáis lo mismo.

Gizmodo - Disfruté mucho de El Día de la Revelación. Es una intensa montaña rusa de emociones que combina acción, amor y crimen con un toque de ciencia ficción. Es la mejor película de Spielberg en 20 años, y cuenta con una actuación inolvidable de Emily Blunt.

Slashfilm - Es la película más extraña que Spielberg ha hecho jamás (en el buen sentido). Una cinematografía impresionante, un guion de David Koepp, la mejor actuación de Emily Blunt y la mejor banda sonora de John Williams en años. Una obra fascinante y conmovedora.

The Wrap - No recuerdo la última vez que disfruté tanto de una película de Spielberg, llena de suspense, divertida, conmovedora y con actuaciones brillantes, con una Emily Blunt increíble. Repleta de misterio y asombro, demuestra que nadie lo hace como Spielberg. Simplemente brillante.

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Para no destripar demasiado, la trama de El Día de la Revelación nos plantea la pregunta de qué pasaría si descubriéramos que no estamos solos en el universo y alguien tratara de abrirnos los ojos y demostrarlo. Eso mismo lo podremos descubrir a partir de la semana que viene con este peliculón en el que Emily Blunt está acompañada por actores de la talla de Josh O'Connor, Colin Firth, Colman Domingo y Wyatt Rusell, entre otros.

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Este fin de semana llegará a los cines españoles una de las grandes sensaciones del verano y del año. Backrooms está lista para arrasar en la taquilla de todo el mundo, y si bien el futuro de Kane Parsons parece estar ligado a este universo, hay una película que le encantaría hacer y que nosotros estaríamos encantados de ver.

A través de una entrevista con el portal estadounidense The New York Times, el joven cineasta reveló que lleva un tiempo considerando la adaptación de nada más y nada menos que Portal, uno de los juegos que más le ha marcado en su vida y que le encantaría llevar a la gran pantalla, eso sí, respetando enormemente el material original.

Sin embargo, Parsons comentó que aún tiene pendientes varios proyectos centrados en el universo Backrooms. Una vez acabe de desarrollar todo este universo, ya comenzará a plantear una adaptación de una de las sagas más legendarias de la industria.

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En cuanto a Valve, el estudio liderado por Gabe Newell lleva varios años intentando llevar a la gran pantalla sus sagas más icónicas. J. J. Abrams intentó trabajar en estas adaptaciones hace más de una década, pero, con el paso del tiempo, este proyecto se fue difuminando poco a poco entre la niebla.

Actualmente, existe tan solo un proyecto oficial que adapta un juego de Valve: Dota: Sangre de Dragón, una serie animada bastante querida por los fans y que puedes ver en Netflix. Es cierto que da un poco de miedo que alguien tan joven quiera hacer una película sobre esta saga, pero, sabiendo que Portal ha sido su principal referencia para Backrooms, estamos seguros de que rendiría un tributo más que digno a la obra maestra de Valve.

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Ya se podrían escribir libros sobre La Odisea de Christopher Nolan y ni siquiera ha llegado a los cines. Lo hará el próximo 17 de julio. Resulta increíble que una película que todavía no se ha estrenado sea precursora de debates tan polarizados entre el público, más incluso de lo que fue en su momento Gladiator II, por ejemplo. Mientras, los tráilers e imágenes oficiales prometen una aventura de proporciones épicas y de un detalle que ni los propios actores dan crédito.

La criaturita de Nolan tiene un presupuesto de 250 millones de dólares y es el proyecto más ambicioso de su carrera. Es importante tener este dato en cuenta para comprender mucho mejor las recientes declaraciones de Matt Damon, quien hace de Odiseo o Ulises en esta película. Irónico, ya que la epopeya griega de Homero cuenta cómo uno de sus personajes se pierde de regreso a casa tras la guerra de Troya. El meme se cuenta solo.

Matt Damon, Robert Pattinson y Tom Holland han contado recientemente a la revista GQ que el rodaje fue una odisea en sí misma y que todavía no dan crédito a la experiencia. Cualquier cosa, hasta la más mínima tarea, era un mundo y muchas de las ubicaciones de los seis países que han visitado parecían más una recreación histórica seria que un rodaje de cine.

Recuerdo que caminé por esa playa durante media hora y solo veía soldado griego, soldado griego, barco griego, soldado griego, la guerra de Troya, barco griego, soldado griego. No sé si estoy exagerando, pero me parecieron kilómetros. Y le dije al asistente de producción: "¿Dónde está el equipo? No he visto ni rastro de un plató de rodaje. Esto se parece más a una recreación histórica que a un plató para grabar una película". - Tom Holland

Pero el momento más divertido de la entrevista llega con Matt Damon. El maestro en perderse en lugares inóspitos cuenta que se hacía la misma pregunta siempre que llegaba a una nueva localización: "¿A quién coño se le ocurrió que aquí se podía rodar una película?", hasta el punto de que el equipo tenía una broma interna: "No había ni una sola localización de rodaje que fuera fácil".

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La broma interna en el equipo era que no había ni una sola localización de rodaje que fuera fácil. Cada vez que íbamos a un sitio, decíamos: "Bueno, en Islandia será más fácil". Y luego llovía a cántaros y hacía un frío de cojones. Islandia fue como: "¿Fácil? Sujétame el cubata". [...] Chris tenía dos motores a reacción echándonos agua a mares. Así que fue un final bastante apropiado. Incluso el entorno controlado era frío, húmedo y bastante incómodo. - Matt Damon

Pero no es una crítica negativa por parte de Damon. El actor cuenta que, si bien el rodaje de La Odisea fue una odisea en sí misma, le encantó y lo disfrutó. "No me importaba estar empapado y pasar frío. [...] Nunca he experimentado algo así". Que un actor cuya actividad principal es ponerse en la piel de personajes que acaban perdidos en los peores rincones diga esto, dice mucho del despliegue de Nolan durante el rodaje de la película. Ahora solo queda que esté a la altura.

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