Para toda una generación, tener un VHS en casa era sinónimo de maratones interminables de las mismas películas de Disney. ¿Era como tener Disney Plus o Netflix? En absoluto: aquello era tanto un ritual como una experiencia: preparar la película (sin palomitas, ni nada), ver los tráilers y recordatorios de los derechos de autor de Buenavista... ¡Y luego comenzaba la magia! No solo te sabías todas las canciones de cada película, sino que te adelantabas a los diálogos. Hoy esas sensaciones las metemos en el cajón de la nostalgia, pero en su día aquello tenia nombre propio: El Renacimiento de Disney.

Pongámonos en contexto: a finales del siglo XX, Disney vivió un fenómeno creativo sin precedentes: una etapa de esplendor. Películas como La Sirenita, Aladdín o El Rey León no solo revitalizaron el estudio, sino que redefinieron el cine de animación para toda una generación. Estas obras compartían una serie de denominadores comunes que las convirtieron en clásicos instantáneos: historias universales, personajes inolvidables y un equilibrio perfecto entre tradición y modernidad. Cada una de ellas recuperaba la esencia de los cuentos de hadas y las epopeyas clásicas, pero con un ritmo narrativo más ágil y un humor más contemporáneo.

Otro rasgo compartido fue la apuesta por la música como columna vertebral emocional. Las bandas sonoras de Alan Menken, Howard Ashman, Tim Rice o Elton John no solo acompañaban la historia: la impulsaban. Las canciones se integraban en la trama como auténticos motores dramáticos, capaces de definir personajes, expresar conflictos internos y elevar momentos clave a la categoría de icono cultural. Esta combinación de narrativa musical y animación de la más alta calidad, siempre a la vanguardia, se convirtió en un sello distintivo del Renacimiento.

La animación también experimentó un salto técnico notable. Disney apostó por la integración de técnicas tradicionales con herramientas digitales emergentes, como el uso pionero de CGI en escenas emblemáticas: la estampida de El Rey León, el salón de baile de La Bella y la Bestia o la Cueva de las Maravillas en Aladdín. Esta mezcla de innovación y artesanía permitió crear mundos más dinámicos, profundos y visualmente espectaculares.

Ahora bien, este fenómeno no era un simple deleite para los sentidos. Estas películas compartían un enfoque emocional muy claro: historias de crecimiento personal, búsqueda de identidad y ruptura con expectativas sociales. Ariel, Aladdín o Simba no eran héroes perfectos, sino jóvenes en conflicto consigo mismos y con su entorno. ¡Incluso Hércules! Esa humanidad, combinada con un humor accesible y personajes secundarios memorables, hizo que el público conectase con ellas de forma inmediata y duradera.

Cómo Disney se levantó tras la crisis de los 80

Para que haya un renacimiento tiene que haber antes una edad oscura. La década de los 80 fue una etapa turbulenta para Disney. Tras la muerte de Walt y Roy Disney, el estudio perdió rumbo creativo y empresarial. Películas como Taron y el Caldero Mágico evidenciaron una desconexión con el público y un desgaste interno. La animación, antaño el corazón de la compañía, parecía destinada a desaparecer. Sin embargo, esta crisis fue el detonante de una profunda reestructuración que cambiaría la historia del estudio.

La llegada de Michael Eisner como CEO y Jeffrey Katzenberg como jefe de la división cinematográfica marcó un punto de inflexión. Ambos entendieron que la animación debía volver a ser el motor creativo de Disney, pero con una visión renovada. Se reorganizaron equipos, se impulsó la formación de nuevos talentos y se estableció un sistema de producción más eficiente y ambicioso.

En el renacimiento de Disney las voces y la música tenían tanto peso como la propia imagen

Uno de los movimientos clave fue trasladar temporalmente al equipo de animación a un edificio alquilado en Glendale, lejos del icónico estudio de Burbank. Aunque inicialmente se percibió como un gesto de relegación, este cambio fomentó una cultura de camaradería y experimentación. Allí se gestaron las primeras ideas que darían forma al Renacimiento.

La colaboración con Broadway también fue decisiva. La incorporación de Howard Ashman y Alan Menken, procedentes del teatro musical, aportó una nueva estructura narrativa basada en canciones integradas en la trama. Este enfoque, probado con éxito en La Sirenita, se convirtió en la fórmula ganadora de la década siguiente. Una que, sigue funcionando en la actualidad.

Ahora bien, no se puede negar lo más evidente: Disney apostó por una estrategia de marketing agresiva y moderna. Las películas ya no eran simples estrenos familiares: se convirtieron en eventos culturales. Campañas masivas, merchandising, colaboraciones con cadenas de comida rápida y videoclips en MTV transformaron cada lanzamiento en un fenómeno global.

Planes y evolución del Renacimiento

El Renacimiento no fue fruto del azar, sino de una estrategia cuidadosamente diseñada. Disney planificó una serie de películas basadas en cuentos clásicos, mitos universales y obras literarias reconocidas. La idea era recuperar la esencia de los grandes éxitos de los 40 y 50, pero adaptándolos a un público contemporáneo.

A medida que avanzaba la década, el estudio comenzó a diversificar sus propuestas. Aunque los primeros títulos seguían un patrón más tradicional, obras posteriores como Hércules o Mulán exploraron nuevas culturas, estilos visuales y estructuras narrativas. Esta evolución permitió que el Renacimiento mantuviera frescura y variedad.

Disney inventó una técnica especial para animar y colorear la jungla de Tarzán combinando tecnología y procesos artesanales

La integración de tecnología digital fue otro pilar fundamental. Disney creó el CAPS (Computer Animation Production System), un sistema que revolucionó la forma de colorear, componer y animar escenas. Esto permitió una mayor libertad artística y una estética más sofisticada. 

Y pese a que muchas escenas no han envejecido tan bien como recordamos, el efecto "¡Wow!" cuando emergía un gigantesco tigre desde la arena en Aladdín se manifestaba tanto en los cines como en la tele de nuestras casas. O el modo en el que Tarzán "surfeaba" entre los árboles.

El estudio también fortaleció su relación con el talento creativo. Directores como Ron Clements, John Musker, Gary Trousdale o Kirk Wise se convirtieron en figuras clave, mientras que animadores estrella como Glen Keane, Andreas Deja o James Baxter aportaron un sello personal a cada personaje. Con el paso del tiempo, el Renacimiento se consolidó como una marca en sí misma. Cada estreno era esperado con expectación global, y Disney se convirtió de nuevo en sinónimo de calidad, innovación y magia cinematográfica.

Películas del Renacimiento de Disney (1989–1999)

¿Qué películas son parte del Renacimiento de Disney? Bueno, es fácil de acotar si nos fijamos en las fechas y el estilo de animación, pero nuestro repaso estaría incompleto si pasásemos de puntilla por cada hito de la casa del ratón. A continuación, un repaso completo de las películas que conforman esta etapa, con fecha de estreno, directores, sinopsis y, como se espera de nosotros, un dato extra:

1. La Sirenita (1989)

Directores: Ron Clements y John Musker
Sinopsis: Ariel, una joven sirena fascinada por el mundo humano, hace un pacto con la bruja Úrsula para convertirse en humana y conquistar al príncipe Eric.
Dato extra: Fue la primera película en usar el sistema CAPS en algunas escenas preliminares.

2. La Bella y la Bestia (1991)

Directores: Gary Trousdale y Kirk Wise
Sinopsis: Bella, una joven lectora, se convierte en prisionera de una Bestia que esconde un corazón noble bajo su apariencia monstruosa.
Dato extra: Fue la primera película animada nominada al Óscar a Mejor Película.

3. Aladdín (1992)

Directores: Ron Clements y John Musker
Sinopsis: Un joven ladrón encuentra una lámpara mágica con un genio capaz de concederle tres deseos, desencadenando una aventura llena de humor y romance.
Dato extra: Robin Williams improvisó gran parte de los diálogos del Genio.

4. El Rey León (1994)

Directores: Roger Allers y Rob Minkoff
Sinopsis: Simba, un joven león destinado a ser rey, debe enfrentarse a su pasado y reclamar su lugar en el ciclo de la vida.
Dato extra: Su banda sonora se convirtió en uno de los álbumes más vendidos de la historia del cine.

5. Pocahontas (1995)

Directores: Mike Gabriel y Eric Goldberg
Sinopsis: La historia de amor entre la joven nativa Pocahontas y el explorador John Smith en el contexto del choque cultural entre colonos y tribus indígenas.
Dato extra: Fue la primera película de Disney basada en un personaje histórico real.

6. El Jorobado de Notre Dame (1996)

Directores: Gary Trousdale y Kirk Wise
Sinopsis: Quasimodo, un campanero marginado, lucha por su libertad y la de la gitana Esmeralda frente al fanático juez Frollo.
Dato extra: Las tres gárgolas de la catedral forman el nombre del autor original de la obra: Víctor, Hugo y Laverne.

7. Hércules (1997)

Directores: Ron Clements y John Musker
Sinopsis: El joven semidiós Hércules debe convertirse en un verdadero héroe para recuperar su lugar entre los dioses del Olimpo.
Dato extra: Su estética está inspirada en el arte del caricaturista Gerald Scarfe.

8. Mulán (1998)

Directores: Tony Bancroft y Barry Cook
Sinopsis: Mulán se hace pasar por hombre para unirse al ejército chino y salvar a su padre, convirtiéndose en una heroína legendaria.
Dato extra: Marcó un hito al ser la primera película en DVD de Disney, lanzada en noviembre de 1999.

9. Tarzán (1999)

Directores: Chris Buck y Kevin Lima
Sinopsis: Tarzán, criado por gorilas, descubre su origen humano y se debate entre dos mundos tras conocer a Jane.
Dato extra: Su banda sonora de Phil Collins ganó el Óscar a Mejor Canción.

El ocaso del Renacimiento y el nacimiento de DreamWorks

A finales de los 90, el modelo del Renacimiento comenzó a mostrar signos de desgaste. La fórmula musical, tan exitosa durante años, empezó a percibirse como repetitiva. ¡Hasta la muy posterior Shrek de Dreamworks se burlaba abiertamente de ella! El público demandaba nuevas propuestas, y la competencia se intensificó con la llegada de estudios emergentes.

Uno de los factores clave fue la salida de Jeffrey Katzenberg de Disney tras tensiones internas. Su marcha no solo debilitó la estructura creativa del estudio, sino que dio lugar a un nuevo competidor: DreamWorks Animation. Katzenberg, junto a Steven Spielberg y David Geffen, fundó un estudio dispuesto a desafiar el dominio de Disney.

DreamWorks apostó por un tono más irreverente, contemporáneo y orientado tanto a niños como adultos. Películas como El Príncipe de Egipto, La Ruta hacia el Dorado o la ya mencionada Shrek demostraron que la animación podía explorar otros caminos, alejados del musical clásico y más cercanos a la comedia moderna o la épica dramática.

El éxito de

Mientras tanto, Disney enfrentaba dificultades internas. La transición hacia la animación digital completa, la saturación del mercado y la pérdida de figuras clave provocaron una etapa de incertidumbre. Aunque Tarzán cerró el Renacimiento con fuerza, los años siguientes, la etapa conocida como el Posrrenacimiento, fueron más irregulares: lo mismo sorprendían con Lilo & Stitch que presenciábamos batacazos injustos como El planeta del tesoro.

Con todo, las propuestas más experimentales como Zafarrancho en el Rancho, El Emperador y sus locuras y Hermano Oso se quedaron lejos de igualar el calado de los 90s. Cada una por diversos motivos. Mientras tanto, los éxitos de la mejor Pixar había iniciado la transición hacia la animación digital.

Dicho de otro modo: el ocaso del Renacimiento no fue una caída abrupta, sino una transformación. Disney necesitaba reinventarse una vez más, y lo haría años después con su segundo renacimiento, impulsado por los éxitos de Enredados, el fenómeno de Frozen y la compra e integración de Pixar en la casa del ratón más famoso del mundo.

La Disney eterna y vanguardista: un legado dorado que sigue vivo

Para quienes crecimos en los 90, el Renacimiento de Disney no es solo una etapa cinematográfica: es un fragmento de nuestra memoria emocional. Aquellas películas nos enseñaron a soñar, a cantar sin miedo, a creer en la aventura y a emocionarnos con historias que parecían hechas para acompañarnos toda la vida. Sus personajes siguen presentes en parques, juguetes, camisetas, memes y conversaciones cotidianas.

Pero más allá de la nostalgia, el Renacimiento dejó un legado artístico incalculable. Uno que ni siquiera los remakes con actores reales y presupuestos astronómicos es capaz de alcanzar. Demostró que la animación podía ser sofisticada, profunda y universal. Que las historias bien contadas trascienden generaciones. Y que, incluso en tiempos de crisis, la creatividad puede abrir caminos inesperados.

Hoy, al mirar atrás, no solo recordamos las canciones o las escenas icónicas. Recordamos cómo nos hicieron sentir. Y ese es, quizá, el mayor triunfo del Renacimiento de Disney: haber creado un hogar emocional al que siempre podemos volver.

En VidaExtra | Por qué George Lucas vendió Star Wars a Disney sabiendo que no seguirían sus planes, según el propio George Lucas

En VidaExtra | Disney y media Hollywood se adaptan como pueden a las exigencias de China. ¿En qué afecta esto a sus películas?

La magia, el espectáculo visual, canciones súper pegadizas y el culto al detalle definió el periodo conocido como el Renacimiento de Disney. Una era construida gracias al talento de cineastas del calibre de Ron Clements y John Musker, directores de algunas de las mejores películas de esta etapa. Posiblemente no te suenen ni su nombre, ni su cara, pero si te apasiona te aseguro que los has visto en pantalla. Como mínimo una vez y en forma de caricatura. 

Dos obviedades: las películas de animación de Disney están repletas de guiños, y Aladdin (1992) está incluso por encima de la media gracias al Genio. Aquel inquieto tipo azulada despachaba referencias cruzadas y cameos y muchos eran descarados y otros solo los detectaban los más espabilados. Sin embargo, los directores Ron Clements y John Musker hacen una aparición fugaz mucho antes de que el diamante en bruto de Aladdin se metiese en la boca... del Tigre. ¿Dónde encontrarlos?

Hay dos marcas para encontrarlos, pero la referencia más eficaz es que tiene lugar justo tras el número musical de la canción El rey (one jump ahead) y la escena en la que, tras una ajetreada persecución, Aladdin le da su mitad del botín a unos niños. Pero si quieres ir a tiro fijo bastará con pausar la película en el minuto 10:37.

Al hacerlo, justo antes de la escena del mercado donde el Príncipe Achmed entra en Ágrabah, podrás ver a dos personajes entre la multitud que destacan por su diseño peculiar: uno es bajito, regordete y pelirrojo con barba; el otro, más alto y delgado, luce bigote y nariz prominente. Estos dos personajes son versiones caricaturizadas de Ron Clements y John Musker, los directores responsables de Aladdin, La Sirenita, Hércules y El planeta del tesoro, entre otras. Y ojo, que en esas películas y otras muchas también asomaron.

Este cameo no es un caso aislado. Clements y Musker han aparecido en casi todas sus películas hasta Moana (título español de Vaiana), adaptando sus rasgos a cada universo. En Hércules, por ejemplo los puedes ver como dos obreros en una obra. En El planeta del tesoro son criaturas alienígenas y en Tiana y el sapo hasta hablan interpretando a los Hermanos Fenner, los agentes inmobiliarios que niegan a Tiana la compra de su restaurante.

Cameos de Clements y Musker en Hércules, Tiana y el sapo o Moana (Vaiana) de Disney

Al igual que está la tradición de buscar al Mickey oculto en las películas de Disney, descubrir estos detalles que por lo general pasarían desapercibido enriquece la experiencia del espectador deseoso de anécdotas, revela el nivel de cuidado que los animadores ponen en cada fotograma. Por no hablar que, como los Easter Eggs de los videojuegos, son una firma adicional de los directores a su propia obra además de la de los títulos de crédito.

Convirtiendo cada revisión de las películas del renacimiento animado de la compañía en una búsqueda de tesoros escondidos. Una práctica que Disney ha perfeccionado durante décadas.

En VidaExtra | Disney y media Hollywood se adaptan como pueden a las exigencias de China. ¿En qué afecta esto a sus películas?

En VidaExtra | Por qué el Aladdin de MegaDrive me huele a McDonald's y escuchando Estopa me acuerdo de Kingdom Hearts

Dos de las películas de Disney más míticas han sido siempre Aladdin y El Rey León. Ambas han regresado este año a la gran pantalla con unas adaptaciones en imagen real y se ve que ahí no quedará todo, porque Disney Games ha querido traer de vuelta los videojuegos que recibieron ambos largometrajes de animación en los 90.

De ahí que haya anunciado Disney Classic Games: Aladdin and The Lion King, una completa edición qne la que podremos encontrar las clásicas aventuras de Aladdin y el Rey León que desarrolló Virgin Games en su momento.

En Espinof

'El rey león': una deslumbrante exhibición visual que no emociona como la original

Además, de cada uno de ellos se incluyen varias versiones que serán concretamente las siguientes:

• Aladdin: Game Boy, Mega Drive y Super Game Boy.
• El Rey León: Game Boy, Mega Drive, Super Game Boy y Super Nintendo.

La edición será muy especial por permitirnos revivir viejos tiempos con cada uno de estos juegos, pero todos ellos dispondrán de mejoras visuales para que la calidad de la imagen sea superior a la original y dispondrán de una resolución a 1080p.

Entre las nuevas funciones que se introducirán estará la posibilidad de rebobinar la partida en cualquier momento o dejar que el juego complete los niveles por nuestra cuenta si nos atascamos en alguno. También se podrá guardar la partida en cualquier momento, echarle un ojo a bocetos e imágenes en una galería de arte y escuchar todos y cada uno de los temas que forman parte de la banda sonora.

Todo esto será a partir de otoño cuando Disney Classic Games: Aladdin and The Lion King se ponga a la venta para PS4, Xbox One, Nintendo Switch y PC a través de Steam con un precio de 29,99 euros. Os dejamos con su tráiler de presentación.

Tras un tiempo sin incorporar clásicos a su catálogo, haciendo caso omiso a su nombre, CD Projekt nos acaba de sorprender con tres incorporaciones a GOG de la época de los 16-bits. Y más en concreto, de la edad dorada de Disney.

Hablamos de 'The Jungle Book' (El libro de la Selva) 'Aladdin' y 'The Lion King' (El Rey León). Todos ellos compatibles para Linux, Mac y PC, con textos y voces en inglés, y con un póster conmemorativo de su etapa de 16-bits.

Cada uno por 8,99 euros, lo que supone un descuento del 10% hasta el 8 de agosto. Os dejamos con el enlace a cada uno, por si os interesan:

• Aladdin
• The Lion King
• The Jungle Book

Más información | GOG

Todos éramos más jóvenes, mucho más inocentes y curiosamente nos enfrentábamos a videojuegos muchísimo más difíciles, pero ese es otro tema. Hoy estamos aquí para retroceder casi 20 años y situarnos en un año inolvidable para todos los barceloneses. Corría 1992 y los niños de aquel entonces disfrutábamos como nunca de la última película de Disney, ‘Aladdin’. Una genial película que se vio convertida en un estupendo videojuego unos meses más tarde. Bienvenidos a nuestra sección de retroanálisis, hoy ‘Aladdin’ para Megadrive.

Como es normal, se hace ahora y se hacía entonces, una película de éxito podía venir acompañada de un videojuego que aprovechara el tirón. Pero a diferencia de ahora y quizá por que los tiempos de desarrollo eran más pequeños, los videojuegos basados en películas si podían tener una calidad extraordinaria. ‘Aladdin’ de Virgin Entertainment y con David Perry a la cabeza no sólo es un gran juego, es el mejor juego del año 1993. ¿A qué se debe?

‘Aladdin’ una obra maestra pero sólo Megadrive y PC

A día de hoy hablar de un juego basado en una película y encima multiplataforma es hablar de que el mismo estudio de desarrollo se encarga de todas las versiones y, por consiguiente, entrega juegos muy parecidos.

En el caso de ‘Aladdin’ fue diferente. Virgin tenía los derechos para lanzar los juegos basados en IP’s de Disney en consolas de Sega y PC’s y Capcom tenía los derechos para las consolas de Nintendo. Dicho de otro modo, las dos mejores consolas del momento, Megadrive y Super Nintendo, tuvieron dos videojuegos de ‘Aladdin’ pero que sólo se parecían en el protagonista.

Uno, el de Virgin, es considerado como uno de los mejores juegos de la época y a día de hoy sigue siendo excelente. El otro sólo es un buen juego que ya ha caído en el olvido. Pero no estamos aquí para hablar de la versión de Super Nintendo, hemos venido a hablar de la primera gran obra de David Perry en Megadrive y PC.

La versión PC salió al mercado unos meses después y estaba basada enteramente en la de Megadrive. Mejoraba los gráficos, el sonido y los menús del juego. Nos centraremos en la versión de Megadrive ya que tuvo mayor distribución y repercusión pero es posible que muchos de vosotros lo hayáis jugado en PC. Es el mismo juegazo.

El feeling de película de Disney

Cuando uno juega a ‘Aladdin’ lo primero que tiene en cuenta es el extremo cuidado al que se ha sometido todo. El juego entero está hecho con muchísimo cariño y los guiños a los espectadores, a la película y al mundo de Disney están por todas partes.

Pequeños chistes de fondo, unos baños públicos en medio de un desierto, una señal de stop, una botella de Coca-Cola tirada en la arena, el mítico cangrejo Sebastián de La Sirenita empalado en una roca… son detalles que se repiten una sola vez. A nivel de arte desarrollar elementos que sólo se van a ver una vez (si los ves ya que están escondidos o no son evidentes) denota que o tenían mucho tiempo libre o realmente se esmeraron en hacer de este ‘Aladdin’ algo diferente.

El juego nos lleva por los mismos escenarios que la película y así podremos visitar la cueva del genio, el palacio del Sultán, sus mazmorras, el desierto, la ciudad de Agrabah e incluso volar con la alfombra mágica. Todo recreado fielmente de la película.

Estamos hablando de una consola de 16 bits con una paleta de colores limitadísima así que imaginad el mérito que tiene recrear unos escenarios tan coloridos, vistosos y originales como estos. No es moco de pavo, desde luego.

Digicel, avance tecnológico que lo sitúa a años luz del resto

En su época la gente alucinaba con la animación. No sólo la de ‘Aladdin’, enemigos, sistemas de partículas, detalles de fondo… todo está animado con una perfección y un nivel de detalle que asusta. De hecho el protagonista tiene una de las mejores paletas de animaciones que se recuerdan en la historia de Megadrive y sólo podríamos considerar a su nivel a ‘Earthworm Jim’. Claro, es del mismo equipo de desarrollo.

¿A qué se debe ese salto cualitativo? Si lo comparáis a otros videojuegos coetáneos comprobareis que la diferencia es mucha y esto se debe en gran parte a dos motivos.

En Virgin Entertainment trabajaron codo a codo con los mismos animadores de la Disney y además, David Perry (junto a su equipo, claro) desarrolló una tecnología exclusiva llamada Digicel que permitía convertir rápidamente los dibujos en papel de estos animadores al motor del videojuego. Dicho de otro modo, ‘Aladdin’ está animado al estilo tradicional y pasado a la Megadrive.

El resultado, no me lo podéis negar, es excelente. Tecnología puntera, animadores de Disney y un montón de profesionales del videojuego dispuestos a que ‘Aladdin’ se convirtiese en uno de los juegos del año.

Saltar, empuñar la cimitarra y lanzar manzanas, suficiente para ser un héroe

‘Aladdin’ es esencialmente un juego de plataformas. Controlaremos al joven héroe y en su camino hasta conseguir el corazón de la princesa Jazmine nos enfrentaremos a guardias armados, faquires que lanzan cuchillos, serpientes, fantasmas… casi cualquier cosa del escenario supone un peligro.

Sólo dispondremos de una cimitarra para defendernos y atacar y manzanas, que debemos recolectar primero, para poder lanzar a los enemigos y deshacernos de ellos a distancia. Por el escenario, además, se encuentran repartidos los típicos elementos del género. Recuperaciones parciales de vida, manzanas que recolectar, checkpoints, vidas extra e incluso objetos secretos que nos llevarán a la pantalla de bonus.

Los elementos típicos que solíamos encontrar en este tipo de juegos desarrollados a principios de los noventa. En esta ocasión se nota que el título está pensado para todos los públicos y el nivel de dificultad no es excesivo. Incluso jugándolo ahora cuando estamos acostumbrados a juegos muy muy fáciles, sigue dejándose pasar bien y no ha perdido nada de encanto.

Y ese es el punto clave. No existen muchos juegos que casi 20 años después sigan sorprendiendo por lo bien hechos y cuidados que están. ‘Aladdin’ lo hace, podrían coger las mismas animaciones y los mismos gráficos en HD y relanzarlo mañana mismo. Estaríamos ante uno de los mejores videojuegos del género y todos seguiríamos alucinando con sus detalles, su suavidad y su cuidado extremo.

Con este título David Perry y su equipo, que más tarde formaron Shiny Entertainment, tocaron el cielo. Luego llegarían el bueno de ‘Earthworm Jim’, ‘Messiah’ o ‘MDK’.

Puede que en su momento no jugarais a este ‘Aladdin’ e incluso puede que ahora, acostumbrados a que todo explote y se llene la pantalla de sangre, os parezca demasiado infantil como para darle una oportunidad. Craso error, es un juegazo y ahora en verano es una de esas excusas imperdonables a las que aferrarnos para volver a sentirnos un niño. Como si estuviéramos en el año 1992, con una televisión de tubo, una Megadrive, la merienda preparada y todo un verano por delante para disfrutar.

Sin preocupaciones, sin responsabilidades… ¿Quién puede negarse a dar una vuelta en alfombra voladora?

Aladdin | Megadrive

• Plataformas: Megadrive y PC

• Desarrollador: Virgin Interactive

• Distribuidor: Virgin Interactive, Disney

• Lanzamiento: 1993

• Precio: No disponible

   <p><strong>Aladdin</strong> fue el primer gran videojuego basado en una película animada de Disney. Catapultó a la fama a su equipo de desarrollo en el año 1993 y sorprendió a medio mundo por su excelente apartado visual. </p>

Vídeo | Youtube
Más en VidaExtra | La edad dorada de los juegos de Disney