A lo largo de su carrera, Retro Studios nos ha dejado con una buena lista de juegazos que no deberían faltar en la estantería de nadie. Uno de ellos fue Donkey Kong Country Returns, con el que la compañía trató mantener su filosofía de esforzarse al máximo por lograr un desarrollo y resultado impecable, como bien demostró con la saga Metroid Prime.

El equipo recibió el encargo de ponerse manos a la obra con esta entrega de la serie de Donkey Kong, sobre la que hay que admitir que es una de las mejores aventuras de plataformas que ha protagonizado hasta el momento. Sin embargo, cuando su desarrollo estaba prácticamente a las puertas de ser finalizado, sufrió un enorme contratiempo debido a que a Nintendo Japón se le ocurrió una idea de última hora.

Fue Ted Anderson, el artista de entornos del juego, quien quiso contar esta anécdota que implicó que una simple nube de polvo modificara una barbaridad la jugabilidad, los niveles y otra serie de detalles.

Fue algo que surgió justo al final del desarrollo de Donkey Kong Country Returns que supuso un imprevisto total. Una de las personas que lo estaba probando en el equipo de Japón se dio cuenta de que, cuando Donkey Kong se detenía de golpe y cambiaba de dirección, aparecía una pequeña "pompita" o nube de polvo en el suelo. Al principio, pensó que parecía que Donkey Kong estaba soplando hacia el suelo. En Retro Studios dijimos: "No, no está haciendo eso". Pero ellos respondieron: "¿Y si lo hiciera?"

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Una pregunta que terminó por convertirse en un encargo al que no podían decir que no, ya que Nintendo les obligó a incluir la mecánica de soplar en el juego. Esto mismo servía para que Donkey y Diddy pudieran soplar aire al agitar el mando de Wii o al pulsar un botón en concreto de Nintendo 3DS mientras que cualquiera de los dos personajes estaba agachado, lo que ayudaba a mover objetos o para apagar las llamas de algún enemigo.

Aun así, Anderson aseguró que el tener que pensar en esta mecánica con el juego prácticamente finalizado supuso un dolor de cabeza monumental para todo el equipo de Retro Studios, ya que hubo que revisar uno por uno todos los niveles para incorporar objetos ocultos, elementos que giraran y secretos que reaccionaran a ese soplido. Y por supuesto todo ello a contrarreloj, lo que le añadió una mayor presión a esta tarea.

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La pasión de los aficionados de Pokémon por capturar Pokémon shiny, que son los que muestran un color diferente al habitual, les ha llevado a afrontar retos muy locos de los que hemos hablado en alguna ocasión. Hacerse con especies de este tipo puede resultar una tarea bastante tediosa en determinadas entregas de la saga, pero no cabe duda de que Pokémon Battle Revolution se lleva la palma.

En 2006 se publicó este título para Wii en el que podías librar combates en 3D con los Pokémon, lo que venía a ser una propuesta muy similar a la del clásico Pokémon Stadium y que próximamente volveremos a ver en Pokémon Champions. En este spin-off de hace 20 años no se podían capturar Pokémon, pero eso no quita que existiera algo muy similar a la obtención de Pokémon shiny, solo que en este caso era con la ropa de los entrenadores.

Para ponernos en situación, en este juego puedes coleccionar disfraces, entre ellos algunos que están claramente inspirados en algunos Pokémon de la serie. Para ello debes derrotar a los entrenadores que los llevan puestos, lo que ya de por sí dependes de la suerte de toparte con un contrincante de este tipo, pero puede suceder que estos disfraces sean shiny, como ocurriría con los propios Pokémon.

La probabilidad de que algo así suceda es de 1 entre 8192, lo que viene a ser algo aparentemente imposible de que suceda. Aun así, el usuario Noa_Kyogre se animó a intentar semejante reto de desbloquear todos y cada uno de los disfraces shiny inspirados en Pokémon, que vienen a ser un total de seis. Tal vez no parecen ser demasiados, pero te das cuenta de la tortura que puede resultar al entrar en detalles de los números que supone afrontar esta tarea.

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Para que os hagáis una idea, cada intento puede llevar una media de unos 10-15 minutos, pero es que este jugador quiso obtener todos los de la versión japonesa y todos los de la versión occidental, así que fueron un total de 12. Y si a eso le multiplicas miles y miles de intentos por cada uno, es fácil hacerse una idea de la paciencia tan extrema que se necesita para lograrlo, ya que para un solo disfraz tal vez haga falta jugar durante más de 1.000 horas.

A pesar de todo, Noa_Kyogre ha confesado que por fin ha cumplido con este desafío, lo que en principio le coloca como la primera persona del mundo en lograrlo. Eso sí, para ello ha tardado la friolera cantidad de cinco años. Hasta ha publicado una captura en su cuenta de X en la que demuestra que se ha salido con la suya, pero dejando muy claro que no lo piensa repetir jamás. No es de extrañar en absoluto, pero al menos ahora puede presumir de haber completado una de las colecciones de shiny más extrañas y complicadas de toda la franquicia.

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En un universo poblado por fontaneros, princesas y tortugas gigantes, pocos personajes han logrado irradiar tanta mística como Estela. Alta, elegante y envuelta en un aura de misterio, esta guardiana de las estrellas debutó en Super Mario Galaxy para convertirse en mucho más que una figura secundaria: fue la llave narrativa que expandió el rico universo de Super Mario hacia lo emocional y lo épico. 

Conocida como Rosalina en América y Rosetta en Japón, desde su debut esta figura celestial siempre ha sido un personaje fascinante, mezclando rasgos rápidamente distinguibles de princesa, de madre cósmica y, llegado el momento, de una elegante y poderosa hechicera. Y es que, en un universo nintendero en el que no hay más límite que la propia imaginación, la dama de las estrellas fugaces ha dejado una merecida huella tanto en la saga como entre los fans.

Pero, ¿quién es Estela? Bueno, a todos los efectos es la madre adoptiva de los Destellos, esas pequeñas estrellas que habitan en el cosmos del universo de Super Mario y, dentro de los juegos, acompañan al jugador en sus viajes intergalácticos. Pero también es la guardiana del Observatorio del Cometa, un lugar que funciona como eje central de Super Mario Galaxy. 

Sin embargo, muchísimo antes de ser una figura maternal y serena, Estela era una niña que, conmovida por la tristeza de un diminuto destello, se aventuró hacia el infinito en una pequeña nave espacial llevando solo un conejito de peluche, pan, leche, mermelada, un poco de té... y el telescopio de su papá.

La historia de Estela en el universo de Super Mario

Estela tiene un trasfondo único entre todos y cada uno de los personajes de Super Mario: en lugar de brotar de una idea suelta de Shigeru Miyamoto como el propio Mario o Donkey Kong, o de un concepto que da mucho juego y enriquece la diversión como Wario, estamos ante un personaje que generalmente cuenta con elementos nostálgicos y maduros. Algo que se aprecia desde su propio diseño, incluso cuando éste no desentona al juntarse con las otras princesas Peach y Daisy.

En este aspecto, su presencia, marcada por una elegancia y una personalidad mayormente serena, introdujo un tono más profundo y emocional en la franquicia, abriendo la puerta a historias que trascendían el simple rescate de Peach. De hecho, su historia de origen es un rescate en sí mismo. Uno que Yoshiaki Koizumi, director de Super Mario Galaxy, nos regaló en forma de cuento.

Cuando apenas era una niña, Estela vivía con su familia siendo descrita como optimista y proactiva. Tanto que, al encontrarse con un Destello que había naufragado en su planeta, decidió esperar junto a él un rescate que nunca pasó. Prometiéndole ayuda sin concesiones. Primero observando el cielo sin suerte durante días, semanas y años con la esperanza de que la madre de aquel divertido ser apareciese a rescatarlo. Luego, lanzándose a la aventura. Hacia el infinito... y más allá.

Viendo que si seguía esperando acabaría siendo una anciana que jamás cumpliría su promesa, Estela tomó una decisión y se la propuso al Destello: "¿Por qué no vamos allí y buscamos a tu madre nosotros mismos?". Ambos arreglaron la nave espacial en la que apareció el diminuto ser de luz para encontrar a su madre y buscaron por todos los rincones del cosmos. Sin embargo, lo único que encontraron fueron a más destellos que, de hecho, también buscaban a su mamá.

Con el paso de los años, Estela y los destellos construyeron su propio hogar. Empezaron alojándose en un cometa y, poco a poco, ya tenían un observatorio, una amplia cocina y hasta una generosa biblioteca. Aquella niña había crecido y, pese a echar de menos a su familia, decidió convertirse en la madre de los destellos. regresando una vez cada cien años a la Tierra. 

Y pese a que en el proceso desarrolló sentimientos de nostalgia y melancolía, se anima fácilmente al estar rodeada de destellos a los que cuenta cuentos, les toca la guitarra y los cuida como a sus propios hijos. Convirtiéndose en algo mucho más importante que una princesa: en la guardiana del cosmos.

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Estela fue concebida por Yoshiaki Koizumi, director de Super Mario Galaxy, quien buscaba un personaje que aportara un tono narrativo más profundo. Su historia se inspira en cuentos infantiles (hay pinceladas muy fácilmente reconocibles de obras como El Principito o de Peter Pan) y en la idea de una madre cósmica que guía a sus hijos estrellas. 

Como detalle adicional, Koizumi no solo creó al personaje y su trasfondo, sino que escribió el libro de cuentos que narra su historia y que luego veríamos en el juego al alcanzar ciertos hitos. Una pequeña gran obra que escribió a altas horas de la noche, cuando no había nadie alrededor, para que nadie supiera en qué estaba trabajando. 

¿Cómo acabó aquel cuento en el juego? Koizumi le contó a Shigeru Miyamoto sobre la historia y se la presentó. Su reacción fue implementarla en el juego. Pero lo mejor de todo es que, casi dos décadas después, aquella obra traspasó el propio videojuego: Nintendo publicó el libro de cuentos con la historia de Estela y con las mismas ilustraciones de Super Mario Galaxy en 2025.

Evolución del diseño de Estela desde el boceto original a la actualidad

En lo que respecta a sus rasgos, su cabello rubio plateado con un marcado flequillo, ojos celestes y su vestido turquesa con broche estelar la hacen distinguible a golpe de vista. Mezclando de manera sutil lo etéreo con lo regio. Curiosamente, su diseño inicial era más cercano al de Peach, con un cabello más pomposo y recogido sin ese enorme flequillo, un vestido muy parecido a la princesa del Reino Champiñón y hasta una tiara en lugar de una corona. 

Y no solo eso: en un momento dado el equipo de desarrollo de Super Mario Galaxy tanteó la posibilidad de que hubiese una conexión familiar entre ambas, pero aquella idea se modificó para un fin mayor: darle una identidad propia. Es más, a diferencia de otros personajes de Super Mario, tanto la personalidad como el diseño de Estela apenas ha variado con los años. 

Siendo justos, el cambio más significativo de Estela lo vimos en en Mario Kart Wii, donde el productor Hideki Konno sugirió aumentar su altura para diversificar el elenco y convertirla en la primera mujer de "peso pesado" en la saga. Desde entonces se la muestra notablemente más alta que Peach y Daisy, con una estatura cercana a los 1,95 m, lo que refuerza su aura imponente.

La estrella más enigmática del universo Mario

A lo largo de los años, Estela ha pasado de ser un personaje misterioso a convertirse en una figura recurrente y jugable en múltiples títulos: desde Mario Kart Wii hasta Super Smash Bros., pasando por la saga Mario Party y Super Mario 3D World. Ofreciendo una figura serena, maternal y sabia que representa la calma frente al caos y el característico color del universo Mario.

La naturaleza de los poderes de Estela, por otro lado, es parte de su misterio. Sabemos que tras escaparse al espacio, y al quedarse sin el pan y la mermelada con los que salió de la Tierra, se ha alimentado de trocitos de estrella como los propios destellos, pero quizás se trate de algo más. De hecho, el Espíritu Cósmico que se manifiesta en Super Mario Galaxy es básicamente su silueta.

Con todo, sabemos que estela puede ejercer cierto control del cosmos, tiene capacidad de viajar entre galaxias, lo cual suele hacer a bordo del Planetarium del Cometa y, no menos importante, puede otorgar poderes a Mario mediante los Destellos que rescata en el juego. Destellos a los que cuida con genuino amor maternal.

Por otro lado, en muchos de los juegos en los que pasa la acción (especialmente en la saga Smash Bros.)  emplea su varita estelar, la cual es básicamente un fino mango plateado que termina en el contorno dorado de una estrella y, hasta donde hemos visto, suele emplearla para hacer levitar objetos o proyectar luz y energía. 

Dicho esto, la popularidad de Estela no solo se debe a su estética y poderes, sino también a la manera en que Nintendo supo dotarla de un trasfondo único, convirtiéndola en una de las adiciones más inspiradoras al universo Mario. A fin de cuentas, Estela representa un punto de inflexión en toda la franquicia, introduciendo elementos narrativos e ideas más maduras. Y, en el proceso, expandió el universo conocido hacia lo cósmico. Siendo un icono con luz propia dentro del elenco femenino de Nintendo. 

¿Una superestrella de los videojuegos? El papel de Estela jamás se planteó para ser un personaje secundario: además de cuidar de los destello enseñaba a Mario, Luigi y, por extensión, al jugador, que aquella saga plataformera podía ser más que brincos y recolectar monedas. Atreviéndose incluso a filosofar, en pequeños renglones que jamás rompían el ritmo, sobre temas tan profundos como el sentido del ciclo de la vida. 

Y pese a que su figura es y siempre será sinónimo de elegancia y poder sereno entre maravillas centradas en ofrecer pura diversión, aquellas páginas del cuento de Yoshiaki Koizumi se mantienen vivas en cada nueva aparición de Estela, consolidándola como una de las princesas más influyentes del universo Mario. O, lo que es lo mismo, de todo lo que representan los videojuegos como medio.

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Durante años, Rock Band 2 ha acumulado curiosidades y leyendas urbanas, pero pocas tan persistentes como la del enigmático "Awesomeness Detection". Este extraño modificador escondido en el menú de modificadores parecía demasiado llamativo, lo que llevó a muchos jugadores a llegar a obsesionarse con el hecho de descubrir qué demonios hacía realmente. Todo empezaba con una descripción tan simple como intrigante que decía: "¡Permite que Harmonix sepa que eres increíble!".

Lo más curioso es que, al activarlo, daba la impresión de que no sucedía absolutamente nada. No aparecía en pantalla ningún efecto, ninguna alteración durante las partidas, ni un solo cambio en el rendimiento… En definitiva, aquello, lejos de disminuir la curiosidad, la elevó más todavía debido a que la comunidad no paró de proponer teorías de lo más rebuscadas. Y la propia Harmonix, lejos de desmentir nada, alimentó la intriga asegurando que los mejores jugadores deberían llevar siempre ese ajuste activado.

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La teoría más extendida decía que este misterioso modificador afectaba a la voz del cantante en las partidas online, alterando su calidad o aplicando algún tipo de filtro. No obstante, como tantas leyendas del mundo del videojuego, aquella idea se desplomó por completo cuando se demostró que no había ninguna diferencia entre activarlo o desactivarlo.

Finalmente, el misterio terminó de esfumarse cuando, en un podcast oficial de Harmonix, uno de los diseñadores del juego confesó la verdad: Awesomeness Detection no hacía nada en absoluto. No era un truco oculto y tampoco una función aún no implementada. Simplemente era una broma interna que llegó demasiado lejos y que la comunidad convirtió en mito, provocando que este modificador siga siendo recordado como uno de los engaños más simpáticos de la saga.

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Aunque Sonic & Sega All-Stars Racing terminó siendo un juego de conducción muy alocado, similar a propuestas como la de Mario Kart o Crash Team Racing, se podría decir que su desarrollo inicial estuvo plagado de ideas mucho más locas que no terminaron llegando a buen puerto. Originalmente, la idea de Sumo Digital era hacer a cada personaje más único y diferente a los demás eliminando por completo los vehículos estándar.

En vez de utilizar coches, motos o aerodeslizadores, se pensó que lo suyo sería hacer que Sonic corriera directamente sobre la pista a toda velocidad, como hace en cualquiera de las aventuras que ha protagonizado. Por su parte, el Dr. Eggman iba a pilotar su característico Eggpod con patas, Tails estaría a los mandos de un biplano, y hasta se pensó en incorporar a Gilius Thunderhead, de Golden Axe, montado sobre un Chicken Leg, una de las criaturas del clásico juego de Mega Drive.

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De hecho, no era el único personaje planeado, ya que se pensó también en Nei, de Phantasy Star, NiGHTS y hasta en ToeJam and Earl. En definitiva, sobre el papel sonaba todo muy divertido con mucho potencial, pero el problema llegó a la hora de probarlo y ponerlo en práctica. Fue entonces cuando los desarrolladores descubrieron que equilibrar a tantos personajes tan distintos entre sí era un auténtico quebradero de cabeza.

No lograron dar con la tecla adecuada para conseguir que las diferencias de tamaño, peso, aceleración o incluso las animaciones fueran iguales para todos y no hubiera algunos que tuvieran ciertas ventajas ante determinadas situaciones. Es más, el simple hecho de conseguir que un personaje a pie, como Sonic, realizara un derrape como el de un vehículo, fue imposible para el equipo.

Como todos sabemos, a Sumo Digital no le quedó más remedio que aceptar que esta idea, por muy original que pudiera resultar, no era la adecuada para un juego de carreras competitivo. Abandonó el experimento y al final puso a todos los personajes a pilotar vehículos prácticamente idénticos para conseguir un equilibrio adecuado y una experiencia más sólida para todos los jugadores.

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Algunos detalles en los videojuegos pueden pasar desapercibidos a primera vista, pero en realidad esconden una peculiar historia detrás de ellos. No More Heroes: Heroes' Paradise, la versión para PS3 y Xbox 360 del primer No More Heroes que fue publicado en Wii, oculta una de estas curiosidades justo en el apartamento de Travis Touchdown, el carismático protagonista de la saga.

En la versión original, es fácil apreciar que en una de las estanterías del apartamento hay una Nintendo 64, demostrando una de las pasiones de Travis por los juegos retro. Era un guiño más que evidente al pasado de Nintendo, pero la historia cambió por completo cuando el juego dio el salto al resto de plataformas, porque ese detalle desapareció.

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En lugar de la consola de Nintendo, lo que figura en la estantería es una Mega Drive acompañada por los accesorios 32X y un Mega CD, lo que supuso una elección que no pasó desapercibida para los aficionados más observadores, aunque tenía un gran motivo de peso el cambio: Nintendo no quería que su consola apareciera en un título lanzado en una plataforma de la competencia.

Por esa razón, en lugar de eliminar la referencia sin más, el equipo de desarrollo de Grasshopper Manufacture prefirió tirar por la vía fácil y reemplazarla con otra consola retro, y de las más míticas. Así pues, lo que comenzó como un simple golpe de nostalgia a la infancia de muchos, y tal vez a la de Travis, terminó convirtiéndose en una curiosa modificación para evitar problemas entre compañías rivales.

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Dos de las aventuras más excepcionales de Mario fueron publicadas en Wii y recientemente regresaron a Nintendo Switch y Nintendo Switch 2 para que más gente pudiera disfrutar de los inolvidables Super Mario Galaxy y Super Mario Galaxy 2. Más allá de sus planetas y secretos, hay un detalle escondido dentro del propio juego que no tiene nada que ver con el diseño de sus niveles, sino con algo mucho más curioso, y hasta un tanto entrañable.

La cuenta Supper Mario Broth ha sido la encargada de sacar a la luz que las dos obras de la gran N mantienen los créditos del equipo de desarrollo cargados en la memoria durante toda la partida, desde que empiezas a jugar hasta la secuencia final. Es decir, aunque los nombres no se muestran claramente hasta que surgen los créditos después de la última secuencia, el juego los mantiene presentes en todo momento.

Desde un punto de vista técnico, la decisión no tiene demasiado sentido, ya que es una forma poco correcta de usar los recursos. Sobre todo si tenemos en cuenta que en el primer Super Mario Galaxy todo el texto del juego, alrededor de unas 4.600 líneas, permanece cargado al mismo tiempo. Eso mismo provoca que una porción de la memoria RAM se podría haber utilizado para incluir uno o dos objetos/enemigos más en pantalla.

Sin embargo, en Super Mario Galaxy 2, donde los textos se gestionaron de forma más eficiente y se dividieron por galaxias, el equipo volvió a repetir el mismo error causando que los créditos siempre estuvieran presentes de algún modo. Así pues, puede que no fuera una decisión consciente para rendir homenaje a los desarrolladores, pero el detalle también se puede interpretar como una manera de que siempre se recuerde a quienes hicieron posible estas dos aventuras tan magistrales.

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Los mayores fans de los superhéroes seguro que recuerdan con mucho cariño la primera entrega de Marvel Ultimate Alliance, el RPG de acción con personajes de La Casa de las Ideas que vio la luz en el 2006. La obra fue publicada en todos los sistemas posibles y nos permitía controlar a 140 villanos y héroes para dar lugar a combinaciones únicas.

Sin embargo, la más loca de todas fue la que tenía en mente Vicarious Visions para la versión de Wii, ya que le presentaron la idea a Nintendo de incluir a dos personajes exclusivos. Concretamente a Link de The Legend of Zelda y a Samus de Metroid, lo cual nunca sucedió porque la Gran N se negó a prestar a sus personajes tan fácilmente. A pesar de ello, hay evidencias de que aquello casi se hizo realidad.

Jason Harlow, un artista sénior de Vicarious Visions por aquellos tiempos, mostró en su portfolio online algunas imágenes de ambos iconos de la compañía japonesa en los escenarios de Marvel Ultimate Alliance. Además, hay incluso vídeos de la soldado espacial repartiendo tiros, tal y como podéis ver aquí debajo.

Bien sabemos que Nintendo es muy celosa de sus propiedades intelectuales, por lo que decidió no compartir tan fácilmente a dos leyendas de su invención y todos nos quedamos con las ganas de cumplir muchas fantasías.

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A una saga que siempre le ha encantado jugar con la mente de los jugadores ha sido Silent Hill, con su terror psicológico que no te deja más remedio que permanecer en una tensión constante. En Silent Hill: Shattered Memories se trató de llevar esa idea un paso más allá con un detalle brillante, ya que, en realidad, se trata de algo de lo más ingenioso oculto detrás de algo tan simple como un número de teléfono.

Eso se debe a que el protagonista lleva encima un teléfono desde el que puede realizar llamadas que resultan gran ayuda, dado que es la forma de que te echen una mano con determinadas tareas. Sin embargo, si eras de los curiosos que decidían probar combinaciones muy concretas, había un número que te dejaba con la boca abierta: el de atención al cliente oficial de Konami.

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Sí, tal como lo leéis. Hablamos del número real que la compañía empleaba en aquella época para su servicio de soporte para todos aquellos usuarios que necesitaran una ayuda con algún asunto. Si lo marcabas el número en cuestión desde dentro del juego, en lugar de escuchar un mensaje genérico, se escuchaba de fondo una voz al otro lado de la línea que reconocía que estabas llamando… desde Silent Hill.

El operador te informaba de que tu situación estaba más allá incluso de la ayuda de cualquier miembro Konami, mezclando el tono tan oscuro y serio de la serie con ese giro de humor para otorgar a ese instante un poco cómico. Desde luego, se trataba de un guiño que rompía la cuarta pared y hacía sentir al jugador que el terror de Silent Hill se había filtrado al mundo real y que hasta en los rincones más oscuros hay espacio para bromas tan macabras.

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Ahora mismo no nos encontramos en la época de máximo apogeo de Call of Duty, pero a finales de los 2000 y principios de los 2010, nadie podía con la mayor franquicia FPS. Activision dominaba el género con puño de hierro y los billetes llovían en la oficina de Bobby Kotick, hasta que un desgraciado incidente sucedió en Francia.

Un camión se encontraba transportando mercancía en Créteil, al sur de París, y en su interior contaba con numerosas copias de Call of Duty: Modern Warfare 3. Apenas dos días restaban para que llegase el 8 de noviembre de 2011 y se produjese el lanzamiento en PC, Wii, Nintendo 3DS, PS3 y Xbox 360, por lo que un coche impactó contra el vehículo de mayor tamaño.

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Dos individuos enmascarados aparecieron, tiraron gas lacrimógeno para neutralizar a los conductores del camión antes de subirse y escapar con el cargamento de videojuegos, valorado en 400.000 euros. Un atraco de película que se saldó con la nada despreciable cifra de unas 6.000 copias del videojuego robadas.

Estamos hablando de uno de los mayores robos que se hayan producido en la historia de los videojuegos, aunque Activision no era la primera vez que sufría una problemática similar. Anteriormente, un empleado supuestamente sustrajo una copia del juego de un almacén en California antes de piratear el disco y subirlo a internet.

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