Corría el año 2005 cuando Santa Monica Studio se preparaba para lanzar uno de los videojuegos más exitosos, no solo de aquel año, sino de la década. God of War conquistó a millones de jugadores por su violenta apuesta sobre la mitología griega, presentando a un Kratos imparable ante las injusticias de los dioses del Olimpo.

Con el fin de acabar con Ares, el Fantasma de Esparta se decidió a obtener los poderes de la caja de Pandora que se encontraba en el templo que llevaba en su espalda el Titán Cronos. Un gigantesco ser que vaga por el desierto como castigo de Zeus y que posteriormente mataríamos en la tercera entrega de la saga, pero cuyo final original era más interesante.

Si terminábamos la historia en el modo de dificultad más alto, la desarrolladora de Sony nos recompensaría con una escena extra que funcionaría a modo de final secreto. En ella, escuchamos a la narrador Gaia contar cómo Cronos siguió vagando 1.000 años más con la estructura a cuestas, hasta el punto de que falleció en mitad de una planicie y su esqueleto gigante quedó expuesto.

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Lo llamativo es que Santa Monica Studio planteaba un escenario en el que todo lo sucedido en God of War había pasado en una línea temporal realista, por lo que un ejército moderno aparecería en la zona. Así pues, los soldados pasarían a reclamar los enormes tesoros que se escondían en su interior y explorar qué clase de misterios había entre sus endiablados desafíos.

Una idea muy loca que fue totalmente descartada y era más una fantasía por parte del equipo dirigido por David Jaffe que una propuesta en serio. Hay que recordar que el inicio de la franquicia no se planteó como una serie de más videojuegos, por lo que muchos de los conceptos iniciales no eran tan firmes como lo fueron posteriormente. Veremos si en la nueva trilogía de remakes hay un guiño extra a este inolvidable detalle.

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Hoy en día ha sido ampliamente superada en términos de potencia, pero para comienzos de siglo una PS2 era un sistema que impresionaba al mundo. Saddam Hussein quiso hacerse con una buena cantidad de unidades con fines militares y parece que ese temor estaba muy extendido durante aquellos tiempos, tal y como ha reconocido Kazuhiko Aoki.

Durante una entrevista con Famitsu, el que fuera diseñador de eventos de Final Fantasy IX y productor de Chrono Trigger, contó la anécdota que vivió durante la creación de la novena entrega de la saga de Square Enix. El título fue desarrollado por un equipo en Hawaii, el cual compartía información con la oficina principal de Square en Japón.

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Aoki quería comprobar si la aventura de Yitán, Vivi y compañía podía funcionar correctamente en una PS2, por lo que solicitó a finales de los 90 que le hiciesen llegar una PS2 de prueba.

"Hacia el final de mi estancia en Hawaii, se habló de enviarme algún tipo de equipo de prueba de PS2 para que pudiera comprobar si Final Fantasy IX funcionaría en la consola. Pero en aquel momento, la CPU de la PS2 era tan potente que existía la posibilidad de que se utilizara con fines militares, por lo que las exportaciones estaban restringidas".

Un procesador MIPS R5900 Emotion Engine es lo que tenía en las tripas una consola que todavía se mantiene como la más vendida de todos los tiempos y posee un catálogo envidiable. "Tardó bastante en llegarnos. Fue una situación muy difícil", reconoce Aoki sobre una experiencia bastante inusual.

Imagen principal de Nikita Kostrykin (Unsplash).

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Cuesta imaginarlo a día de hoy, pero el primer Saints Row de todos iba a ser un tanto diferente en comparación a como lo conocemos actualmente. De hecho, durante las primeras etapas de su desarrollo ni siquiera iba a recibir el nombre que acabó volviendo tan emblemática a esta loca saga de acción.

Durante su desarrollo inicial, el cual se inició a mediados de 2003, el proyecto estaba concebido para ser lanzado en el catálogo de PlayStation 2, aunque lo más curioso de todo es que lo iba a hacer con el nombre de Bling Bling. Así lo reveló hace casi 20 años su director técnico, Alan Lawrence, afirmando que estas decisiones se tomaron cuando ni siquiera se había anunciado la Xbox 360.

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Con el tiempo, el proyecto cambió de rumbo. Cuando se anunció en el E3 2005 ya apareció con el nombre que se volvió tan popular y exclusivo de la consola de Microsoft. De esta manera, se dejó atrás la versión de PS2 como aquel nombre tan peculiar, aunque también se llegó a plantear una versión para Wii, pero la idea nunca terminó de tomar forma.

El cambio de plataforma supuso un giro crucial que redefinió la ambición del proyecto. No solo supuso un salto técnico a una consola de nueva generación, sino también que era un juego más maduro al dejar atrás un nombre que podría haber resultado infinitamente más genérico o con menos identidad. Desde luego, Volition supo encontrar el título adecuado y la estética perfecta para dar forma a esta saga que nos ha estado acompañando a lo largo de unas cuantas entregas.

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Antes de que Shadow of Rome y Ryse: Son of Rome mostrasen el camino a seguir para los videojuegos de romanos y gladiadores, Gladiator: Sword of Vengeance trató de construir su propia leyenda. El título de Acclaim Studios Manchester llegó a PS2, Xbox y Windows allá por el lejano 2003 y nos presentaba una propuesta hack & slash en la que controlábamos a Invictus Thrax.

Evidentemente, la trama poco importaba cuando el gameplay consistía en arrasar con todos los enemigos que viésemos en pantalla, convirtiendo en Coliseo romano en un auténtico baño de sangre. Incluso la magia negra tenía su importancia en la aventura, pero la jugabilidad repetitiva, unos gráficos pobres y diversos errores no le permitieron arañar ni un triste 70 en Metacritic.

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Todos nos hemos olvidado por completo de Gladiator: Sword of Vengeance, aunque seguramente en el Reino Unido más de uno no. Y es que una de las campañas promocionales de la producción se denominó Bloodvertising y ocuparía las calles del país durante dos semanas. ¿La propuesta? Llenarlo todo de sangre falsa constantemente.

Las marquesinas de los autobuses fueron cubiertas con cartuchos de tinte rojo tras láminas transparentes, con lo cual se produjo un efecto en el que el líquido se derramaba lentamente por las calles y goteaba sobre las aceras. Semejante idea tuvo el visto bueno de las autoridades, aunque con el compromiso de la empresa de contratar personal de limpieza para retirar el tinte de las aceras al final de la semana.

Es una lástima que no existan imágenes de lo sucedido, pero seguro que algún que otro vecino de los lugares en los que se realizó la publicidad se llevaron un susto.

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Parece que podemos hacernos a la idea de que nunca volveremos a ver un videojuego similar a The Simpsons: Hit & Run. Radical Entertainment nos entregó un título colosal al más puro estilo GTA, pero con los personajes de Springfield pululando por un mundo abierto que todavía añoramos.

Incluso los guionistas de la serie de Fox se encargaron de desarrollar las bromas, diálogos e historia de la producción, por lo que no sería extraño que ellos mismos sugirieran un curioso detalle que sucede en el menú principal. Si jugamos en tres días específicos en GameCube, PS2, Xbox y PC, veremos cómo la sala donde la familia Simpson ve la tele cambia por completo.

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Concretamente, el 31 de octubre siendo Halloween, el último jueves de noviembre para Acción de Gracias y el 25 de diciembre para Navidad. Esas son las tres temáticas que muestra The Simpsons: Hit & Run, pudiendo ver calabazas, Homer vestido de Papa Noel o la clásica cornucopia de la festividad que está tan arraigada en los Estados Unidos.

Por supuesto, siempre podemos forzar a cualquiera de los sistemas a mostrar estos detalles modificando los relojes internos, pero en el 2003 era mucho más sorprendente ponerte a jugar cualquiera de esos días y toparte con semejante sorpresa.

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Lara Croft ha protagonizado toda clase de aventuras de acción y hasta con algún toque de plataformas en el caso de sus primeras entregas. Una de las mejores y más clásicas es Tomb Raider: Anniversary, en la que nuestra querida arqueóloga viaja a lugares como Perú, Grecia y Egipto. En este último país es donde tiene lugar uno de los errores más curiosos de todo el juego que a los desarrolladores se les debió de pasar por alto.

Durante el Obelisco de Khamoon se produce un error de programación que ocurre únicamente en el modo contrarreloj, el cual permite superarlo en menos de un minuto si dispones de la suficiente habilidad. Es más, hasta es algo que a los speedrunners les encanta porque la zona original se trata de una de las fases más largas y complicadas de este título por la cantidad de pasillos, trampas y saltos ajustados que hay por todas partes.

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Básicamente, este bug transcurre muy al principio si decides saltar y caerte a una plataforma en concreto, lo que provoca la muerte instantánea de Lara Croft por el tremendo castañazo que se pega. Es entonces cuando al intentar recargar la partida, en vez de reiniciar el nivel egipcio, el juego te teletransporta a la Mansión Croft, la cual sirve como lugar de entrenamiento y separado del juego principal.

Lo más curioso de todo es que, aunque visualmente estás en la mansión de Lara, el juego sigue creyendo que te encuentras en la fase del Obelisco mientras el cronómetro sigue corriendo sin parar. En cualquier caso, el atajo es simplemente brutal, porque si logras escapar de la mansión aparecerá la pantalla de puntuación con el tiempo que has tardado, pero indicando que ha sido en el Obelisco de Khamoon.

Asimismo, también hay que indicar que este fallo de Tomb Raider: Anniversary solo se produce en ciertas versiones. Concretamente, sucede en la de PC y PS2, por lo que aquellos que decidan ponerlo en práctica en Wii, Xbox 360 o PS3 se encontrarán con una muerte terrible que les obligará a empezar el nivel de Egipto desde el principio.

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En plena era en la que el debate entre el formato físico y digital se libra con fiereza, hay que reconocerle un tanto favorable a las cajas de videojuegos. Más allá de acumularlas y que luzcan preciosas en nuestras estanterías, muchas de ellas se han convertido en obras de arte con diseños realmente espectaculares.

Normalmente terminamos colocando todos los juegos en paralelo, de forma que tan solo vemos el lomo con el nombre y así no perdernos en la búsqueda de la próxima aventura. Sin embargo, seguro que más de una vez te ha llamado la atención la extensa variedad de colores que poseen las cajas de la legendaria PS2. Sí, el sistema de Sony cuenta con títulos de todos los tipos, por lo que nos podemos encontrar muchas sorpresas.

La tonalidad más extendida fue el azul para los 3.500 juegos del sistema, aunque os habréis encontrado blancos, negros o los también míticos grises Platinum. Amaray fue la empresa responsable de crear millones de cajas por todo el mundo, así que, ¿qué significado tienen cada una de ellas? Aquí tienes las respuestas, que responden a toda clase de motivos.

Azul

Auténtica superpoblación de color azul en los estantes de tiendas de segunda mano y en nuestras casas. La PS2 era negra, pero la mayoría de las cajas adoptaron el color azul como rasgo más distintivo. Con su llegada en el 2000, Sony tuvo a tres rivales para intentar dominar el mercado a nivel mundial.

La Dreamcast llevaba dos años ya pululando por las tiendas, Microsoft daba un golpe en la mesa con Xbox y Nintendo apostaba por una GameCube con su propia versión de los ya establecidos CD. Sega se mantuvo con una línea similar a lo visto en las cajas de PS1, mientras que Xbox se apoderaba del verde y Nintendo hacía lo propio con el negro.

PS2 nacía con las cajas de color negro y con el fin de diferenciarse, se aprobó un cambio cromático. El azul vistió hasta el final de sus días a los juegos del sistema y contó con hasta tres versiones:

• La primera de ellas posee una ranura para la Memory Card en el interior y el logo y nombre de PlayStation 2 en la portada.

• La segunda aumentaba sutilmente el tamaño del logo y el nombre en portada, además de comenzar a incluir el apartado de "modo online" a los juegos que poseían multijugador.

• En la recta final de la vida de PS2, Amaray se desvinculó de la fabricación. Esto conllevó a un plástico de peor calidad y sin la ranura interior para la Memory Card.

Gris

Otro auténtico clasicazo para las bibliotecas de los jugadores. Al igual que sucedía con PS1, PS2 presentó su propia línea de títulos Platinum, que rodeaban la caja con distintivos colores negro y gris plateado. Este color era adoptado por los juegos que habían tenido una buena acogida en la consola y que volvían a un precio menor, por lo que los ejemplos son de todo tipo.

Hoy en día resultan un incordio para muchos coleccionistas de la plataforma, ya que puede afear la vista con todos los juegos colocados en la estantería. Sin embargo, existen ejemplos de juegos que tan solo llegaron en formato Platinum, como es el caso de Silent Hill 2 Director's Cut. De hecho, las portadas eran reducidas por los colores grises e incluso los discos perdían el arte original por un sencillo y apagado gris. Una vez más, aquí contamos con tres versiones:

• La primera muestra únicamente la palabra Platinum en la parte inferior y todo el color gris invadiendo la portada, dejando la cubierta original a un tamaño inferior.

• La segunda presenta un corte intermedio entre la primera y la tercera, centrando la palabra Platinum y con una fina línea blanca cortando la parte superior del resto de la portada.

• La tercera muestra unas rayas alrededor de la portada y el Platinum se encuentra en un óvalo rojo junto al subtítulo "Lo Mejor de PlayStation 2".

Blanco

El uso del blanco comenzó con otra saga inolvidable de PS2 como fue Singstar. Su uso se extendió para todos aquellos juegos que utilizasen micrófonos, aunque la costumbre se perdió con obras como Singstar: Queen. Una gran excepción a esta regla se produjo con Gran Turismo 4, la franquicia de conducción de Sony.

Naranja

El naranja es realmente inusual y también sirvió como distintivo para juegos que usaban un periférico en específico. En este caso hablamos del Eye Toy, el cual sirvió como trampolín para crear la serie de Eye Toy Play. Durante los últimos años también se realizaron conversiones de títulos exclusivos de PSP a PS2 y así seguir rascando unas cuantas ventas más. Ejemplos de ello son Jak & Daxter: La Frontera Perdida o MotorStorm: Arctic Edge.

Rojo

Entre los mandos más inusuales que pudimos tener en nuestras manos jugando en la PS2 fueron los Buzz Controller. Sí, aquel mítico presentador que no se cansaba de bombardearnos con preguntas de todo tipo. La franquicia era básicamente un trivial en el que podíamos jugar con varios amigos y el inicio fue con un juego musical.

El rojo se utilizó de forma exclusiva para todos los títulos de Buzz, aunque también hubo una excepción importante. Gran Turismo 3 utilizó el rojo para acompañar una portada en la que ya predominaba esa tonalidad.

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Transparente

Ni siquiera es un color, ya que se trata de la ausencia del mismo. Hideo Kojima gozó de una distinción única para Metal Gear Solid en PS2, con unas cajas totalmente transparentes. Otro rasgo distintivo de las mismas es que poseen dos ranuras para los discos, con contenido extra sobre las aventuras de Konami.

Con todo, volvió a cumplirse la norma no escrita de que otro juego usaría estas cajas. En este caso le tocó a Primal y su edición coleccionista que, sin motivo aparente, también utilizó las cajas transparentes.

Negro

Las auténticas y originales, pero que el paso del tiempo las convirtió en un recuerdo. Al inicio de PS2, los juegos llegaban en color negro y hasta finales del 2002 se mantuvo esa elección, que cambió para diferenciarse principalmente de Nintendo y su GameCube.

Por ello, las primeras hornadas de juegos presentaron este aspecto, aunque obras posteriores como GTA: San Andreas o God of War 2.

Cartón

Una auténtica rareza y que con el paso de los años es realmente difícil de conservar. El cartón se convirtió en señal de lujo para las cajas de PS2 y seguramente la edición más recordada sea la de Shadow of the Colossus, la obra maestra de Fumito Ueda. Hay muchos otros ejemplos como Ico, Silent Hill 2, Xenosaga 2...

Que no te den gato por liebre

Sí, más allá de ediciones coleccionista, especiales y extravagancias de todo color que hubo en PS2, puedes llegar a pensar qué pasa con esas cajas de otros colores que tienes en la colección. En mi caso son el verde y el morado, lo cual tiene una explicación sencilla en ambos casos.

De alguna forma un Sonic Heroes cayó en mis manos, aunque en realidad se trata de una caja de Xbox 360. Con mi Metal Gear Solid 3: Snake Eater, resulta que es una de las cajas moradas de juegos para Kinect de Xbox 360. Quién le hubiese dicho al bueno de Big Boss que terminaría aquí después de la Misión Virtuosa.

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Nunca se ha vendido tanto una consola como la PlayStation 2, pues desde su lanzamiento en el año 2000 ha superado los 160 millones de unidades vendidas. Concretamente vio la luz en Japón el 4 de marzo de aquel año, pero no fue hasta el 26 de octubre cuando los jugadores de Estados Unidos pudieron echarle el guante al sistema de Sony.

Un acontecimiento histórico para la industria que fue grabado debidamente en su día por un aficionado, el cual compartió imágenes de muchos fans acudiendo a GameStop a hacerse con su unidad. El metraje se filmó en Lewisville, Texas y es una ventana en el tiempo para comprobar la ilusión con la que se vivió la llegada de PS2.

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Tal y como podemos ver, la cola frente a la tienda ya era numerosa minutos antes de la apertura de las puertas a medianoche y vemos a un fan asegurar que están esperando el lanzamiento de PS2 con muchas ganas. Del mismo modo, GameStop llenó su estancia de accesorios, videojuegos y demás muestras de productos relacionados con la marca.

299 dólares costaba en su momento hacerse con una PS2 y poco a poco cada aficionado pasa a recibir su unidad. Madden NFL 2001 parecía ser uno de los atractivos más poderosos para comprobar el potencial de la sexta generación, aunque vemos que muchos dudaban si comprar obras como Summoner, TimeSplitters o Silent Scope. Con todo, disfrutar de la compañía de otros en situaciones así, que podemos ver incluso con lanzamientos como el de Nintendo Switch 2, se vive de una forma diferente; ni que sea con un gato al hombro.

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Aunque Spider-Man 2 impartió clase sobre cómo crear un mundo abierto para un superhéroe, lo cierto es que Activision no se quedó de brazos cruzados. Treyarch se puso manos a la obra para publicar tan solo un año más tarde Ultimate Spider-Man, la gran adaptación de las aventuras del arácnido desde la perspectiva de Brian Michael Bendis y Mark Bagley. Lanzado el 14 de octubre de 2005, han pasado ya 20 años desde que pudimos descubrir la Nueva York de corte animado.

La trama no nos sitúa en el contexto del origen de Peter Parker, sino que nos muestra rápidamente con un paisaje de viñetas espectaculares cómo el muchacho terminó convirtiéndose en Spider-Man. Las cinemáticas de Ultimate Spider-Man son icónicas por jugar constantemente con el hecho de que son eso, puras viñetas, por lo que los personajes saltan de unas a otras y se aprovecha de una forma muy visual este recurso.

Inspirados por la dualidad que mostró Halo 2 en su momento, en Treyarch se pusieron manos a la obra para presentar un proyecto en el que no solo controlaríamos al trepamuros, sino que también haríamos lo propio con Venom. Ambos personajes se dan cita en el campus del Midtown High School para una pelea inicial en la que queda claro que el simbionte toma el control absoluto de Eddie Brock. La tecnología 3D Comic Inking permitió trasladar perfectamente lo que reflejaban los cómics de Marvel de la época, pero con un acabado gráfico excelente para PS2, GameCube y la primera Xbox. Así pues, a nadie le podía extrañar ver en pantalla onomatopeyas del estilo de "boom", "whip" o "bam".

Esta versión del lanzarredes es la que se origina a comienzos del siglo XXI, por lo que su contexto es muy distinto, la ciudad es diferente y todos los personajes secundarios asumen roles únicos. Ni cortos ni perezosos, en Treyarch no dudaron a la hora de incluir otras figuras legendarias de La Casa de las Ideas gracias a una historia pergeñada por Brian Michael Bendis. Cómo olvidar la pelea contra Lobezno en un bar o las infernales carreras aéreas contra la Antorcha Humana, las cuales no eran precisamente difíciles por no contar nosotros con suficiente habilidad en la época.

Así pues, tocaba explorar Nueva York, pero también una Queens perfectamente recreada y que se convertía en un espacio limitante para Spider-Man por sus edificios tan bajos. La aparición del empresario Bolivar Trask, la organización Wild Pack con Silver Sable, el mercenario Escarabajo y hasta el mismísimo Duende Verde se presentaban como amenazas muy potentes contra las que luchar. Para matizar a ambos protagonistas, el gameplay debía mostrar exageradas diferencias.

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Spider-Man es muy ágil, puede balancearse sin problemas (incluyendo la escalada en la propia red) y aprovecha sus habilidades con soltura para deshacer reyertas. Por su parte, Venom es una fuerza de la naturaleza descomunal, capaz de realizar saltos enormes, partir por la mitad a sus enemigos y lanzar coches por los aires si lo creíamos necesario. El problema para el simbionte creado por los padres de Peter y Eddie es que necesita alimentarse constantemente de rivales o civiles para evitar que su salud disminuya constantemente, lo cual es una limitación muy inteligente.

No nos vamos a engañar: jugar con el monstruo era una auténtica pasada. Si bien Marvel's Spider-Man 2 nos dejó un pequeño aperitivo pudiendo controlar a Venom, llegando a enfrentarlo a Kraven en mitad de Times Square, fue Treyarch la que nos dejó mejor sabor de boca. No solo es que Venom fuese el caos personificado, sino que podíamos desatarlo en cualquier momento con un modo de juego muy especial. Si comenzábamos a atacar a todo lo que se movía, aparecería la policía para detenernos y un contador de destrucción se vería en pantalla.

Así pues, la masacre escalaría hasta donde pudiésemos resistir las embestidas de las fuerzas de seguridad, hasta el punto de que el mismísimo helitransporte de SHIELD sobrevolaría Manhattan para intentar detenernos. Por supuesto, todo el mapa está repleto de tareas secundarias para entretenernos durante horas, hasta el punto de colar coleccionables por cada esquina para desbloquear atuendos alternativos para Peter. Y sí, soy de los que pensaba que conseguir el traje negro para Spider-Man conllevaría disponer de los poderes de Venom con el cabeza de red, pero nada más lejos de la realidad.​

Atrapar criminales con las telarañas, salvar a personas atrapadas debajo de los escombros y hasta enfrentarse a Shocker y Boomerang repetidamente eran el pan de cada día en Ultimate Spider-Man.​​ Eso sí, la verdadera tortura llegaba con unas carreras que podían ser endiabladamente complejas y que requerían de una maestría total para conseguir los mejores tiempos posibles.​ Bien es cierto que el rango de movimientos de Spider-Man era notablemente más limitado respecto a Spider-Man 2, por lo que los combates no dejaban de ser un lluvia de aporreo de botones para dejar inconsciente al contricante.​

El precio a pagar por semejante destello de creatividad es que nunca recibimos una secuela, aunque no está claro el por qué, si bien podemos suponer que no alcanzar ni un millón de ventas tuvo un peso decisivo. La tercera adaptación de la trilogía de Sam Raimi fue un fracaso y hubo que aguardar hasta que Insomniac Games tomase las riendas del trepamuros para disfrutar de la mejor aventura sobre Spider-Man. Con todo, Activision sí que nos dejó títulos potentes como Web of Shadows y Shattered Dimensions, pero la fantasía de volver a controlar a Venom y darle una paliza a Electro jamás se pudo repetir.​

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Atrevido, irreverente, visceral y, sobre todo, hijo de su tiempo. Tanto, que no tengo claro si hoy podría hacerse algo así. Algo tan políticamente gamberro. Celebrity Deathmatch fue uno de los programas más locos de la MTV de los años 2000. Su mezcla de sátira, violencia caricaturesca y cultura pop lo convirtió en un fenómeno de culto. Lo suficiente como para que alguien sumase dos más dos y decidiese convertirlo en videojuego.

En 2003, Gotham Games llevó la idea directamente desde la tele a prácticamente todas las consolas de videojuegos. Una apuesta segura, de hecho, al adaptar ese brutal humor, el atractivo de tener un juego de lucha protagonizado por celebridades de plastilina y una violencia en sintonía con la que veníamos por la tele. El resultado, sin embargo, fue tan caótico como una pelea entre Marilyn Manson y Mr. T. 

Llegados a este punto la pregunta se hace sola: ¿de qué iba el programa original? Descrito en tres palabras: Celebrity Deathmatch era una divertidísima mezcla de plastilina, parodia de famosos de Hollywood y la música y caos. Muchísimo caos. Emitido originalmente entre 1998 y 2002, fue una serie animada en stop-motion (la misma técnica de Pesadilla Antes de Navidad) que enfrentaba a celebridades ficticias en combates sangrientos y absurdos. 

Cada combate de Celebrity Deathmatch estaba presentado y animado por dos comentaristas con sus propias historias, Nick Diamond y Johnny Gómez, aunque el resultado de cada combate lo determinaba el juez Mills Lane, quien se parecía sospechosamente al árbitro Pierluigi Collina. 

La única regla del combate, de hecho, también era una declaración de intenciones: el que muere, pierde. Incluso las armas están permitidas y te las podías sacar del bolsillo a lo Looney Tunes. Elementos que marcaron una diferencia en la pequeña pantalla y lo mismo se aplicó al videojuego. O, al menos, se intentó.

Celebrity Deathmatch, el videojuego. Una adaptación con más golpes que gloria 

Como es natural, aquel programa se burlaba sin piedad de figuras del espectáculo, la política y el deporte. Su estilo visual de plastilina y su humor negro lo convirtieron en un ícono de la televisión alternativa de finales de los 90. Ante esta combinación de factores, y tras la emisión del último programa, la MTV decidió continuar los combates a través de los videojuegos.

En 2003, Celebrity Deathmatch fue adaptado como juego de lucha para PS2, Xbox, PC y hasta hubo una conversión para la primera PlayStation. Desarrollado por Big Ape Productions y distribuido por Gotham Games, su premisa era tan sencilla y a la vez tan pretenciosa como el programa original: ofrecer combates exagerados, fatalities ridículos y una estética que imitaba el stop-motion en los sistemas de la época.

Y ojo, en según qué versión podías crear a tu propio luchador a través del modo Create-A-Celebrity. Con todo, los resultados de este laboratorio de luchadores de plastilina estaban bastante lejos de los de otros juegos de la época, y no tenían nada que ver con los de juegos más recientes como Street Fighter 6.

Portadas y anuncio de Celebrity Deathmatch

Siendo justos, sobre el papel había muy bueno ingredientes: el juego incluía un plantel de 27 personajes jugables, entre ellos Marilyn Manson, Carmen Electra, Mr. T, Dennis Rodman y hasta una voluptuosa Anna Nicole Smith. Además, cada luchador tenía movimientos especiales y fatalities únicos; y se redondeaba la propuesta con personajes no jugables como Mills Lane y Debbie Matenopoulos a modo de cameo. Sin embargo, en la práctica es cuando se desmoronaba la plastilina.

Visualmente, el juego intentaba replicar la textura de arcilla o plastilina del programa de televisión, aunque con limitaciones técnicas de los sistemas de la época. Además, el modo historia (por que lo tenía) ofrecía una serie de combates con narrativa absurda, mientras que el multijugador servía como un caótico party game. ¿Cómo no iba a gustar un videojuego así? Bueno, aquí viene la parte fea.

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A pesar del entusiasmo inicial, la recepción crítica fue mayoritariamente negativa. Y no faltaban razones: su jugabilidad era terriblemente repetitiva, los controles controles torpes y, como juego de lucha, estaba carente de toda profundidad. No necesitaba ser un título competitivo como Street Fighter o Tekken, sino sencillamente loco y divertido. Y el propio hecho de no haberlo logrado fue el peor de sus fracasos.

Visto en conjunto, merece la pena valorar los esfuerzos que se hicieron por continuar el programa, ya fuera de emisión,a través de las consolas y PCs. Había una fidelidad estética y el tono gamberro era el mismo. Sin embargo, a los mandos todo acabó cayendo en saco roto y hasta la planificada y anunciada versión para GameCube fue cancelada en sus etapas tempranas del desarrollo.

Que conste que el videojuego de Celebrity Deathmatch también tenía elementos interesantes. Algunos personajes tenían fatalities alternativos según su estado físico (sin piernas o brazos). Además, el humor escatológico y las referencias pop eran tan extremos como en el programa, sumados al sellito de clasificaciones ESRB para adultos o adolescentes eran un atractivo extra. 

La otra realidad: por mucho que los golpes especiales fuesen todo lo políticamente incorrectos que se podía esperar del videojuego de Celebrity Deathmatch, en los juegos de lucha las buenas ideas no enderezan una mala experiencia a los mandos. Algo que incluso se puede apreciar si vemos cómo era el juego entonces, pero con los ojos actuales.

Más de dos décadas después, Celebrity Deathmatch el videojuego es recordado más como una curiosidad de su época que como un clásico del género. Sin embargo, sigue siendo un testimonio del impacto cultural del programa original y de una era en la que la sátira televisiva podía convertirse en un videojuego con fatalities de plastilina. 

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