Llegar a vivir la friolera de 100 años responde a un componente genético muy importante, pero no deja de ser fundamental mantener ciertas rutinas sanas. Japón, siendo uno de los países del mundo con una mayor longevidad en su población, tiene mucho que decir al respecto y la señora Ushi Ando cree que su Super Famicom es la responsable.

Tal y como recogen desde Yahoo Japón, la mujer residente en la ciudad de Inawashiro, prefectura de Fukushima, ya cuenta con un siglo a sus espaldas y se echa sus buenas partidas con la mítica consola de Nintendo casi todos los días entre dos y tres horas. "Mis favoritos son Bomberman y Tetris", asegura Ando, la cual juega sin problemas desde su cama.

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Han pasado 30 años desde que la anciana comenzó a acostumbrarse a jugar a videojuegos y la primera vez sucedió cuando tuvo un mando en sus manos durante una visita a la casa de su nieto en Tokio. Ando quedó totalmente fascinada con la posibilidad de mover a los personajes y colocar los bloques en Tetris, por lo que su nieto le regaló la consola que ya no usaba.

Eso sí, la Super Famicom que utiliza es la tercera, ya que las dos anteriores se estropearon y las reemplazó por unidades de segunda mano. Cuando llegan los fines de semana, es su bisnieto de cuatro años es el que suma a jugar con ella, pero no se deja ganar fácilmente. "La abuela juega mejor", reconoce el niño, al mismo tiempo que Ando se ríe y deja claro que "¡Todavía no pienso perder!".

Actualmente, la señora vive con su segunda hija de 65 años y, exceptuando la cocina, es capaz de ocuparse de todas sus tareas diarias por su cuenta. Asiste tres veces por semana a un centro de día y comparte tiempo con todos los que acuden allí. "Como uso los dedos en los juegos, me mantengo con energía. No quiero estar todo el tiempo acostada", explica Ando, la cual nos muestra a todos cómo mantenerse con una salud de hierro.

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Si hablamos de aventuras de plataformas de los 90, es inevitable que los nombres que suenen con más fuerza sean Mario, Sonic o Donkey Kong, entre otros. No obstante, en medio de esta batalla por crear a los personajes más emblemáticos y los juegos más inolvidables, hubo otro menos conocido que dejó una buena huella en aquellos que lo jugaron, como fue el caso de Plok!, una obra excepcional a cargo del estudio británico Software Creations.

El juego publicado en Super Nintendo llegó a impresionar a la crítica y también a una de las figuras más importantes de la industria: Shigeru Miyamoto. El padre de Mario no tuvo ningún reparo en calificarlo en aquel momento como el tercer mejor juego de plataformas que existía. Los únicos que le superaban eran Mario y Sonic the Hedgehog, pero al creativo japonés le impactó tanto que quiso involucrarse más todavía.

Según confesó Ste Pickford, cocreador de Plok!, la intención de Miyamoto era la de participar en el desarrollo para convertirlo en una alternativa excelente que superara a Sonic, pero que situara por debajo de Mario. Desde luego, su entusiasmo por esta aventura tenía todo el sentido del mundo, dado que el juego presentaba unos niveles de lo más ingeniosos y una jugabilidad muy peculiar, con un carismático personaje que lanzaba sus propias extremidades como proyectiles.

Por lo tanto, Miyamoto vio un diamante en bruto capaz de plantar cara sin problemas al erizo azul de SEGA. Sin embargo, esta colaboración no terminó haciéndose realidad, aunque nunca se terminó de revelar el motivo exacto. Pickford creía que Plok! contaba con muchas similitudes con el por aquella época anunciado Yoshi's Island, así que Nintendo solo se limitó a publicarlo en Europa, mientras que Tradewest se ocupó de ello en Norteamérica y Activision en Japón.

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Algo que siempre ha caracterizado a Nintendo y a sus videojuegos es que están destinados para todo tipo de jugadores, sin importar la edad de la persona que está a los mandos. Sus personajes tan amigables y sus coloridos escenarios se alejan por completo de otras propuestas más salvajes y enfocadas a la acción que son tan comunes en otras plataformas. Aun así, hubo un día en el que la gran N casi tira por tierra esta norma que casi siempre ha tratado de cumplir a rajatabla.

En los títulos del universo de Mario es imposible ver cualquier indicio de violencia explícita, pero hubo una ocasión en la que estuvo a punto de suceder y para ello hay que remontarse hasta 1993, el año en el que se publicó Yoshi's Safari en Super Nintendo. Además de destacar por el hecho de emplear el Super Scope, el periférico en forma bazooka que se utilizaba en varios títulos de esta consola, también iba a mostrar a un personaje sangrando.

A pesar de ser Mario el que dispara y el que digamos que hay que controlar, el auténtico protagonista de esta aventura es Yoshi, el carismático y querido dinosaurio verde. Por eso mismo, es él el que se acaba llevando todos los palos y sufriendo los daños en su propia piel, así que a algún desarrollador de Nintendo le debió de parecer buena idea que Yoshi sangrara por la nariz al ser golpeado.

Así se puede observar en una serie de sprites que fueron filtrados y en los que, efectivamente, se puede observar cómo se pretendió que Yoshi sufriera una hemorragia nasal. Aunque no sea algo excesivamente grande, no deja de tratarse de un hecho de lo más inusual y que jamás se ha visto en un juego de Mario, de ahí que la idea se acabó descartando por completo y no pasó el corte final por la polémica que podría haber causado.

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En la versión que llegó a las tiendas, se optó por otorgarle a Yoshi un único sprite que era siempre el único que aparecía en pantalla y en el que, por su mirada, se podía apreciar que estaba aturdido, pero al menos no era una violencia tan explícita. Quién sabe por qué se llegó a plantear semejante idea, pero al menos muestra cómo la gran N pasó por una época en la que tanteó límites muy diferentes a los que conocemos en la actualidad.

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En la década de los 90 tuvimos la oportunidad de disfrutar de una buena cantidad de beat 'em ups, entre ellos varios desarrollados por Capcom. Uno de los más clásicos fue Final Fight, el cual pasó primero por los salones recreativos en el año 1989 antes de de dar el salto a Super Nintendo con una versión que acabó siendo muy diferente por la cantidad de contenido que fue recortado ¡y hasta censurado!

Por ejemplo, el juego prescindió de un modo cooperativo para dos jugadores, eliminó cualquier referencia al personaje de Guy para que no pudiera ser seleccionado y también desapareció una de las fases en las que el enemigo final era Rolento, al que se le ha visto en varias entregas de la serie Street Fighter. Sin embargo, uno de los cambios más llamativos fue el de Belger, el último jefe final del juego.

En la versión original que salió a la venta en Japón se le podía ver sentado en una silla de ruedas, dando la sensación de que era discapacitado y no podía ir a ninguna parte sin ella. Lo curioso es que no era así en absoluto, porque al darle unos puñetazos y tirarle al suelo se podía ver cómo era capaz de ponerse de pie sin ningún problema, además de desplazarse por el escenario dando brincos mientras causaba estragos con el arma de fuego que empuñaba.

Aun así, parece ser que alguien no terminó de ver con buenos ojos el hecho de atizar a alguien que utilizaba una silla de ruedas, independientemente de si era fingido o no. Por esta razón, con el fin de evitar que pudiese surgir mucha polémica alrededor de este villano, en la versión occidental se modificó la silla de Belger para que fuese simplemente un sillón que se desplaza por el escenario.

De hecho, para dar más todavía la impresión de que no era ningún discapacitado, se le otorgaron nuevas animaciones, para que esta vez pudiera andar sin ningún problema de un lado para otro, lo que también causó que el encuentro se volviera más complicado todavía en comparación con los patrones que se concibieron originalmente. Pero al menos con estas decisiones dejó completamente de lado la controversia.

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El que un videojuego sea anunciado y presentado por todo lo alto no quiere decir que vayamos a poder jugarlo y disfrutar de él todo lo que queramos en el futuro. Por desgracia, son demasiadas las ocasiones en las que hemos presenciado cómo se ha cancelado el desarrollo de algún que otro proyecto de lo más prometedor. Eso mismo lo ha vivido la saga Rayman, cuyos inicios se remontan hasta Super Nintendo con un prototipo que jamás vio la luz.

La primera aventura de uno de los personajes más carismáticos de Ubisoft pasó por la Atari Jaguar, PlayStation, Sega Saturn y otras plataformas, pero mucho antes se trabajó en otra entrega que se pensaba publicar en la mítica consola de 16 bits de Nintendo. Esta destaca sobre todo por el hecho de que iba a ser bastante diferente a la aventura de plataformas que ya conocemos y que sí salió a la venta en 1995.

Para empezar, su trama iba a ser otra y pensaba presentarnos a Jimmy, un niño que pasaba mucho tiempo delante del ordenador y le gustaba dedicar su tiempo libre a crear un mundo de fantasía llamado Hereitscool. Sin embargo, cuando su trabajo se ve infectado por un terrible virus, Jimmy acaba siendo absorbido por el mundo virtual que ha generado, lo que le lleva adoptar la identidad de Rayman para acabar con este enemigo digital.

Desde luego, ya solo por este detalle se trata de una versión muy distinta que nos habría narrado unos orígenes que no tenían absolutamente nada que ver con los del Rayman que conocemos actualmente. Y esta no fue la única modificación tan llamativa, ya que este título de SNES se hubiese caracterizado por contar con un modo multijugador cooperativo para dos personas, lo que sin duda habría provocado que la experiencia fuese más divertida, pero también muy distinta a la del juego que sí se publicó en el resto de sistemas.

En este modo en cuestión, el primer jugador tomaba el control del propio Rayman, mientras que el segundo jugador tomaba el papel de Simohne, la que se planeó que fuese su novia. Además, el diseño de estos personajes también era ligeramente distinto, porque la cabeza y su característico peinado era el mismo, sin las extremidades que unían sus manos y sus pies. En cambio, su cuerpo sí que cambiaba, porque era mucho más redondo, como un globo, y encima de color rojo en lugar del morado que siempre le hemos visto.

Y estos no eran los únicos cambios que iban a estar presentes. Como se puede apreciar en la imagen que tenéis justo debajo de estas líneas, en la que se muestra también su modo para dos jugadores, en la interfaz iban a aparecer unas barras de vida y otras barras de poder. La primera no deja lugar a dudas sobre su función, pero la que no termina de quedar muy claro para qué iba a servir es la segunda, porque tiene pinta de que se podía gastar. Además, a ambos personajes les acompaña lo que parece ser la posibilidad de llevar un objeto, lo que habría sido otra gran novedad.

Por otro lado, los escenarios lucían de otra manera. Si bien parece ser que iban a ser los mismos, como el Bosque de los Sueños y las Cuevas de Skops, estos iban a presentar unos diseños más diferentes, incluyendo enemigos que no se han visto jamás en la saga, como lo que parecen ser unas hormigas y otros pájaros incordiando por el aire. Es más, el diseño que se le iba a brindar al propio Mr. Skops, uno de los jefes finales más gigantes, se parecía al de la versión final en el blanco de los ojos y en que era un escorpión, nada más.

La imagen situada más arriba, correspondiente a la revista francesa de juegos retro Pix'N Love, también contenía una entrevista realizada a Michel Ancel, el creador original de Rayman, en la que confesó que esta versión para SNES únicamente fue desarrollada por dos personas, siendo él una de ellas. Para él supuso un acontecimiento que no olvidará jamás por haberse tratado de la primera plataforma en la que había trabajado directamente, aunque al final el título no hubiese llegado a buen puerto.

Según admitió, el proceso de adaptar el juego a un cartucho les resultó demasiado complicado y agotador, a lo que se sumó el hecho de que en ese tiempo acabaron llegando los discos ópticos, por lo que al final se optó por apostar por PlayStation, PC y el resto de sistemas, provocando que el juego de SNES fuera cancelado por completo, pese a encontrarse en un estado en el que prácticamente estaba finalizado. De no haber tomado esta decisión, ¿habría sido la saga muy diferente a como la conocemos? Nunca lo sabremos con seguridad.

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A cualquier aficionado de los videojuegos que espera con ganas un lanzamiento en especial le gusta disfrutarlo a su ritmo, sin presiones de ningún tipo. El hecho de poder ver por primera vez todo lo que ofrece, sorprenderse con esos mundos de fantasía o esas historias tan impactantes, es lo que consigue que se convierta en una gran experiencia. No obstante, alguien que no tuvo la oportunidad de vivir un momento así fue Takaya Imamura.

El exdesarrollador de Nintendo, quien formó parte de la plantilla de la compañía entre 1989 y 2021, estaba muy ansioso por poder jugar al mítico The Legend of Zelda: A Link to the Past. Él mismo sabía que esta entrega de la saga se iba a desarrollar para Super Nintendo, así que supuso como un jarro de agua fría el enterarse de que iba a participar como diseñador en su desarrollo.

Según podemos leer en JeuxVideo, concedió una entrevista a la revista Edge en la que señaló que formó parte de la gran N durante más de 30 años. En ese tiempo solo se arrepintió de haber trabajado en un único juego, y ese fue The Legend of Zelda. El motivo es muy simple, ya que lo único que deseaba era jugarlo por su propia cuenta y no saber de antemano todo lo que iba a suceder.

Para ser sincero, cuando me dijeron que me uniese al equipo de Zelda, no estaba demasiado emocionado. Realmente no quería, y el motivo era que quería disfrutar el juego una vez terminado, como jugador. Todavía recuerdo ese sentimiento a día de hoy.

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Además, también comentó qué fue lo que más detestó de todo, como fue el proceso de pulir el juego para alcanzar la mayor calidad posible. Esto se debe a que no le quedó otra opción que tener que repetir las mismas tareas constantemente, de ahí que resultó tan agotador que a la larga se le quitaron las ganas de jugar por su propia cuenta una vez se puso a la venta en las tiendas.

Por eso mismo, señaló que ha intentado darle una oportunidad en más de una ocasión. Sin embargo, siempre ha acabado con la misma sensación de rechazo una vez transcurridos unos minutos. Él lo define como una especie de "estrés postraumático", así que no quiere saber nada del juego, por mucho que se considere una de las mayores obras maestras de toda la saga.

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De todas las consolas de Nintendo que han pasado por mis manos tengo claro que de la que guardo un mejor recuerdo es la Super Nintendo. La legendaria máquina de 16 bits creada por Nintendo no paró de brindarnos auténticas obras maestras que siguen siendo realmente excepcionales hoy en día, como si no hubiese pasado el tiempo para ninguna por lo bien que han sabido envejecer. Desde luego, uno de los mejores ejemplos de ello es el clásico Donkey Kong Country.

Precisamente, el carismático protagonista de esta aventura ha vuelto a la acción recientemente gracias al lanzamiento de Donkey Kong Country Returns HD, pero en la década de los 90 fue el encargado inaugurar esta legendaria saga desarrollada originalmente por Rare y que hace no mucho cumplió 30 años, que se dice pronto. Aun así, por muchísimo tiempo que haya pasado, sigue mereciendo la pena y lo mejor de todo es que podéis jugarlo gracias a la suscripción de Nintendo Switch Online.

La primera entrega de esta serie supuso toda una revolución dentro del catálogo de la mítica consola. El equipo tomó las riendas del proyecto después de que fuese la propia Nintendo la que le encargara a Rare el trabajo de revivir la franquicia por todo lo algo. Aparte de ser algo que logró y uno de esos títulos al que siempre me apetece volver en alguna que otra ocasión, también renderizó unos modelos en 3D de cada uno de los personajes después de que la compañía adquiriese estaciones de trabajo Silicon Graphics.

Para empezar, su apartado gráfico es uno de sus puntos más fuertes. Hasta ese momento no se había visto nada igual, lo que sumado a otra serie de aspectos lograron que esta aventura de plataformas se convirtiera en todo un éxito, ya que se llegaron a vender un total de 9,3 millones de copias, elevándola hasta la tercera plaza del ranking de los juegos más vendidos de todos los que se publicaron en Super Nintendo. Solo fue superada por Super Mario World y Super Mario All Stars con 20,6 y 10,5 millones de unidades, respectivamente.

No cabe duda de que Rare se inspiró en estos juegos de Mario, así como en otras obras del fontanero de Nintendo, para dar como resultado una jugabilidad muy similar. Además, aunque Donkey Kong ya era muy conocido, esta obra maestra fue la responsable de volverlo un personaje más importante todavía y una de las sagas más importantes de toda la historia de Nintendo. De hecho, hasta recibió dos continuaciones igual de sobresalientes.

Quizás no por su trama, porque más simple no puede ser. Básicamente, el argumento trata de que el malvado King K. Rool, el rey de los Kremlings, ha robado la montaña de plátanos que tenía Donkey Kong al lado de su casa, así que este se dispone a emprender un épico viaje para recuperar todos y cada uno de ellos. Se nota que para nuestro peludo protagonista la comida no es ningún juego y menos aún si es su favorita, de ahí que pida la ayuda de Diddy Kong para echarle una mano en esta tarea.

Cada uno de estos personajes es completamente diferente. En el caso de Donkey Kong, tenemos a un gorila lento y muy poderoso, capaz de liquidar a los enemigos más fortachones, mientras que Diddy Kong es un chimpancé más pequeño y débil, aunque esto lo suple con su velocidad y agilidad. Aun así, estas cualidades tampoco es que destaquen demasiado o sean lo suficientemente relevantes durante la mayor parte de la aventura, por lo que no pasa nada por escoger a uno u otro, dado que solo hace falta pulsar un botón para que choquen sus palmas e intercambien sus posiciones.

En este sentido, se echa mucho en falta un multijugador cooperativo real, porque el único con el que cuenta permite a cada jugador controlar a uno de los protagonistas, pero solo si se cede el testigo, por lo que en verdad solo juega uno mientras el otro se queda de brazos cruzados. Así a lo largo de las 40 fases que hay para completar y en las que la ambientación va variando dependiendo del mundo en el que te encuentres en ese momento, por lo que pasas de avanzar por una jungla a recorrer el interior de cuevas, los alrededores de unos templos maya, bosques con árboles de un tamaño kilométrico, montañas completamente heladas y hasta fábricas industriales.

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Algo que tienen en común los diferentes niveles son sus fases de bonus. Estas están escondidas a conciencia y es una forma de motivar a los jugadores a no dejar ningún rincón por explorar con tal de desbloquear el 101% de los secretos que permanecen ocultos. En estas secciones se pueden encontrar minijuegos para obtener vidas extras o también para conseguir trofeos en forma de los distintos animales del juego.

Y es que Donkey y Diddy se pueden topar con cajas que al abrirlas aparece un animal sobre el que se pueden montar, como el rinoceronte Rambi, el avestruz Expresso, la rana Winky o el pez espada Enguarde. Todos ellos sí que se controlan de maneras totalmente únicas, así que resultan de gran ayuda en las fases en las que te los encuentras. Eso sí, hay que tener especial cuidado con no ser golpeado, porque los personajes son eliminados por cualquier impacto, sea el que sea, y los animales huyen como si no hubiera un mañana si les pasa lo mismo.

En este sentido, hay que reconocer que el juego cuenta con cierto nivel de dificultad que provoca que no sea un paseo y en algunas fases haya que tener cierta habilidad a los mandos para superar los obstáculos o sacar partido de los elementos que van surgiendo, ya sean los propios enemigos, carretillas que se desplazan a toda pastilla, barriles con los que sales volando por los aires, neumáticos que sirven para que pegues un salto enorme, interruptores que hay que activar, etc.

Además, también hay combates contra jefes finales que vienen a ser versiones gigantes de algunos de los enemigos más comunes. Estos son fáciles de superar por lo general, pero lo que más me encanta de todos ellos es el temazo que se escucha de fondo. Los compositores David Wise, Eveline Novakovic y Robin Beanland realizaron un trabajo soberbio con su banda sonora, repleta de melodías con las que he perdido la cuenta de la de veces que las he escuchado a lo largo de todo este tiempo.

En definitiva, Donkey Kong Country fue en su momento una excusa perfecta para tener una Super Nintendo y en la actualidad un gran motivo de peso para suscribirse a Nintendo Switch Online. Da igual que hayan pasado 30 años, porque la jugabilidad se ha mantenido perfecta y cada vez que he vuelto a su mágico mundo me han dado ganas de completarlo entero, aunque sus entregas más recientes sean maravillosas, pero esta en concreto es innegable que marcó un antes y un después.

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En numerosas ocasiones hemos hablado de que el desarrollo de algunos videojuegos ha variado completamente desde la idea original. Hay casos en los que la jugabilidad ha cambiado ligeramente y otros en los que no tiene nada que ver la versión final en comparación con lo que se planteó desde un inicio. El mejor ejemplo lo tenemos con The Legend of Zelda: A Link to the Past.

Recientemente os hemos contado que en un principio se pretendía añadir más dimensiones paralelas y no limitarse a incluir un mundo de la luz y de la oscuridad. Pero esta no era la única gran característica que se pensó en incluir en la que es una de las mejores entregas de la saga, porque se debatió acerca del hecho de que la aventura la protagonizara alguien que no fuese el mismísimo Link.

Se quiso ir tan lejos en este sentido que hasta el propio Shigeru Miyamoto reveló que ni siquiera pensó en que él fuese el héroe de este título de Super Nintendo. Es más, su intención era la de optar por un trío de personajes, con un sistema de combate basado en grupos y muy similar al que se ha visto en la serie Dragon Quest, dado que esta saga fue la que le sirvió de inspiración para llegar a hacer algo así.

De haberse hecho realidad, el plan de Miyamoto consistía en brindar a los jugadores la oportunidad de controlar a una mezcla de elfo y luchador, otro que supiese dominar la magia y también a una niña. Los tres partirían en un viaje inolvidable para salvar Hyrule, aunque con Link completamente al margen de este periplo. Además, a todos ellos se iba a unir una hada, que iba a ser precisamente la de Zelda II: The Adventure of Link.

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Si bien los tres primeros iban a ser los que se podían controlar y con los que sería posible librar batallas contra enemigos, el hada habría ejercido un papel de apoyo, dado que su cometido sería el de explorar los alrededores y reconocer el terreno para aportar cualquier tipo de ayuda o consejo. Por lo tanto, queda claro que habríamos recibido un juego que no tendría absolutamente nada que ver con la obra maestra de SNES.

Resulta cuanto menos curioso imaginarse cómo habría sido jugar a un Zelda con estas características y sobre todo si esto podría haber llegado a suponer un antes y un después en la serie. Sin duda, cuesta imaginarse un juego de la franquicia con múltiples protagonistas, así que, por otro lado, tal vez sea lo mejor que nunca se llegase a producir algo así.

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En las últimas semanas me ha tocado realizar algún que otro viaje por trabajo, como en el que tuve que acudir recientemente a Arizona para probar un adelanto de Microsoft Flight Simulator 2024. Al pasar tantas horas de un lado para otro, en aviones y esperando en las terminales, necesitaba un buen entretenimiento para pasar el rato que no se limitase únicamente a ver series o películas en la tablet, así que mi salvación ha sido una vez más la Nintendo Switch.

Podría haber aprovechado para pasarme algún título del catálogo de la consola de Nintendo que tengo pendiente, pero lo cierto es que me apetecía recordar viejos tiempos y me acordé que dentro de la biblioteca digital de Super Nintendo, disponible con suscripción a Nintendo Switch Online, había alguna que otra joya realmente sobresaliente. Así fue como me volví a encontrar con una apuesta más que segura: el formidable Breath of Fire II.

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El RPG de fantasía desarrollado por Capcom lo jugué de lanzamiento cuando llegó a las tiendas hace unos 30 años y en aquel momento me enganchó tanto que ni recuerdo la inmensa cantidad de horas que le pude dedicar. Ya no solo porque la historia principal sea bastante extensa, siendo una de las más largas que se ha visto en un juego de aquella época, sino también porque disfrutaba pasarme tardes enteras subiendo de nivel a los diferentes personajes, aunque ya fuese lo suficientemente fuerte como para que el tramo final fuese un paseo.

Sin embargo, esta aventura tiene algo que siempre que siempre que he decidido empezar una partida nueva no he podido evitar darle caña durante días y días hasta pasármela una vez más. Tal es el caso que podría decir que esta segunda parte de la saga es el RPG que más veces me he podido pasar en toda mi vida. Y no importa que recuerde todo lo que sucede, porque la historia me sigue pareciendo formidable, con unos protagonistas inolvidables, unos combates espectaculares y una dificultad que hasta supone un buen reto.

De hecho, en algunos momentos se pone todo tan cuesta arriba que no me avergüenza admitir que he agradecido que Nintendo Switch te permita grabar la partida en cualquier momento o retroceder todo lo que quieras hasta un cierto límite, porque en algunas mazmorras tienes que recorrer demasiadas salas, con una cantidad de encuentros aleatorios un tanto elevada, que es lo que puede provocar que por desgaste te encuentres en un serio aprieto para salir adelante.

Ya en su momento completé el juego legalmente varias veces y ahora me apetecía disfrutarlo tranquilamente sin quebrarme la cabeza demasiado. Quería recordar una vez más por qué me encantaba tanto esta aventura que narra la historia de Ryu, un niño que, debido a ciertos acontecimientos, acaba siendo un completo desconocido para los habitantes del pueblo en el que vive, así que escapa en compañía de Bow, un perro antropomórfico que se acaba convirtiendo en su mejor amigo.

Poco después acaban enfrentándose contra un todopoderoso demonio que los deja K.O. a los dos, momento en el que la trama da un salto de diez años. A partir de ahí los dos emprenden el mayor viaje de sus vidas en el que no pararán de conocer aliados, luchar contra villanos que se transforman en demonios, visitar lugares mágicos y recorrer un inmenso mundo que no para de sorprenderte constantemente a medida que van pasando las horas.

Sobre el grupo de protagonistas, he de admitir que son de los más entrañables y carismáticos que he visto en un videojuego. Cada uno cuenta con unas personalidades muy definidas, sus formas de atacar y cualidades especiales que son de gran ayuda para avanzar por los escenarios, como el que Nina pueda volar por encima de agujeros, Jean se transforme en una rana gigante que pueda surcar lagos o que Sten estire sus brazos para engancharse a estacas que están situadas en lugares inaccesibles. Además, cada uno de ellos acaba teniendo su momento especial con subtramas, para que ninguno de ellos se sienta inservible.

Eso sí, hay que advertir que, como era habitual en multitud de juegos de SNES, todos los textos están en inglés, así que quizás pueda suponer una barrera para alguno. Sobre todo porque hay que prestar mucha atención a la conversaciones para saber qué hacer a continuación, dado que a veces no hay otra forma de averiguarlo si no es hablando con todos los ciudadanos con los que te vas topando, porque el juego no te da ninguna indicación visual para tener claro cuál es el próximo destino.

Con respecto a los combates aleatorios, estos son por turnos en los que se determina quién ataca primero en base a la velocidad de los personajes y los enemigos. Lo más común es atacar sin más, pero todos los personajes disponen de habilidades secundarias, como el que Rand pueda despertar a alguien dormido o que Katt acapare toda la atención, al igual que pueden dar rienda suelta a hechizos que son los que determinan los papeles que ejercen cada uno en las batallas, ya sean tanques, atacantes o curanderos.

Por otro lado, la aventura ofrece una buena rejugabilidad en el sentido de que hay varios finales para desbloquear o el hecho de que el pueblo en el que se reúnen todos los héroes puede variar su diseño dependiendo de a los carpinteros que se contraten y a los ciudadanos que se les invite a que ocupen una de las viviendas. En ambos casos supone una decisión con la que no hay vuelta atrás, de ahí que sea una buena excusa rejugar toda la campaña para escoger otros tipos de casas y tenderos,

Asimismo, aparte de encontrar armas y piezas de equipo de todo tipo, hay algunas chamanas ocultas por todo el mapa del mundo que son indispensables para que los protagonistas se fusionen con ellas, dando pie a transformaciones con las que las apariencias cambian por completo, así como sus estadísticas y habilidades secundarias durante los combates. Resulta un detalle fantástico tan solo por ver cómo cambian sus aspectos y que a la larga es algo demasiado útil para sobrevivir.

Tras unas 30-40 horas a lo largo de las últimas semanas ya estoy cerca de los compases finales, pero estoy retrasándolo todo lo posible para seguir jugando a esta gran obra maestra sobre la que estoy seguro que esta no será la última vez que jugaré y más ahora que la tengo tan accesible de una forma tan sencilla en Nintendo Switch.

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Los videojuegos de The Legend of Zelda siempre nos han dejado con aventuras inolvidables y cada una puede presumir de ofrecer algo especial que hace que cada entrega pase a ser muy memorable. Una de las mejores que se ha publicado a lo largo de este tiempo es The Legend of Zelda: A Link to the Past, el título que recibió Super Nintendo y sin duda uno de los más imprescindibles de la consola de 16 bits.

Uno de los aspectos que hizo tan icónico a este juegazo es la posibilidad de cambiar entre el mundo de la luz y el mundo de la oscuridad al utilizar el espejo mágico o al encontrar determinados portales que están repartidos por todo Hyrule. Con esto se consigue el acceso a zonas a las que no se podría llegar de otra forma, como nuevas mazmorras, al igual que cambia el diseño del mundo entero, sus habitantes, enemigos, melodías, etc.

Aun así, se ve que esta no era la idea de Nintendo y dos mundos no eran suficientes. Por eso mismo, la intención inicial era la de haber incorporado más dimensiones alternativas, lo que habría supuesto que el juego acabase siendo completamente diferente a la obra maestra que conocemos desde hace más de 30 años. Así lo confesó en su momento Kensuke Tanabe, el productor principal de este Zelda.

Cuando eso ocurre, trato de no aferrarme demasiado a esa idea inicial. Por ejemplo, esto fue cuando estaba trabajando en The Legend of Zelda: A Link to the Past. Al principio, pensábamos estructurar el juego con numerosos mundos paralelos. Sin embargo, para establecer la jugabilidad al final, decidimos que sería mejor reducirlo a dos mundos: Luz y Oscuridad. Creo que el desarrollo de un juego implica mucho trabajo y nunca se sabe a menos que lo pruebes en la práctica.

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El simple hecho de pensar que el mapa se podría haber dividido en más mundos ya supone una locura por ofrecer más cambios radicales que no tuviesen nada que ver con los dos que permanecieron en la versión final. De hecho, él mismo reconoció que era demasiada carga de trabajo, así que tal vez lo mejor fue reducir la cantidad a tan solo un par de ellos, lo que nos permitió disfrutar igualmente de una épica aventura completamente redonda.

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