El paso de los años ha convertido a las franquicias deportivas anuales se han ido perfeccionando de una forma lenta, pero segura. Más realismo fundamentado en tecnologías punteras de captura de movimiento, un aumento de los comandos posibles y una mayor profundidad táctica acorde a los avances de los técnicos actuales. Todo ello positivo, pero con una contrapartida: cada vez se trata de una experiencia más compleja.

Hubo un tiempo en el que lo arcade y la simulación se daban la mano, no ya por la existencia de subgéneros como los Street, sino por lo accesible que era la experiencia base de un juego deportivo. Por ello quizás me ha llamado tanto la atención lo que ha buscado hacer Konami con eFootball Kick-Off!, su inminente lanzamiento en Nintendo Switch 2.

Y es que, más allá de su apuesta por la accesibilidad y la acción rápida, se trata de un videojuego curioso desde múltiples puntos de vista. El primero y previo a jugar siquiera es el modelo de negocio. eFootball Kick-Off! cuesta 19.99 euros en la eShop, un precio tremendamente modesto, pero que choca frontalmente con el modelo de negocio seguido en los últimos años por la franquicia anteriormente conocida como Pro Evolution Soccer.

Una propuesta llamativa

Porque eFootball lleva ya unas cuantas temporadas siendo un videojuego gratuito como servicio que monetiza todo tipo de cuestiones, hasta el punto de ofrecerte cosas tan absurdamente locas como un Lewandowski tematizado como Kakashi de Naruto. Podríamos incluso pensar que se trata de una especie de pack de inicio de eFootball, pero no; es un juego completamente independiente y pensado para Nintendo Switch 2. Porque sí, también es el primer juego de la saga en aparecer en consolas de Nintendo desde que lo hiciera PES 2014 en 3DS.

Salta a la vista que Konami está haciendo un esfuerzo por presentarse a una nueva generación de jugadores: o bien una que nunca les ha conocido, o bien una que sólo juega en hardware de Nintendo y que perdió la pista a la franquicia desde hace años. No hace falta ni jugar para darse cuenta, ya que la web oficial del juego quiere ser una especie de presentación propia a quienes lo habían perdido de su radar o desconocían su existencia.

Y jugándolo... Pues es evidente que aquí la experiencia es diametralmente opuesta a la de un juego como servicio. eFootball Kick-Off! centra sus bazas en que te pongas en el campo lo más rápido posible, y con una cantidad de modos reducida, pero variada. Es inevitable que yo, como seguidor de la saga y jugador asiduo de eFootball, tienda a comparar ambas experiencias. 

Asequible y divertido... Pero con moderada profundidad

La jugabilidad es homologable a su juego "padre", especialmente si deshabilitas las funciones de accesibilidad que te propone el título al inicio de tu aventura, aunque se siente algo más rápida y arcade sobre el césped. No echo en falta más movimientos, animaciones o controles avanzados, pero sí que salta a la vista que se busca por parte de Konami ofrecernos un eFootball más arcade.

Volvamos a los modos, donde la joya de la corona en solitario seguramente sea Gira Mundial. Empezarás con los clásicos Castolo, Espimas y compañía y se te ofrecerá la posibilidad de participar en torneos cortos de cinco partidos de duración. Cada victoria te permite quedarte un jugador del equipo rival, así como ganar unos puntos con los que fichar jugadores de forma permanente dentro de un mercado que crece con cada trofeo conseguido.

De esta forma, empezarás sumando jugadores de divisiones inferiores europeas o de regiones como Asia, hasta que termines enfrentándote a clubes punteros y selecciones dominantes del panorama mundial. Aunque está lejos de ser revolucionario, el firmar un jugador tras cada victoria te motiva a jugar un ratito más en cada sesión, progresando y modelando tu equipo a tu gusto. Eso sí, habría estado bien contar con algo más de personalización en términos de escudos, camisetas o estadios, porque se echa en falta.

También dispone el juego de una Copa Internacional, un trasunto de Mundial de fútbol, que viene genial para la época en la que estamos, unos pocos minijuegos y una modalidad 6vs6 con los que destensar de tanto partido clásico 11vs11. Es una oferta razonable, pero que especialmente gana enteros cuando juegas tanto online con otros jugadores humanos como con amigos en local.

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Como puerta de entrada, eFootball Kick-Off! me parece una opción válida para jugadores de Nintendo Switch 2 con ganas de un videojuego de fútbol. Es una notable experiencia portátil con la que pasar el rato, especialmente en viajes y con colegas gracias a funciones como GameShare. Creo, eso sí, que me encuentro en un target distinto al que busca Konami con este videojuego, y considero además que será complicado convencer a jugadores casuales de fútbol de portátil que tradicionalmente adquirían una versión antigua de EA Sports FC de oferta y se dedicaban a sus modos carrera offline.

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La primera vez que vi un vídeo de Mina the Hollower no necesité más que unos pocos segundos para tener clarísimo que iba a querer jugar a este indie en cuanto saliera a la venta. Han tenido que pasar varios años desde entonces, pero la espera ha valido la pena porque lo nuevo de los creadores de Shovel Knight por fin se pondrá a la venta en tan solo un par de días.

Solo es cuestión de horas que este esperado indie ponga rumbo a todas las plataformas, aunque en mi caso ya he tenido la ocasión de jugarlo a fondo y así comprobar si el entusiasmo que me había generado estaba más que justificado. La buena noticia es que puedo afirmar tajantemente que sí, porque esta pedazo de joya desarrollada por Yacht Club Games es una aventura capaz de engancharte durante decenas de horas.

No me escondo al admitir que el hecho de que me recordara una barbaridad a The Legend of Zelda: Link's Awakening fue el principal motivo por el que captó mi atención al instante, ya que esta se trata de una de mis entregas favoritas, así que tenía la sensación de que me encontraría algo muy similar. Sin embargo, el único parecido entre ambos juegos es su estética retro, porque la propuesta de esta obra va mucho más lejos, hasta el punto de haberme conquistado por otros motivos.

Una desafiante aventura de fantasía oscura

Por ir al grano, Mina, la protagonista, es una reconocida Telúrica que ha diseñado una maquinaria de luces que se ha vuelto determinante para iluminar la isla en la que viven sus habitantes. Sin embargo, el sistema ha sufrido unos misteriosos contratiempos que han provocado que las torres que se encargaban de este trabajo ya no estén operativas, por lo que la misión de nuestra heroína es la de restaurarlas con tal de que todo vuelva a la normalidad.

Sin embargo, de la oscuridad han surgido infinidad de monstruos y criaturas que están amenazando a los habitantes, de manera que las ciudades ya no son tan seguras, de ahí que la ayuda de Mina se requiera con tanta urgencia. A partir de ahí hay que emprender un viaje a lo largo de numerosas zonas con sus propios enemigos, puzles y desafíos que siempre requerirán que haya que darlo absolutamente todo a los mandos para no pasarlas canutas.

Como mencionaba anteriormente, el juego está claramente inspirado en los clásicos Zelda de Game Boy, lo que ya le otorga un gran punto a favor, pero se podría decir que esto es lo único que comparte con la saga de Nintendo, porque en realidad se acerca más a un soulslike con estética retro. Desde luego, los seguidores de Dark Souls se sentirán muy satisfechos con este detalle, porque estamos ante una aventura que no te perdonará jamás el más mínimo error que cometas.

Los enemigos son despiadados, salvajes y siempre se lanzarán de cabeza a por Mina para machacarla. Por suerte, hay algunos que son fáciles de derrotar, pero la inmensa mayoría son huesos muy duros de roer hasta que te aprendes bien sus patrones y el momento exacto para atacar, saltar y esconderte bajo tierra, una de las capacidades más indispensables de Mina. Pero ya no solo es que los enemigos sean duros y aguanten varios golpes, es que también te quitan una gran cantidad de vida por cada impacto.

Además, los combates contra los jefes finales no se quedan cortos en absoluto, incluyendo algunos con más de una fase. Por suerte, Mina puede ir subiendo de nivel a base de recolectar huesos al derrotar a sus adversarios, al abrir cofres ocultos o desenterrándolos directamente desde la tierra, lo que a la larga se vuelve algo que agradeceréis una barbaridad por hacer más poderosa a la protagonista, pero también por el hecho de respirar aliviado por no tener que temer a perder todos los que has recolectado hasta ese momento.

Y es que las mejoras al subir de nivel se vuelven permanentes. En cambio, cada muerte hará que pierdas todos los huesos, obligándote a vencer al enemigo que ha acabado contigo si los quieres recuperar o de lo contrario te quedarás sin ellos para siempre, lo que supone una auténtica tortura si estamos hablando de centenares de ellos. Por eso mismo, cualquier forma de potenciar a Mina, ya sea su ataque o defensa, sus armas o el conseguir abalorios que otorgan otro tipo de ventajas, siempre serán de agradecer.

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Por todo ello la exploración juega un papel determinante en cada zona que se vaya visitando, porque este colosal mundo esconde salas secretas a tutiplén que también tienen su miga, ya que una gran parte de ella son puzles con saltos muy ajustados y que en ocasiones requieren el uso de determinadas armas secundarias. Es más, las caídas por precipicios se convierten a veces en una amenaza peor que los propios enemigos por lo frecuentes que se vuelven.

Disfrutando del juego a tu medida

En algunos momentos de los primeros compases he de admitir que se me hizo un poco cuesta arriba por la dificultad. Que no os engañe ese apartado artístico tan simpático, porque la jugabilidad se puede volver un tanto endemoniada en determinados momentos, de ahí que a base de investigar entre las opciones del juego me encontré con el salvavidas perfecto, pero que en verdad me ha parecido un puntazo tremendo que debería de estar presente en más videojuegos.

El motivo se debe a que dispone de una larga lista de modificadores capaces de alterar por completo la jugabilidad e infinidad de apartados. De esta manera, se puede establecer que la vida que pierde Mina sea menos de lo normal, se vuelva directamente invencible, las armas secundarias no se agoten jamás, no pierdas los huesos al morir, las caídas ya no te dañen nunca, etc. Puedes seleccionar todas las que quieras para adaptar la experiencia a tu gusto.

Reconozco que el hecho de tener tan mano este tipo de opciones se vuelve excesivamente tentador, y más todavía en los momentos en los que te dan ganas de estampar el mando contra el suelo cuando mueres tras una paliza y el último punto de guardado está a una distancia kilométrica. Sin embargo, también he de decir que prefiero que el juego te facilite este tipo de modificadores a que la frustración te acabe provocando que no quieras seguir jugando y decidas abandonar la aventura del todo.

Ahí dependerá de cada uno cómo quiera disfrutar la experiencia, pero en cualquier momento se pueden activar y desactivar, por si solo se quieren usar en momentos puntuales. Eso sí, el hecho de escoger uno solo hará que los logros por alcanzar determinadas metas ya no se puedan desbloquear de ninguna manera a no ser que empieces el juego desde el principio. Asimismo, los que consideren que el título es fácil, también podrán decantarse por modificadores que elevan una salvajada la dificultad.

En este sentido, puedes establecer que que las armas secundarias desaparezcan, pierdas un nivel por cada muerte o que los puntos de guardado escaseen más todavía. En lugar de apostar por niveles de dificultad, esta alternativa me ha parecido simplemente sublime para que así te decantes por los aspectos que más te apetezca alterar o incluso puedes dejar que sea el juego el que lo elija qué cambiará de forma totalmente aleatoria para que así resulte una mayor sorpresa.

Por otro lado, está la posibilidad de explorar el mundo y sus diversas zonas a tu ritmo y por el orden que más te guste. No es que haya una habilidad en especial que sea necesario para viajar hasta alguna de ellas, pero sí que es verdad que la dificultad se ve alterada, así que es una forma de que el juego te avise de que igual no te encuentras en el lugar correcto o al que deberías acudir en ese instante.

Si bien los periódicos son los que dan sugerencias de cuál debería ser el siguiente destino de tu viaje, lo que no me ha gustado es que no haya un minimapa o algo que te permite consultar dónde te encuentras. Más que nada porque insisto que las dimensiones de este mundo gótico son verdaderamente descomunales, lo que puede causar que te sientas un poco perdido o no sepas cómo ir a una zona determinada como no tengas buena memoria o te pases unos días sin jugar.

Aun así, a pesar de este aspecto que me parece algo fundamental y que he echado en falta, Mina the Hollower me ha parecido una aventura excelente. Yacht Club Games ha vuelto a desarrollar un juegazo que es uno de los lanzamientos más destacados de 2026 y que espero que en el asunto de los modificadores se convierta en un punto de mira a tener en cuenta en los videojuegos más exigentes, lo que le da un toque espléndido para hacerlo más accesible e imprescindible.

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La mayoría de críticas a Game Freak se centran en el escaso nivel técnico de las últimas entregas de Pokémon, y como fan de la saga, creo que esto es un gran error. No es que no haya que exigir mejores gráficos o más animaciones a los modelados 3D de las criaturas, pero creo que eso es sólo una pequeña fracción de lo que hay que pedirle a la mayor franquicia de entretenimiento del planeta. No tengo ningún problema en que haya errores, ideas alocadas que puedan no funcionar y cambios sustanciales que nadie pidió; porque yo espero más ambición y menos miedo a salir de la zona de confort.

Por eso me ha gustado tanto lo que propone Beehive Studio con Lumentale: Memories of Trey. No se trata del primer videojuego del género "coleccionismo de monstruos", y de hecho en los últimos años hemos tenido varios muy notables como Temtem o Cassette Beasts, pero aunque está lejos de ser perfecto, la sorpresa con Lumentale es que está repleto de esa ambición y ganas de experimentar que tanto echo en falta en el buque insignia del género.

Tomamos el rol de Trey, un androide que pierde la memoria y aparece en un pueblo en mitad de la región de Talea, un trasunto de Italia. Un científico y su nieto nos pondrán en situación y descubrirán que tenemos un talento innato para ser Lumen, una especie de entrenador de Animon, las bestias coleccionables que habitan en el mundo y que podemos capturar en una especie de canicas gracias a un dispositivo muy similar a un yoyó.

Un camino por explorar

Dos cosas me llamaron la atención de Lumentale ya desde los primeros minutos de juego, desde que Trey se despertó: el nivel de detalle de los interiores y los entornos, y lo genial de la traducción al castellano. Lo primero sobrecoge a poco que revises cada modelado, lo integrada que está cada habitación y lo expansivo que es cada interior. El uso de la sobreimpresión de sprites pixelados sobre fondos animados es todo un acierto, y un camino que, en vista del éxito de los múltiples JRPGs de Square Enix de este tipo, y de lo escaso que se nos queda el 3D de Pokémon, bien podría haber sido explorado por Game Freak.

Lo segundo no va tanto de la calidad de la traducción, que también es notable, como el hecho de cómo capta el tono juguetón que tienen los Pokémon y cómo también es capaz de dibujar su propia personalidad con un protagonista tan socarrón que recuerda más bien a Aloy de Horizon. Y os puedo confirmar que ambas cuestiones siguen estando a un genial nivel a lo largo de la aventura.

Hay algo que puede resultar demasiado histriónico en Pokémon, pero que es parte de su encanto, y que no es otra cosa que la obsesión enfermiza de sus habitantes por los monstruos de bolsillo. ¿Te encuentras un ciclista? Te habla de cómo hace rutas con sus Pokémon, que das con un oficinista, te comentará las ganas que tiene de volver a casa para estar con sus compañeros. Esto, que no deja de ser un esfuerzo a favor de la construcción de mundo, se enfoca de una forma similar en fondo pero distinta en forma en Lumentale.

No se cansa de añadir novedades

La idea es que Talea es una reimaginación de Italia, exagerando las diferencias tan notorias y conocidas entre el sur y el norte del país. Lumentale nos propone una región con un pasado de guerras que ha creado una división entre Logos, el norte, y Mythos, el sur. Mientras arriba la tecnología campa a sus anchas, es en el sur donde se aprecian las tradiciones y las leyendas del pasado. Lo interesante no es que esto permee a que los NPCs hablen de ser Lumen o los Animon, es que todos está vehiculado para hacerte entender qué pasa en esa ciudad y cómo su pasado dibuja su presente.

Pero, aquí venimos a lo de los monstruos. Como en muchos aspectos del videojuego, Lumentale usa su endiablada ambición parar lograr múltiples éxitos y algún que otro fallo. El diseño de los monstruos es detalladísimo, y las animaciones en batalla escalan sin freno en términos de espectacularidad a medida que nuestros Animon se hacen más fuertes. Lo que sucede es que seguramente con los Animon empieces a descubrir cómo el videojuego de Beehive sufre por tener demasiadas cosas que ofrecer.

Los Animon suben de nivel y disponen de unas estadísticas homologables a cualquier monster-catcher, el asunto es que todos ellos reciben tres puntos de crecimiento que podemos distribuir a nuestro gusto con cada nivel que suban, tienen naturalezas y habilidades con todo tipo de efectos, y los ataques pueden mejorarse hasta en dos ocasiones mediante recursos logrados durante la aventura. Suma a esto las evoluciones con condicionantes, los objetos equipables y que los combates pueden ser de hasta 4vs4, y tenemos un lío morrocotudo.

Su interpretación de Italia es espectacular

El caso es que hay aciertos para justificar cada decisión. Por ejemplo, no hay PP y los ataques simplemente usan unos puntos de habilidad que se recargan cada turno; las habilidades más potentes o que afectan a más enemigos, gastan más. Esto se suma a que cada golpe crítico o superefectivo acumula unos puntos extra que una vez rebasado el límite de cuatro, te otorga un ataque adicional gratuito. 

Costa Linda, la interpretación de Nápoles de Lumentale

Quizás esto último sea un acierto rotundo, porque da mayor dinamismo a las peleas, pero bien es cierto que son muchas cosas a tener en cuenta. Hasta el punto de que algunas aparecen en tutoriales en formato pop-up, y otras apenas se citan hasta que las descubres por ti mismo. Es un equilibrio complicado, pero sí que creo que se puede refinar más la forma en la que descubrimos todo.

Porque eso es algo que sucede sin parar en Lumentale, el hecho de descubrir novedades sin parar, casi a cada hora de juego. Un ejemplo son los tipos de los Animon, que son dobles e incluso triples. Cada uno cuenta con una afinidad elemental muy similar a lo que todos esperamos como fuego, agua o roca (incluyendo algún Animon de afinidad elemental doble), pero también un tipo de emoción asociada.

Tendremos hasta fases contra jefes muy exigentes

Esto ya daría para un videojuego muy completo y relleno de contenido, pero hay más. La exploración se produce a través de mapas abiertos en las rutas, y ciudades más o menos grandes con todo tipo de diálogos, objetos y secretos por conseguir. En cierta forma, y por cómo juega con la verticalidad, me recordó en cierta forma a un imprescindible reciente como Sea of Stars. Además, poco a poco iremos consiguiendo habilidades elementales que aplicar a nuestro yoyó, permitiéndonos abrir caminos, romper piedras o incluso resolver puzles.

Y no se queda ahí el juego, ya que además tendremos una dimensión de bolsillo donde decorar nuestra propia base con la posibilidad de entrenar Animon casi como si de un Digimon se tratase, o incluso conseguir todo tipo de recetas de crafteo y de cocina con las que aumentar las posibilidades de nuestro equipo. Qué diablos, llega un momento que te dan una tabla voladora con la que puedes surfear masas de agua y el videojuego casi ni le da importancia porque casi es como si le diera vergüenza no poder parar de darte nuevas cosas que hacer.

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Aunque si me tengo que quedar con algo, es con cómo Lumentale deconstruye el esquema y la estructura que nos podríamos esperar. Al principio se nos hace elegir si queremos ir a la parte superior o a la parte inferior de la región, lo cual cambia por completo la percepción de la aventura y habla de la rejugabilidad y dimensión de Lumentale. Toda una declaración de intenciones de un videojuego que me ha encandilado por cómo es capaz de hacer numerosas cosas admirables sin darse importancia, seguramente porque ya esté pensando en presentarte otra novedad más.

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En septiembre de 2024 descubrí mi pasión por Warhammer 40K tras el lanzamiento de Space Marine 2 de Saber Interactive y desde entonces he sido incapaz de parar. He tragado lore a mandíbula desencajada, leído libros y cómics y jugado a cualquier videojuego de la franquicia que llamase mínimamente mi atención. Space Marine, Darktide, Vermintide 2, Boltgun, Space Hulk Deathwing...

Hace tan solo unos pocos días que llegó a mis manos una nueva clave para Steam. ¿El juego? Warhammer 40K: Mechanicus II, un absoluto desconocido para mí... al menos más allá de la noticia del anuncio del evento Warhammer Skulls. No sabía nada del proyecto de Bulwark Studios, pero sí tenía claro que me gusta mucho el Adeptus Mechanicus. Así que me tiré al vacío con la esperanza de encontrar algo emocionante.

Imagina mi sorpresa cuando vi la ficha de Warhammer 40K: Mechanicus II en Steam: la secuela de un juego de estrategia por turnos en el que comandas tropas del Adeptus Mechanicus y los Necrones. Algo similar a XCOM y Warhammer 40,000 Chaos Gate, para no desviarme demasiado de la franquicia. Pero no confundas mi conocimiento general con sabiduría: jamás había jugado antes a un videojuego similar. Si que he jugado a juegos de estrategia y gestión, como Age of Empires, Frostpunk y They Are Billions, pero esto es otra movida.

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La clave para Steam de Warhammer 40,000: Mechanicus II llegó a mis manos un poquito tarde y no carente de contratiempos, así que te advierto que no he completado ninguna de las dos aventuras posibles, ya que el juego te permite elegir entre dos campañas: Adeptus Mechanicus o Necrones. Sobra decir que elegí al Mechanicus en primer lugar porque seré muchas cosas, pero no un hereje.

Como te digo, nunca había jugado a un videojuego de estrategia táctica por turnos. Lo primero que probé fueron sus dificultades, desde la más elevada hasta la más baja y solo te diré que he elegido la opción "Narrativa" para no manchar el buen nombre del Mechanicus y conservar las pocas migajas de dignidad que me han dejado los Necrones. No he visto que estén mal en términos generales, aunque para mí han sido tan injustas como una pelea cualquiera de The Boys.

He jugado alrededor de 10 horas a Warhammer 40,000: Mechanicus II y lo cierto es que no tengo quejas hasta ahora. Tiene un apartado gráfico muy bueno, las ilustraciones son muy bonitas, el rendimiento es tan impecable como un reloj suizo (framerate bien, sin crasheos...) y el sonido es espectacular: la música mola muchísimo y las voces suenan brutal. Si bien muchos personajes hablan en inglés (con textos en español) hay una opción para que el Mechanicus hable en su idioma original, el Cant Mechanicus, que a su vez se divide en Lingua-technis y Binharic. Hazte un favor y actívala porque es maravilloso. Eso sí, cuidado con el volumen de los cascos.

En lo tocante al gameplay, Mechanicus II es todo lo que cabría esperar de su precuela y el resto de juegos del género. Se te presenta un cambo de batalla planetario en Hekateus IV, donde los Necrones han despertado y ponen en peligro el Mundo Forja del Mechanicus. El planeta está dividido en cuadrantes y cada uno alberga una campaña o misión, ya sea historia principal o secundaria. Debes avanzar hasta dominar por completo el plantea. Lo esperable en una historia de Warhammer 40K.

Algo que me gusta mucho, quizás sea la razón por la que estoy tan enganchado al juego, es la estructura de las misiones: están muy centradas en la narrativa y no solo cuentan con enfrentamientos, también con puntos dedicados a diálogos y toma de decisiones que literalmente pueden definir el éxito o el fracaso de la misión. Ofrecen beneficios o atajos a costa de aumentar o disminuir la barra de alerta del enemigo: a más llena, más tropas aparecen en el próximo encuentro. Y no querrás que esa barra aumente porque tu escuadrón es el mismo durante toda la misión, independientemente de sus heridas y número. Todos pueden morir sin problema siempre que sobreviva uno de los diferentes líderes, que es tu personaje. De hecho, el juego te anima a sacrificar tropas para mantenerlo vivo.

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Si Mechanicus II solo fuese esto, te aseguro que no hubiese durado ni dos horas en el juego. Por suerte, no es así. También cuenta con un apartado RPG muy importante: tienes un árbol de mejoras general, que aumenta a medidas que mejoras las Forjas del planeta y con el que desbloqueas tanto beneficios como tropas, y un árbol de habilidades para cada líder para mejorar sus propias armas y habilidades. Si bien todos poseen elementos ofensivos y defensivos, tienen roles: sanador, combate a distancia, tanque... Por regla general, este líder es el encargado de potenciar a las tropas de diferentes formas.

He probado varias tropas del Adeptus Mechanicus en las 10 horas que he jugado a Mechanicus II, aunque seré muy sincero: he encontrado una combinación muy cómoda con los Exploradores Skitarii + Tecnorrapaz Pteraxii, que vienen a ser francotiradores y señores con propulsores y lanzallamas, respectivamente. Mi modus operandi habitual es establecer una línea defensiva con los tiradores en retaguardia mientras que realizo ataques relámpago con los lanzallamas, que dejan el campo de batalla lleno de fuego durante varios turnos. La opción de revivir una vez de todos los Necrones sirve de poco cuando están ahogados en fuego permanentemente.

La Cohorte es otro apartado de Mechanicus II que me tiene enamoradísimo. Se trata de un bestiario, códex o glosario donde puedes ver todas las unidades que has desbloqueado. Cada una cuenta con la posibilidad de ver su modelo al detalle y una descripción que te cuenta quiénes son y qué hacen. Teniendo en cuenta lo tiquismiquis, remilgado y purista que suele ser Games Workshop con Warhammer 40K (cosa que me gusta) puedes leer sin miedo a que Bulwark Studios haya puesto alguna chuminada. También te digo que el estudio viene de hacer Machanicus I, así que algo saben sobre esta facción de Warhammer 40K.

No puedo hablarte sobre Warhammer 40K: Mechanicus II como un entendido del género, porque te estaría mintiendo, y me disculpo en caso de que buscases ese tipo de conocimiento. Pero sí puedo hablarte como un fan de Warhammer 40K que lleva tragando lore y juegos durante casi dos años. Lo más importante que puedo decirte es que estoy pasándolo muy bien, aunque es cierto que se me hace un poco repetitivo y pausado porque no estoy acostumbrado a este género. Es una bajada de ritmo considerable viniendo de Space Marine 2, por ejemplo.

No puedo darte una valoración final porque no la tengo todavía y quizás tampoco tengo la autoridad necesaria. Si vinieras a preguntarme en confianza, como fan de Warhammer 40K y sabiendo en el género que te estás metiendo sobre si comprar Mechanicus II hoy mismo (se lanza hoy, 21 de mayo), mi respuesta sería un rotundo sí. El juego cumple a nivel técnico, tiene una historia interesante y lo estoy pasando muy bien. No sé qué mas querría cualquier fan del Adeptus Mechanicus y los Necrones. En definitiva, que empecé a jugarlo por pura curiosidad y ahora voy pegando Sellos de Pureza a todo aparato que hay en mi casa. ¡Alabado sea el Omnissiah!

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Llevo toda la vida jugando a videojuegos y a estas alturas ya estoy más que acostumbrado a que con ciertas sagas de Nintendo ya se piense de antemano que son juegos enfocados para un público exclusivamente infantil, como le ocurre a los diversos títulos que están protagonizados por Yoshi. Tal vez sea por su aspecto tan adorable o esos escenarios tan coloridos, pero en el fondo se tratan de propuestas que tienen su miga y capaces de hacer pasar un rato muy entretenido a cualquiera que se anime a darles una oportunidad.

No me escondo al admitir que hace unas semanas pensaba que Yoshi and the Mysterious Book, la próxima entrega de la saga que está a punto de salir a la venta, me hizo creer que se iba a tratar de un juego más en la línea de las últimas aventuras, pero las primeras impresiones que me dejó tras probarlo fueron bastante sorprendentes y favorables. De hecho, estas se han aumentado más todavía ahora que he tenido la oportunidad de disfrutar de su versión definitiva.

Detrás de esa capa que desprende tanto amor, con personajes tan achuchables a los que desearías abrazar constantemente, tenemos ante nosotros un juego que puede ser capaz de que salga humo de la cabeza por cómo es capaz de hacer que te exprimas la cabeza sin parar. Todo ello parte de la premisa de que aparece un misterioso libro parlante en la isla en la que habitan los diferentes Yoshi, pero este ha perdido su memoria y toda la información reunida en sus páginas, así que necesita la ayuda de estos dinosaurios para recuperar su estado original.

A partir de ahí el juego presenta una serie de niveles de lo más variopintos en los que siempre hay una criatura que es la principal protagonista, dado que la finalidad es recopilar toda la información necesaria sobre ellas para llenar las páginas del libro de toda clase de datos. Si bien todos los personajes con los que te vas encontrando han aparecido en su mayoría en otros títulos de la serie en forma de enemigos, aquí son de lo más amigables y raro es aquel que busca causar daño a Yoshi. Eso no quita que puedan golpearle o impactar contra él, pero jamás sufrirá un rasguño.

En este juego es imposible morir de cualquier manera, ya que no hay barras de vida ni nada que te obligue a reiniciar el avance. Como mucho, si Yoshi es aplastado o cae por un barranco, retrocede a la plataforma más cercana, pero nada más. De esta manera, el juego está más enfocado a que resulte una aventura placentera en la que simplemente te límites a disfrutar de la experiencia a base de resolver todos los puzles y descubrir la amplia variedad de secretos que se esconden en las decenas de niveles repartidos por varios mundos, cada uno con sus propios biomas para hacerlos únicos y distintos al resto.

Volviendo al objetivo principal de todo este periplo, puede que en una de las pantallas una flor con patas sea el personaje destacado, una rana en forma de pompero o quizás un pez en forma de monopatín. Todos ellos son de lo más diferentes con unos diseños que ya te hacen intuir de primeras de qué son capaces por sus aspectos tan peculiares, pero eso no es más que una pequeña parte de lo que puedes llegar a resolver, porque cada fase contiene decenas de secretos relacionados con las capacidades de estos personajes.

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Esto mismo implica que son capaces de reaccionar de diversas formas al hecho de que los aplastes, les toques con la lengua, los lances por los aires o utilices objetos que hay por los escenarios. A su vez, también sirve para que los propios jugadores aprendan mejor a resolver los acertijos que van surgiendo por el camino, pero lo mejor de todo es cómo te anima el juego a darle al coco sin parar hasta averiguar qué más posibilidades hay de hacer algo en concreto con un personaje determinado. De paso, eso ayuda a sacar partido de esos conocimientos para otras ocasiones por si te vuelves a cruzar con alguna de estos extraños animales, plantas, etc.

Por otro lado, algo que considero un gran punto a favor es que los niveles no son muy largos precisamente, así que en cuestión de unos minutos te puedes pasar cualquiera de ellos si vas de cabeza a completar el objetivo principal, el cual no se revela en ningún momento, por lo que ahí también hay que averiguar qué hacer para poder desbloquear más fases. Eso mismo implica que el juego está perfectamente diseñado para jugar partidas cortas cuando tengas cualquier rato libre y quieras seguir llenando las páginas de más información, que sin duda es algo fundamental porque es la única forma de progresar a la larga en la aventura.

A esto se suma el hecho de que cada dato que vas obteniendo te entrega a cambio una estrella, por lo que es indispensable recolectar una gran cantidad de ellas para poder adentrarte en más mundos, así que no vale con alcanzar el final de la fase sin más. Ahí es precisamente donde el juego te motiva considerablemente a darlo todo y a estrujarse la cabeza sin parar, aunque también sabe cómo echarte un cable para que no te quedes atascado sin saber cómo avanzar gracias a las pistas que se pueden adquirir.

Por todas las fases hay monedas para recoger que son las que se pueden utilizar para comprar las pistas, ya sea alguna ligera indicación que te haga sospechar qué hacer o algo más concreto todavía a cambio de una mayor cantidad. De todos modos, aunque pueda parecer que por el hecho de ser Yoshi se trata de un título que pueden jugar los más pequeños de la casa, algunos de los objetivos son tan enrevesados que hasta a los más mayores les costará lo suyo llegar a completar el 100%.

Por todo ello, Yoshi and the Mysterious Book me ha parecido una de las mayores sorpresas del catálogo de Nintendo Switch 2. Quizás no termine siendo el mejor juego del año que reciba la consola de la gran N, pero sí que se trata de una aventura tremendamente original e ingeniosa como pocas por cómo sabe ofrecerte niveles tan diferentes entre ellos sin perder jamás la frescura de su propuesta, esa atmósfera tan dulce y encantadora que desprende y sobre todo la simpatía Yoshi y el resto de personajes que son los que logran que las horas se pasen volando.

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Mirad, no os voy a mentir, lo cierto es que Batman no es un superhéroe al que le tenga demasiado cariño. He leído sobre él, he visto muchas películas del personaje, pero tampoco es alguien que me apasione. Sin embargo, hay algo que me encanta del Caballero Oscuro: su universo.

Todo lo que lo rodea me parece espectacular y, lo cierto, es que con LEGO Batman: El Legado del Caballero Oscuro quería saber si realmente me atraía el personaje, aunque fuera un poco. Pues bien, entre chistes, aventuras y un mundo abierto divertidísimo, este título me ha confirmado lo que necesitaba saber.

TT Games ha vuelto a la carga una vez más con esta nueva entrega de LEGO ambientada en la historia del Caballero Oscuro, que básicamente, tal y como dijo Jim Lee, es una carta de amor para los fans de la franquicia, ya que la historia es, básicamente, una compilación de los mejores momentos de Batman en cine y televisión.

Y el trabajo que hace la desarrolladora es, para sorpresa de nadie, espectacular. Esto no es algo nuevo, ya que esta franquicia ha sabido, desde LEGO Star Wars, mostrar un respeto enorme a las sagas que ha adaptado en cualquiera de sus medios y, de hecho, los dos juegos anteriores de Batman desarrollados por TT Games fueron divertidísimos, y este no iba a ser la excepción.

La historia no tiene mucho misterio; es más una excusa para dar vueltas por Gotham que otra cosa, pero tampoco puedes pedir una historia seria o interesante a un juego de LEGO. Y no pasa nada, no creo que mucha gente quiera comprar este título por su historia, sino más bien por todo lo demás.

Y dentro de todo lo demás nos encontramos, por ejemplo, con los guiños a todas esas películas y series con las que hemos crecido y que nos hará señalar a la pantalla y decir "¡mira, como en las pelis!", además de videojuegos, ya que la trilogía de Arkham también ha tenido su momento de gloria en esta entrega de una manera que representa a la perfección el espíritu de Rocksteady.

El diseño de niveles es marca TT Games pura y dura. Los escenarios están espectacularmente bien recreados, y el diseño de cada nivel de la historia principal tiene sus propias mecánicas y temáticas, aunque es cierto que es un tanto lineal, ya que la mayoría de las misiones principales ocurren en entornos cerrados y controlados, por lo que este apartado de la experiencia sí que es mucho más parecido a los demás juegos de la desarrolladora donde no existía el mundo abierto.

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Gotham es tremenda. Repartida en varias islas, el hogar del Caballero Oscuro respira un ambiente callejero brutal y cada esquina del mapa tiene, además de guiños y referencias, una burrada de contenido. Es cierto que el mundo abierto es más bien un mapa enorme con muchísimos puntos de recogida de coleccionables, pero eso no quita que la forma de conseguir muchos de estos objetos sea tremendamente original, lo que te incita a seguir buscando más y más regalitos repartidos por el mapa con pruebas de todo tipo: desde una pelea entre varios enemigos hasta puzzles con vuelta de tuerca, pasando por carreras contrarreloj, peleas con minijefes… ¡Y hasta recoger animalitos del zoo!

Algo en lo que siempre destacaron los juegos de LEGO fue la enorme variedad de personajes con los que jugar. Sin embargo, en esta entrega han priorizado la calidad por encima de la variedad y, en vez de tener cientos de personajes jugables, TT Games ha optado por utilizar siete personajes en total, pero con la diferencia de que cada uno de ellos es muy distinto a la hora de resolver problemas.

En ciertos puzzles de Gotham necesitarás a un personaje u otro, dependiendo del problema que se presente, y esa forma de variar personajes a lo largo de la historia y las misiones secundarias es la mejor sustitución posible a una lista interminable de personajes en la que el 80% de ellos tienen el mismo set de movimientos.

Sin embargo, no todo es perfecto: si bien la jugabilidad en cuanto a exploración es divertidísima, el combate es más simple que un botijo: la mayoría de las veces será simplemente reventar el cuadrado hasta que muera el enemigo, y de vez en cuando podrás contraatacar (bastante fácil), esquivar o utilizar alguna habilidad especial, pero no tiene demasiado misterio.

Más Adam West y menos Christian Bale

Pero, sin duda alguna, de entre todas las cosas buenas que tiene, destaco por encima de todo el enfoque del personaje. Hasta el momento tan solo había visto versiones del Caballero Oscuro más serias y viviendo en ciudades muy realistas, pero con LEGO Batman me he dado cuenta de que no es que odie a Batman, sino que no soporto el enfoque depresivo y realista que ha dominado al personaje estos últimos años.

Lo voy a decir claro: no quiero una Gotham realista, quiero una fantástica, más alejada de la realidad y con criaturas de todo tipo. Necesito que DC vuelva a traernos una ciudad extravagante, no lúgubre, pero sobre todo necesito que traigan de vuelta una versión de Batman mucho más chulesca y menos seria. Necesitamos un nuevo Adam West que baile el Batusi.

Me alegro de que en este juego Bruce Wayne tenga momentos en los que se note que es alguien rico. No quiero haceros muchos spoilers, pero además de que la historia tiene en cuenta los problemas de la empresa Wayne, también tiene una actitud de oligarca, donde banaliza el trabajo de los obreros y se exime de ser el responsable de ciertos problemas de la ciudad.

Tampoco me quiero ir demasiado por las ramas, pero, por último, quiero dejar claro que si eres fan del Caballero Oscuro, este juego te lo vas a gozar como un enano, además de que tienes decenas de horas más allá de la historia (que completé en unas 10 horas) gracias a la absurda cantidad de coleccionables repartidos por todo Gotham. ¿Es el mejor juego de Batman? Por supuesto que no. ¿Es el más divertido? Pues puede ser.

Tras los palos que le cayeron a la película de Super Mario Galaxy y lo satisfecho que salí de la sala de cine después de verla, tenía la sensación que con Mortal Kombat II me iba a encontrar con un caso muy similar después de comprobar cómo algunas críticas de medios especializados la dejaron por los suelos, y sobre todo tras descubrir que la opinión por parte del público la ponía por las nubes, por lo que me imaginaba que mis sensaciones no iba a ser muy diferentes a la de estos últimos.

El mayor motivo se debía que la primera entrega ya me pareció grandioso espectáculo que hacía gala de la violencia tan característica de la saga. Sin embargo, jugó demasiado en su contra el hecho de que se apostó demasiado por su argumento y también que el protagonismo recayó demasiado en un personaje inventado para la ocasión. Un par de defectos que esta secuela ha sabido remediar a la perfección para convertirse en una adaptación que nadie se puede perder.

Y es que su productor, Todd Garner, ya destacó que no entendía algunas opiniones tan negativas cuando se trataba de un largometraje pensado para los fans verdaderos, que viene a ser una declaración con la que no puedo estar más de acuerdo. Las casi dos horas que dura se me pasaron en un suspiro y en ningún momento paré de disfrutar de la auténtica ensalada de hostias que se producía cada pocos minutos entre los diferentes personajes principales y los villanos.

Porque si hay algo que me ha encantado de esta segunda parte es que no se anda con rodeos ni medias tintas. Desde el primer momento va al grano y el primero de los combates tan brutales no tarda nada en comenzar. A partir de ahí el argumento continúa pisando el acelerador, contando lo justo y necesario, aunque no sea para tirar cohetes, hasta el punto en el que se convierte en una mera excusa para brindarnos unas coreografías de combates con las que no quieres apartar la vista en ningún momento.

Es algo que lo veo más que comprensible, porque al final quien va a ver una película de Mortal Kombat es precisamente para ver cómo los personajes se parten la cara con sus movimientos tan característicos, así que no tiene sentido darle un mayor peso a la trama, que de nuevo nos presenta un torneo entre dos reinos, siendo uno de ellos el de la Tierra. De hecho, el nuestro se la juega al máximo, porque en el caso de perder acabará siendo conquistado.

No es necesario saber nada más, porque de nuevo he de insistir en que la película hace un mayor énfasis en los combates entre muchos de los nuevos personajes que ya vimos en la primera cinta y otros nuevos que también se merecían salir a escena. Desde luego, uno de los mejores es Shao Kahn, interpretado por Martyn Ford, que ha sido recreado a la perfección en la pantalla grande, resultando bastante más intimidante que en los videojuegos, que ya es decir, mientras no para de desatar todo su potencial y mala uva cada vez que se pone a combatir.

También me ha encantado la aparición de Kitana (Adeline Rudolph), que a la larga acaba siendo mucho más protagonista que Johnny Cage, a pesar de que los tráilers lo vendieron como que este iba a ser el personaje principal. Eso sí, he de hacer mención especial al papelón que se marca Karl Urban dando vida a este luchador un tanto arrogante y descarado, demostrando una vez más que el carisma que desprende delante de la cámara Carnicero de The Boys es totalmente abrumador, de manera que logra que cada escena en la que participa se vuelva una de las mejores de toda la película.

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Aun así, estas no son las únicas apariciones y regresos de personajes que ya estuvieron presentes en su predecesora, por lo que en un conjunto general está pensado más para que los fans no paren de emocionarse por verles luchando en esta carnicería tan brutal. Es más, ha habido otros detalles que me han fascinado, como por ejemplo el hecho de que se haya apostado mucho más fuerte por ser una adaptación más fiel a los videojuegos.

Eso mismo se ve reflejado en determinados escenarios al ser los mismos que ya hemos visto en ocasiones durante la saga, pero también en los movimientos, los fatalities tan demenciales, sus frases de lo más icónicas, su banda sonora, y hasta en el hecho de que la cámara juegue con todo ello para dejarnos con ciertos planos como si estuviéramos pasando un rato delante de cualquiera de los juegos de la serie.

Como secuela, Mortal Kombat II sabía perfectamente qué era lo que debía mejorar y lo ha logrado con una nota perfecta, con peleas de lo más impactantes, bestias y violentas que no paran de intensificarse y por las que merece ver la película una y otra vez, a lo que se suman unos personajes que en un conjunto general están mejor definidos. No he necesitado nada más, ya que ofrece justo lo que se necesita para un espectáculo tan extremadamente exagerado y sanguinario de ese tipo, con toques cómicos, para que cualquier fan de este universo termine con una sonrisa de oreja a oreja al llegar a los créditos. Deseando estoy de que llegue ya tu tercera parte.

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¿Dónde está el límite de un género? Esa es la pregunta que no he parado de hacerme durante mis horas con Forza Horizon 6. Se me ocurren propuestas con las que ampliar el último videojuego de Playground Games, como un modo historia más cinemático, o seguir el camino marcado de preñar de aún más contenido la próxima entrega. Pero la realidad es que nada de eso es un cambio sustancial... Y eso me hace llegar a la conclusión de que quizás no hace falta.

Vamos a quitarnos esto en los primeros párrafos. Si eres fan de la saga Forza Horizon, en la sexta entrega te vas a encontrar más de lo mismo: un sobresaliente a la hora de ofrecerte diversión a raudales a bordo de centenares de vehículos y una abrumadora oferta de carreras, pruebas y desafíos. Estamos hablando de un título que, como el resto de la saga, sabe ser interesante para seguidores de los videojuegos de conducción, pero también tremendamente accesible para los curiosos que se asoman desde Game Pass.

Japón es, como se suele decir en estos casos, un protagonista más de experiencia. Su orografía aporta un lienzo con el que Playground Games confecciona trazados revirados y de gran verticalidad en sus montañas, pero también rectas infinitas donde poner a prueba a los vehículos más potentes. Aunque, quizás la joya de la corona sea Tokio, la zona urbana más grande de la historia de la franquicia que es ideal para carreras nocturnas con deportivos.

Japón es el protagonista del juego

Por supuesto, aquí tenemos el mundo abierto más grande hasta la fecha a la espera de las puntuales expansiones, pero sí que creo que el pináculo de la variedad en zonas se alcanzó en la tercera y quinta entrega, ambientadas en Australia y México, respectivamente. Forza Horizon 6 no va a la zaga, ya que tenemos zonas marítimas, urbanas, bosques o montañas nevadas, pero su evidente baza en esta ocasión es lo estético de los emplazamientos. Un cerezo en flor te apaña cualquier instantánea, y os lo digo yo que me he tirado mucho rato jugando con el modo foto.

La recreación de Japón es impresionante, y seguramente con Tokio tengamos la prueba más obvia de un trabajo por parte de Playground Games que casi recuerda a lo que hemos estado viendo en estos últimos tiempos con Microsoft Flight Simulator. Además de esto, también deja su huella el país en la selección de automóviles, que tiene hueco entre sus más de 500 para hacer guiños a la escena de carreras urbanas japonesas, marcas autóctonas e incluso ofrecernos utilitarios hipercompactos con sus propias carreras asociadas.

Japón era una localización muy pedida por los jugadores, y lo cierto es que se ha cumplido con nota, hasta el punto de, como digo anteriormente, ser una excusa para añadir contenido diferenciado frente a entregas anteriores. El gusto por el motor en el país incluso se evidencia con varios circuitos repartidos por el mapeado, zonas de derrape al más puro estilo Initial D y una plétora de vehículos legendarios que encontrar en su escondite. Además, hay carreras en ciudad y pruebas de Touge 1v1 al más puro estilo Tokyo Race.

El sabor de siempre, pero mejor progresión

Y luego están las novedades en sí. Creo que la progresión en el último Forza Horizon no era la mejor (y nunca lo será si depende en parte de ruletas para conseguir dinero y coches), y en esta sexta edición sí que se ha mejorado sustancialmente. El sistema de pulseras, que funcionan como una especie de barras de experiencia que tenemos que llenar antes de enfrentarnos a esas fases de historia tan conocidas de la saga, dirigen la atención del jugador a diversas zonas, invitándote a explorar, pero también siendo una especie de curador de qué carreras disputar en cada momento.

Parte de lo que mantiene con vida a Forza Horizon, ya no como franquicia, sino a cada juego individual, es su condición de juego como servicio. Las temporadas, eventos temáticos y eventuales expansiones son vitales; pero hasta entonces nos hará de puente el endgame. En Forza Horizon 5 eso implicaba meterse en el Community Racing y el tuneo de coches para Rivals; y en este juego tenemos novedades como la posibilidad de diseñar nuestra propia base con los Garajes. 

Podremos hacer circuitos, expositores de coches y mucho más. Yo no soy la persona más creativa de la historia y no le sacaré nunca el partido que me gustaría, pero la posibilidad de visitar creaciones de otros jugadores, sorprenderme con ellas y puntuarlas, creo que es algo a reseñar y que puede estirar la vida útil de Forza Horizon 6.

¿Cuánta gasolina hay en el tanque?

Me gustaría hablar más en profundidad sobre la experiencia de juego, pero siento que un puñado de párrafos hablando de cuestiones como el comportamiento según terreno, coche usado o la variedad de trazados y pruebas palidecen frente a la idea que todos tenéis en la cabeza sobre lo que es un Forza Horizon. Decía en la preview que es justo lo que te puedes esperar de un juego de la saga ambientado en Japón, y con unos estándares de calidad tan altos como los que ha mantenido hasta ahora la franquicia; y me reafirmo.

La cabeza nos dice que no es posible seguir pasándolo tan bien haciendo algo que se diferencia en los detalles de una entrega a otra, pero mi propia experiencia habiendo jugado a la totalidad de la saga y analizado los tres últimos para decir que aún no he llegado al punto de hastío con la fórmula. También he de ser honesto y poner sobre la mesa que novedades como el reparto de comida, los tours turísticos o muchas otras adiciones no dejan de ser hacer la del gatopardo: cambiar todo para que no cambie nada, pero nos quede la ilusión de que sí.

Pero es que quizás la fórmula esté tan pulida que no haga falta mucho más que el enorme trabajo en cuanto a la localización, y unos ajustes adicionales para mantener fresca la experiencia. Claro que voy a disfrutar las fases de la historia, especialmente si implican echar una carrera contra un mecha gigante o asistir al lanzamiento de un cohete, coleccionar coches como un energúmeno y recorrerme el mapeado completando cada salto, radar de velocidad y cartel rompible. 

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El secreto está en que es complicado que (y más con el Quick Resume en Series X) pasen más de 20 segundos desde que agarras el mano y aún no te hayas divertido. Forza Horizon 6 es un oasis de honestidad en una industria del videojuego que no para de dar vueltas a una de las cosas más básicas que necesita un título: ser entretenido.

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He jugado alrededor de 40 horas a The Division Resurgence. Eso son tres maratones (y pico) de El Señor de los Anillos en versión extendida. Es más de la mitad de Breaking Bad. Más de lo que se tarda en ver los Episodios I al IX de Star Wars, las películas principales de la Saga del Infinito del UCM y casi lo mismo que se tarda actualmente en ponerte al día con el combo de ultraviolencia Invincible + The Boys. Y todo ese tiempo lo he dedicado a la plataforma que más detesto: móvil.

Siento un amor-odio muy intenso por Resurgence. Mentiría como un bellaco si te dijera que no he disfrutado durante la mayoría de horas que he jugado, pero al mismo tiempo ha sido una experiencia muy incómoda y hasta desagradable en algunos momentos. La razón principal de esta contradicción es que soy un grandísimo fan de esta franquicia, cuento con 2.000 y 3.000 horas aproximadamente acumuladas entre las tres entregas existentes. Así que se podría decir que sé de lo que hablo.

The Division Resurgence es una oportunidad de oro desperdiciada a conciencia

Hace unos días, un amigo me pidió que sintetizase lo mejor y lo peor de The Division Resurgence para decidirse o no a probarlo, y mi respuesta me gustó tanto que voy a utilizarla para introducir este análisis: lo peor de Resurgence es que es un juego de móvil y lo mejor es todo lo demás. Sé que tiene versión de PC con crossplay mediante Ubisoft Connect, pero mantiene su planteamiento de móvil y actualmente ni siquiera tiene menús y opciones dedicadas.

The Division Resurgence tiene todas las microtransacciones que puedes esperar de un videojuego de móvil. Con la moneda interna de pago puedes comprar desde elementos estéticos hasta equipamiento aleatorio y materiales de fabricación para crear/mejorar tus armas, piezas de equipo, accesorios de armas, modificadores... Se puede mejorar absolutamente todo para que siempre vayas corto de materiales. Sobra decir que también cuenta con un Pase de Batalla con sección Premium.

Tienda de Resurgence

La estructura de la experiencia o el "loop de juego" se sustenta bajo la premisa ARPG (looter shooter) de The Division (misiones principales y secundarias, actividades de mundo, desafíos diarios y semanales, exploración y mejora del equipamiento), pero bajo la filosofía de los juegos de móviles: el juego capa tu progreso de forma constante.

Todo lo que haces otorga menos experiencia y recompensas al cabo de un rato. La cantidad de experiencia obtenida se reduce a niveles ridículos cuando se te acaba el "bonus diario de xp" hasta el punto de que el progreso es tan irrisorio que no compensa seguir jugando. Es la clásica mecánica de retención o time-gating: un sistema de fatiga diseñado no para que disfrutes a tu ritmo, sino para racionarte el contenido y obligarte a volver mañana. Completar la campaña principal de The Division Resurgence ha sido como conducir uno de mis coches preferidos con un copiloto que tiraba del freno de mano a cada rato. 

Me quedé sin cosas que hacer durante los últimos días para ganar la experiencia que requieren las últimas misiones. Tuve que pedir ayuda a un grupo de jugadores para conseguir seis piezas amarillas, requerimiento (absurdo y poco orgánico) de la penúltima misión. Me contaron que acabaron tan aburridos de la historia y el PVE que se centraron en el PVP (Zona Oscura y Conflicto) para conseguir equipo. Lo más gracioso es que no necesité ni una de esas piezas para completar la misión final, ya que la superé con equipo morado bien configurado y mejorado. De algo tenía que servir farmear tanto material durante tantos días.

Equipo para la misión final

Todos estos quebraderos de cabeza hubiesen compensado de tener una historia que merece la pena y que aporta trasfondo al canon, pero lo cierto es que no es gran cosa. La historia como tal es prácticamente inexistente y la misión final es literalmente repetir eventos del mundo. Eso sí, las misiones principales instanciadas están muy, muy chulas.

Un clásico de Ubisoft: buenas ideas, malas ejecuciones

Sé que te estoy pintando The Division Resurgence como una tortura y un juego que carece de una sola unidad de incentivo para jugar (y es cierto para cualquiera que no sea fan de la franquicia), pero irónicamente tiene varias de las mejores ideas que he visto hasta ahora como Agente SHD. Este juego habría sido un spin-off y un experimento perfecto de cara a The Division 3. Ni exagero ni bromeo.

Resurgence nos devuelve a Nueva York (zona oeste y Zona Oscura del mapa original) con una historia que se desarrolla de forma paralela a los eventos de The Division de 2016. Solo esto ya es un acierto. La campaña está centrada en la nueva facción canon: los Freemen, un grupo de preparacionistas antigobierno (científicos, ingenieros, constructores y artesanos) liderados por Arthur King. Fueron neutrales durante nuestro paso por el juego original. Utilizan sus propias armas y armaduras de tipo industrial. Su estética es brutal y enfrentarse a ellos es muy divertido.

STG 44, rifle de la WWII

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Otro punto positivo de Resurgence es tanto su conversión a MMO como las nuevas actividades de mundo. Explorar esta versión de Nueva York es muy divertido porque puedes encontrar a otros jugadores enfrascados en tiroteos en calles aleatorias y/o colaborando en eventos de mundo. Estos últimos son un mix de ideas presentes en sus predecesores y otras nuevas, cosa que he sentido como un soplo de aire fresco tras siete años (camino de ocho) repitiendo los mismos eventos sin nuevas incorporaciones en The Division 2.

Las misiones principales instanciadas son geniales y las secundarias son perfectas para explorar el mapa y recoger coleccionables. No tengo quejas en este sentido. Resurgence incorpora un nuevo tipo de misión llamada Nidos de Enemigos que me recuerda a los narcopisos de GTA Online: son misiones menores instanciadas que aparecen de forma aleatoria en el mapa. Solo hay tres tipos en el momento de escribir esta publicación, pero añaden más variedad a lo que puedes hacer por el mundo.

Menú de la Base del Clan

Aquí va otra buena idea: los clanes cuentan con una base física e instanciada en la que pueden reunirte con tus aliados para charlar, entrenar y donar recursos. Los líderes pueden gestionar todas las donaciones para realizar ampliaciones de edificios que a la larga otorgan ventajas. Es algo bastante humilde y limitado, pero no hay nada ni remotamente parecido en The Division y The Division 2.

En un plano más personal, me han gustado mucho las Especializaciones, los sets de equipo y el armamento, que incluye desde las armas típicas hasta rarezas como el rifle de asalto M8A1 de Ghost Recon y varias de la WWII. Te hablo de la ametralladora Lewis, el fusil Gewehr 43 y otras como la MP40, PPSH-41, STG 44, Avtomat, M1 Garand y FG 42. También se introducen tres tipos de municiones (explosiva, penetrante y desgarradora) para diferentes blindajes. Esto último no me apasiona, pero admito que tampoco me disgusta.

En conclusión, lo bueno, lo malo y lo desaprovechado

The Division Resurgence es una oportunidad de oro desperdiciada a conciencia por Ubisoft en un intento de triunfar en la plataforma de móvil. No sé cómo irá en otras regiones, pero en Europa cuesta encontrar matchmaking para la mayoría de misiones principales en cualquiera de sus dificultades. ¿Lo he pasado bien durante la mayoría del tiempo? Sí, porque soy un fan empedernido de The Division. ¿Eso quiere decir que lo recomiendo? No. Ni es relevante para el lore ni merece que inviertas tu tiempo, que acabará siendo más del que debería. Aunque si eres fan y te haces el loco con todo lo malo, puedes disfrutar.

Freemen pesado

No me cansaré de repetirlo: Resurgence es un montón de buenas ideas, incluso innovadoras para la franquicia, embutidas en un juego para la plataforma más limitada a nivel técnico y la que más abusa de sus jugadores en todos los sentidos, especialmente con prácticas tan predatorias que dan vergüenza. Puedes comprar equipo con dinero real. En resumen: lo peor es que es un juego de móvil, lo mejor es todo lo demás.

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Aunque reconozco que la Nintendo Switch 2 la tengo más para jugar a cualquier título desarrollado por Nintendo, a lo largo de los últimos meses he podido probar varios juegazos que me han demostrado que la consola está perfectamente capacitada para disfrutar de los lanzamientos de las third-party. Pragmata y Final Fantasy VII Rebirth me dejaron claro que pueden rendir de maravilla en esta máquina y otro que no ha querido quedarse atrás es Indiana Jones y el Gran Círculo.

Primero fueron Xbox Series y PC las que acogieron a esta gran obra de MachineGames. Unos meses después le tocó el turno a PS5 y desde hoy serán los usuarios de Nintendo Switch 2 los que podrán hacerse con ella. En mi caso, me he pasado los últimos días probando a fondo esta nueva versión sobre la que es lógico admitir que cuenta con sus limitaciones al hablar de una consola que no cuenta con la misma potencia que la de sus competidoras, pero eso no quiere decir que sea un desastre, ni muchísimo menos.

Habiendo publicado en su momento nuestro análisis del juego en las otras plataformas, donde podéis comprobar exactamente por qué se trata de una aventura imprescindible, prefiero centrarme únicamente en cómo ha sido jugar con los Joy-Con 2 en mis manos. Además, sobre todo le tenía bastantes ganas porque nunca le había dado una oportunidad a esta trepidante aventura de Indiana Jones que siempre me había puesto los dientes largos.

La primera impresión que me dio, cuando comienzas en medio de una jungla durante los primeros compases, es que no pintaba nada mal. Es cierto que habiendo visto vídeos de cómo luce el título en el resto de consolas se nota que hay diferencias en cuanto a la nitidez o la iluminación, pero todo se ve perfectamente sin importar la cantidad de detalles que haya por la pantalla. En ningún momento he sentido un dolor de ojos ni nada remotamente parecido.

El popping sí que he notado que destacaba un poco más en entornos más abiertos y sobre todo en escenarios como esta jungla con tantos árboles, ramas, plantas, charcos, lianas, etc. En cambio, al dar el salto a otros escenarios, como los edificios del Vaticano, las veces en las que se producía este efecto visual eran menores o al menos no tan llamativas. Es más, llegó un punto en el que directamente me metí tanto en la acción y la trama que ni le di mayor importancia.

Los personajes me han encantado cómo lucen y tampoco he notado que haya muchas diferencias en este sentido con respecto al resto de plataformas. Lo que sí me ha generado un poco de controversia ha sido a la hora de dar el salto de la tele al modo portátil. Y es que había veces que me daba la sensación de que hasta el juego se veía y rendía mejor con la consola en mis manos, resultando una auténtica gozada poder vivir este viaje en cualquier parte.

No obstante, la iluminación sí que jugó una mala pasada, porque quería comprobar si había mucha diferencia al adentrarme en cavernas prácticamente a oscuras con pasillos extremadamente estrechos. En la tele pude desplazarme sin problemas por estos entornos, pero en portátil me costó más saber por dónde iba. Por suerte, estas partes no son las que más abundan en general, aunque también reconozco que la mayor parte del tiempo lo he pasado jugando en la tele por simple comodidad.

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Eso no quita que cuando he echado alguna partida en el modo portátil lo he disfrutado por igual. Es más, diría que hasta el rendimiento era algo mejor (o al menos con menos caídas puntuales), a pesar de que en ninguno de los dos casos se superan los 30 fps, lo que está claro que es un detalle a tener en cuenta, pero la verdad es que el título se puede jugar perfectamente así al tener ese toque cinematográfico que tan bien le sienta. Además, como en mi caso no venía de jugar a las otras versiones, no he sufrido ese impacto de cambiar de una versión a otra.

Pasando a otros aspectos técnicos, por mucho que pueda parecer un juego que a la consola le va a costar sudores moverlo, la batería no he notado que baje más rápido de lo normal o te obligue a tener que cargarla más pronto que otros títulos. Por ejemplo, haciendo pruebas, en unos 10-15 minutos solo ha disminuido en poco más de un 5%, mientras que los controles están perfectamente adaptados a los Joy-Con 2 al desplazar la cámara y realizar cualquier tipo de acción con Indy.

En cuestión de espacio sí que tendréis que ir preparando hueco en vuestra consola o en la microSD Express si planeáis haceros con la versión digital, porque ahora mismo, de todos los juegos que tengo instalados, es el que más ocupa con inmensa diferencia con sus 57,2 GB. Eso sí, viene con todo el contenido original incluido, sin contar la expansión, pero no ha sufrido recortes en este terreno para que todos puedan jugar de principio a fin a esta emocionante campaña, con todas sus misiones principales y secundarias, que no tiene nada que envidiar a las películas. 

Dependiendo de lo que busque cada uno o su forma de jugar, está claro que la versión de Nintendo Switch 2 puede ser más imprescindible o no. Por ejemplo, si sois de los que ya tenéis una PS5 o una Xbox Series y solo jugáis en la tele, quizás os interese más haceros con el juego en estas plataformas al rendir mejor en un conjunto general. Por el contrario, si sois de los que os apetece jugar en modo portátil o solo tenéis la consola de Nintendo, no cabe duda de que Indiana Jones y el Gran Círculo supone una compra recomendable. En mi caso, tengo clarísimo que ya tengo un nuevo compañero de viajes.

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