De entre todos los ataques que hemos visto en Dragon Ball, uno de los más conocidos y poderosos es, sin duda alguna, la Genkidama. El ataque definitivo de Goku es uno de los más icónicos del personaje y es capaz de utilizarlo gracias a que se la enseñó su creador, el Kaio del Norte, un profesor bastante particular que ofrecía este ataque en sus enseñanzas.

Y digo particular porque, para llegar a conseguir este ataque, tienes que entrenar bastante con él. Muchos pensarán que había que cumplir ciertas normas estrictas o realizar misiones para demostrar que eres lo suficientemente fuerte, pero nada de esto era lo que quería en realidad el Kaio del Norte. Su petición era más simple, o mejor dicho, extraña: había que hacerle reír.

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Tal y como se puede ver en la imagen perteneciente al capítulo 210 del manga de Dragon Ball, cuando se encuentra por primera vez con el Kaio del Norte, Goku pide que le entrene con sus técnicas, a lo que este le responde que lo hará siempre y cuando le haga reír con un chiste.

Para sorpresa de nadie, el chiste de Goku es tan malo que el Kaio se acaba partiendo de risa y, por ello, decide convertirlo en el nuevo discípulo de esta entidad divina, que lo entrena tras su muerte en la pelea contra Raditz y le enseña, además de la Genkidama, el Kaio-Ken, técnica que le ayudaría bastante en el futuro.

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Uno de los objetos más icónicos de todo Dragon Ball es, sin duda alguna, la nube Kinton. Esta nube mágica fue el principal medio de transporte de Goku, y, si bien esto es una referencia clara a Viaje al Oeste, la obra original en la que se basa el trabajo de Toriyama, lo cierto es que el mangaka tenía otras intenciones con este medio de transporte tan peculiar.

En una entrevista con Dragon Ball Daizenshuu 4, Toriyama explica que tanto la nube Kinton como el poder de volar que más tarde "sustituye" a esta herramienta aparecieron en la serie, básicamente, para ahorrarse una buena cantidad de tiempo dibujando vehículos, algo que los dibujantes odian por la enorme complejidad que suponía intentar replicar aviones, coches o camiones.

"Ahora que lo mencionas, una vez que Goku y sus aliados aprendieron el Bukūjutsu y pudieron volar, hacer avanzar la historia se volvió realmente fácil. Porque todos podían volar directamente a cualquier sitio. Eso hizo que pensar el desarrollo de la trama fuera más sencillo y, sobre todo, que el ritmo de la historia fuera mucho más ágil. Incluso a nivel visual, me permitió mostrar escenas desde ángulos en picado, mirando el paisaje desde arriba. De hecho, esa fue también la razón por la que introduje en su momento la Nube Kinton. Hasta entonces tenía que sacar aviones, coches y cosas por el estilo uno a uno, y era realmente agotador".

Tal y como explica Toriyama, la decisión de añadir la nube Kinton era, más que nada, para ahorrarse tiempo dibujando escenas en las que nuestros protagonistas debían ir de un lugar a otro, lo que le dejaba más margen para centrarse en lo más importante de cada capítulo y, a su vez, ofrecía nuevos puntos de vista jamás vistos en la franquicia hasta ese momento.

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Lo cierto es que el mangaka, aunque pueda sonar a vago lo que hace, tiene bastante sentido dentro del marco contextual de la historia. En Dragon Ball, lo que importa de verdad son los duelos y las peleas, por lo que transportar rápidamente a los principales protagonistas de estos enfrentamientos no solo es acertado, sino que también era lógico. 

De hecho, no es la primera vez que Toriyama utiliza recursos de su serie para ahorrarse tiempo y centrarse en lo importante. Para las peleas más importantes, el mangaka, en vez de tener que poner a dos monstruos a pegarse en una ciudad y tener que dibujar todos los escombros, los mandaba a un lugar desértico para así poder invertir todo ese tiempo que habría perdido dibujando edificios en peleas brutales que siguen siendo recordadas hasta el día de hoy.

Desde que apareció en el arco de Freezer, el Super Saiyan ha sido uno de los power-ups más conocidos de la historia del anime. La transformación de Goku marcó un antes y un después en el shonen y esto conllevó, cómo no, nuevas transformaciones a partir de esta. Sin embargo, por muchas versiones que haya, Toriyama nos explicó hace unos años el problema de estas transformaciones.

En una entrevista con la Saikyo Jump en 2014, el periodista le preguntó sobre si veríamos nuevas versiones del Super Saiyan en el futuro, a lo que Toriyama respondió que probablemente no, y tiene bastante sentido, ya que, tal y como cuenta el mangaka, no le sale rentable gastar tanto poder en estas transformaciones.

"El Super Saiyan 2 y el 3 no son más que versiones potenciadas del Super Saiyan original. Tras la pelea contra Beerus, Goku se dio cuenta de que dominar su estado base y el Super Saiyan le permitiría elevar más su nivel consumiendo menos energía, así que probablemente ya no vuelva a transformarse en Super Saiyan 2 o 3".

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Tal y como cuenta Toriyama, desde que luchó contra Beerus en Dragon Ball Super, Goku se dio cuenta de que dominar el Super Saiyan era mucho más rentable que las versiones mejoradas, lo que ha provocado que estas dos transformaciones hayan reducido sus apariciones a lo largo de Super.

Aun así, lo hemos podido seguir viendo en momentos muy concretos, como en Dragon Ball Daima, donde no solo vimos el Super Saiyan 3 de Goku, sino también el inédito SSJ 3 de Vegeta, junto a la cuarta transformación, que por fin es canon dentro del universo Dragon Ball.

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Hace muchos años, en las laderas de una cordillera a miles de kilómetros de cualquier lugar comenzó una fantástica historia. Son Goku, un alegre niño con cola de mono y un enorme talento para las artes marciales, decidió acompañar a una intrépida aventurera por todo el mundo.

El objetivo de nuestro joven héroe: encontrar las dragon balls, unas esferas mágicas capaces de cumplir cualquier deseo. Y, en el proceso, su mayor deseo: volverse todavía más fuerte. Aquello fue el inicio de una gran amistad que derivará en situaciones alocadas, divertidísimos combates y, mucho después, en apoteósicas batallas a través del cosmos.

Lo cual nos recuerda que toda leyenda tiene un origen, y el muy prolífico legado conjunto entre Dragon Ball y Bandai nos lleva a 1986 con un excepcional Dragon Ball: Le secret du dragon. Aunque, como seguramente habrás deducido, aquel no fue su título original. Es más, el título con el que aterrizó en occidente no tenía nada que ver con la obra de Akira Toriyama.

Lanzado bajo el nombre de Dragon Ball: Shenron no Nazo en Japón allá por 1986, Le secret du dragon supuso el debut de Son Goku y sus amigos en Famicom, el sistema de 8 bits de Nintendo equivalente a la NES. No fue el primer videojuego basado en el archiconocido manganime, pero, definitivamente, supuso la primera gran aventura en consolas del niño con cola de mono.

Una aventura que combinaba diferentes jugabilidades alternando el recorrido en escenarios en Top-Down con combates y desafíos plataformeros en scroll lateral. Y, pese a las enormes limitaciones de la época y sus enormes licencias creativas, una sensacional conversión de la obra original a través de sus detalles más sutiles.

Dragon Ball: Le secret du dragon: una aventura grande llena de emoción

Cuando Bandai publicó Dragon Ball: Shenron no Nazo era plenamente consciente de que estaba adaptando un éxito a los videojuegos. Y eso, de por sí, es una responsabilidad con los millones de fans de Son Goku y lectores del Shonen JUMP repartidos por todo Japón. Lo que Bandai no sabía es el enorme legado que nacerá de aquella primera aventura.

Siendo justos, Dragon Ball: Le secret du dragon es una adaptación más próxima al anime que al manga con notables licencias argumentales. Pero su mayor hito entonces y ahora sigue siendo el modo de transmitir el humor de Toriyama y el espíritu aventurero del pequeño Goku. Eso sí, con las limitaciones propias de las 8 bits de Nintendo.

En lo argumental, el juego nos traslada directamente -y sin preludios- al momento en el que Goku y Bulma se conocieron en el monte Paozu y, desde ahí, se completa con pequeñas licencias la búsqueda original de las dragon balls.

A partir de ahí, el argumento del propio videojuego toma su propio rumbo para introducir de un modo original al jugador el Gran Torneo de las Artes Marciales, la incursión del pequeño luchador en una versión alternativa de la Muscle Tower e incluso llevarnos a la Luna. Ese satélite que, por cierto, Toriyama tiende a destruir con cierta regularidad en el Dragon World.

¿Y cómo se defiende Dragon Ball: Le secret du dragon mando en mano? De partida, aquí te dejamos nada menos que 20 minutos de juego con los compases iniciales de la aventura nintendera de Goku.

De partida, Dragon Ball: Le secret du dragon no inventa demasiado: a través de Son Goku iremos explorando escenarios creados en Top Down mezclando elementos de marcada acción y sutiles tintes de exploración. Y, en el proceso, promoviendo que limpiemos la pantalla de enemigos cuyo aspecto es más humorístico que amenazador. Exquisitamente inspirados en los personajes de los primeros capítulos del manga.

Y, si bien, no hay mazmorras en Dragon Ball: Le secret du dragon, la exploración de entornos interiores tiene un peso especial. Un aspecto que es reforzado con combates descaradamente inspirados en el Yie Ar Kung-Fu de Konami y zonas plataformeras convenientemente repartidas a lo largo del juego.

Como es de esperar, las dragon balls, las esferas sobre las que giraba el anime en sus compases iniciales, tienen también presencia en el juego, de modo que al reunirlas el completar los capítulos 6 y 14 del juego podremos elegir entre cuatro recompensas. Multiplicando la rejugabilidad con una especie de Nuevo Juego+ o haciendo un poquito de énfasis en el tono humorístico de la propuesta.

Por supuesto, Bandai regó los escenarios de Dragon Ball: Le secret du dragon con Power Ups inspirados en el manga. Una interesante manera de integrar el bastón mágico o permitirnos ejecutar los Kamehamehas en el juego, pero también de ser fieles al personaje: el temporizador refleja el hambre de Goku, así que nos conviene que el pequeño saiyan no pase hambre.

Mención muy especial a los combates y la integración del Gran Torneo de las Artes Marciales. Si bien, la manera de presentarnos la competición es muy diferente, se nos dará la posibilidad de participar en un gran evento de lucha en la que nos enfrentaremos a personajes conocidos, incluyendo amigos y enemigos extraídos de prácticamente cualquier momento del manga.

Y, si bien, el sistema de combate no ha envejecido bien, no está de más recordar que cuando fue publicado  Dragon Ball: Le secret du dragon no existía ni siquiera el Street Fighter original. Otra experiencia de lucha que a día de hoy resulta calamitosa, todo sea dicho.

Pese a sus flaquezas y limitaciones, la mayoría de ellas fruto de su tiempo, Dragon Ball: Le secret du dragon era una conversión excepcional de Dragon Ball a los videojuegos. Quizás no tan lograda como aquel mítico Captain Tsubasa de NES, pero sabía calar entre los fans por méritos propios y por toda una serie de detalles que lo hacen todavía más especial.

Siete curiosidades excepcionales de Dragon Ball: Le secret du dragon y una de propina

A primera vista, Dragon Ball: Le secret du dragon podría parecer un juego del montón para los sistemas de 8 bits de Nintendo. En realidad, y pese a sus limitaciones, es una pieza clave en la amplia historia de Goku en los videojuegos. Y, para muestra, estos siete detalles. Uno por cada dragon ball.

No lo llames Dragon Ball: llámalo Dragon Power

El buen rendimiento comercial de Dragon Ball en las Famicom niponas hizo que Bandai y Nintendo se planteasen llevarlo a occidente. Sin embargo, había un grave problema: nadie conocía a Goku y sus amigos más allá de Japón y Asia.

Como era relativamente habitual, se optó por localizar todos los contenidos y modificar los sprites y la trama para -ya puestos- no lidiar con licencias que tampoco hubiesen supuesto un incentivo entre los jugadores. De modo que Dragon Ball: Le secret du dragon llegó a Estados Unidos como Dragon Power.

Como curiosidad añadida, elementos como la perversión del maestro Roshi y su fetiche por la lencería femenina fueron suavizados, de modo que en lugar de estar obsesionado por las braguitas, era un glotón que perdía la cabeza por los sándwiches. Bien jugado, Nintendo.

El primer juego de Dragon Ball lanzado en el viejo continente

El fuerte estallido del fenómeno de Dragon Ball en Francia logró lo impensable: Bandai publicó y tradujo al francés Dragon Ball: Le secret du dragon para el territorio galo en 1990, siendo un doble hito: además de ser uno de los primeros cartuchos de NES en leerse en francés, supuso el primer juego de Dragon Ball publicado en el viejo continente.

Y no solo eso, en 1993 la propia Bandai repitió la jugada en España publicándose en las NES del territorio español. Y, si bien, íbamos a rebufo de nuestros amigos franceses, fuimos unos privilegiados: además del juego de NES, los jugadores españoles de SNES y Mega Drive pudieron disfrutar de la saga Super Butoden durante la primera mitad de los 90.

¡Shenron, concede mi deseo!

Como comentamos, completar los capítulos 6 y 14 del juego significaba obtener las siete Dragon Ball y, por extensión, recibir un deseo del Dragón Sagrado Shenron. En el caso de Dragon Ball: Le secret du dragon podíamos elegir entre:

Capítulo 6

1. Que se mueva el título del juego: una recompensa no muy atractiva: al ir al menú principal veremos cómo el dragón que hay en el título se mueve .
2. Viajar hacia el futuro: un verdadero atajo en el que Goku viaja al capítulo 11 y se salta todo el torneo de las Artes Marciales.
3. Ser más fuerte: nuestro contador de salud pasa de 150 a 250. Nada mal.
4. Unas braguitas: volveremos a ver la escena en la que el maestro Roshi es rodeado por braguitas. Un guiño directo al manga.

Capítulo 14

1. Que se mueva el título del juego: la misma recompensa que en el capítulo 6: veremos como Shenron se mueve en el menú principal del juego.
2. Viajar hacia el pasado: se podría decir que es en realidad un Nuevo Juego +: Goku regresa al primer capítulo conservando todos los progresos.
3. Unas braguitas: el juego muestra de nuevo la escena de las braguitas de Roshi. O los Sándwiches si juegas a Dragon Power.
4. Hacer Puf-Puf: muy en la tónica del anterior, veremos una escena en la que vuelve a quedar patente la perversión desmedida del maestro de Son Goku.

Akira Toriyama participó en el diseño del juego

Cada vez es más habitual ver contribuciones de Akira Toriyama en los videojuegos de Dragon Ball. De hecho, ya prestó sus pinceles en  Le secret du dragon a través del diseño de varios de sus enemigos.

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Ese robot me suena

Era frecuente que en los juegos de NES muchos de los enemigos fuesen -básicamente- una variante de color del mismo sprite. Sin embargo, en la primera gran aventura del pequeño Goku algunos de ellos eran realmente originales. Incluso el canalla del Tori-bot, el alter ego de Toriyama, estaba en Dragon Ball: Le secret du dragon.

¿Cómo vencer al monstruo de la Muscle tower?

¿Te acuerdas de Buyon? Aquel enorme monstruo que habitaba en la Muscle Tower era invencible a los ataques de Goku en el manga, en el anime y, además, en el videojuego.

De hecho, para vencerlo en Dragon Ball: Le secret du dragon el proceso es básicamente el mismo que en la obra de Toriyama: debemos romper la pared y esperar a que se congele para darle el toque de gracia.

Dragon Ball: Le secret du dragon: Tramas no tan nuevas, pero creadas a medida

Bandai fue relativamente fiel a la obra original de Toriyama durante la primera mitad del juego, pero la segunda etapa de Dragon Ball: Le secret du dragon es todo un compendio de elementos sueltos inspirados en el manganime atados a una trama creada para la ocasión.

Una manera diferente de invitarnos a escalar la Muscle Tower, participar en el Gran torneo de las Artes marciales e incluso disfrutar de una pequeña aventura original.

Bola Extra: ¡¡Son Goku va a la luna!!

Es bastante probable que si has llegado hasta aquí conozcas los efectos colaterales de que el niño con cola de mono vea la Luna: como si fuera un hombre lobo, Son Goku se transforma en un colosal mono del tamaño de un edificio con un poder colosal. Le secret du dragon, sin embargo, hay un Capítulo en el que nuestro héroe viaja a la luna.

¿Una metida de pata? No exactamente. Se trata de la expansión de una historia en la que deberemos enfrentarnos en última instancia al Jefe Conejo. Y no está de más recordar que en el manga y el anime fue el propio Goku el que lo dejó allí a modo de castigo. Aquellos eran buenos tiempos y Toriyama se tomaba el humor muy en serio.

Le secret du dragon, la primera gran aventura del pequeño Son Goku en los videojuegos

El primer videojuego basado en las aventuras de Son Goku fue Dragon Ball: Dragon Daihikyō, fue lanzado a finales de septiembre de 1986 en Super Cassette Vision y aporta lo justo y necesario de la obra original. Más allá de los diseños del manga, básicamente, deberemos sobrevolar niveles con la nube kinton luchando con el bastón.

Le secret du dragon llegó a las Famicom niponas apenas unos meses después, y pese a todas sus licencias, que no eran pocas, conseguía reflejar el espíritu de las primeras travesuras del pequeño Son Goku y ese tono desenfadado tan característico del maestro Toriyama.

¿Un gran juego? Bueno, quizás no fuese excepcional, pero si lograba algo no tan frecuente entre los videojuegos basados en manga y anime: ser una buena adaptación.

El primer gran juego de Dragon Ball de muchos que llegarán después: tras Le secret du dragon llegaron experiencias roleras, aventuras originales, recreativas con mil experiencias diferentes y, con Dragon Ball Z emitiéndose en televisión, una muy generosa sucesión de juegos de lucha que iban en consonancia con la explosividad del anime.

A cambio, los videojuegos de Dragon Ball fueron perdiendo poquito a poco aquello que nos cautivó de las aventuras del pequeño Son Goku: el espíritu juvenil y ese humor irreverente en el que siempre hay margen para lo políticamente incorrecto. Sobre todo, cuando es visto a través de los ojos de un joven y alegre luchador con un corazón puro.

Sería injusto decir que el legado de Dragon Ball: Le secret du dragon se perdió cuando los saiyans comenzaron a volar y cambiar el color de sus cabellos. De vez en cuando Bandai ha retomado el espíritu de los primeros capítulos del manga a través de videojuegos excepcionales como Dragon Ball Advance Adventure o Dragon Ball Return of King Piccolo.

De hecho, el extra más goloso de la secuela de Dragon Ball Origins, las sensacionales adaptaciones para Nintendo DS de las aventuras del pequeño Goku y sus amigos, es una copia digital del propio Dragon Ball: Le secret du dragon. Un extra que, por desgracia, fue exclusivo de las versiones japonesas.

Y, a la vez, un reflejo de lo lejos que ha llegado Son Goku. Como luchador, claro, pero también como héroe y embajador del manganime a nivel internacional. Y, por supuesto, como súper-estrella de los videojuegos.

Las aventuras de Goku no acabaron con el final de impreso en el Shonen Jump ni se quedaron en el último episodio de Dragon Ball Z. Toei Animation dio continuidad a la obra de Akira Toriyama a través de dos series animadas: una Dragon Ball GT en la que el propio autor poco tuvo que ver, una Dragon Ball Super escrita por el genio nipón y ese experimento llamado Daima que llegó ya con Toriyama andando El Camino de la Serpiente. Y si bien en muchos puntos coinciden y en otros se contradicen, existe un consenso en que la autoría de Toriyama prevalece.

Lo que no es tan sabido es que en el amplio margen de tiempo que separa la emisión en antena del Grand Tour del pequeño Goku y el estreno cinematográfico de la Batalla de los Dioses, el célebre creador de Dragon Ball, Kowa o Dr. Slump ya imaginó cómo era el futuro del Dragon World. Es más, invitó a los fans a formar parte de él.

Dragon Ball Online fue un MMORPG (es decir, un juego de rol que transcurre en un mundo abierto online) cuyos acontecimientos nos llevan al año 1.000 de Dragon Ball. Es decir, han transcurrido 216 años desde Goku se despidió de los lectores en la última viñeta del manga. Un periodo de tiempo en el que, por cierto, han pasado una barbaridad de cosas.

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El papel de Toriyama en la ecuación no era simbólico, sino esencial: el creador del manga tuvo el total control creativo y supervisó todos los aspectos del juego, desde el apartado artístico al modo en el que se plasmaba la trama. Pasando, lógicamente, por el diseño de los personajes. Y no es para menos, Dragon Ball Online estaba llamado a ser la continuación de su obra.

El proyecto fue desarrollado a nivel internacional entre los estudios NTL Inc. (Corea) Shanda Games (China) y el propio Bird Studio de Toriyama afincado en el país del sol naciente. Y, como tantos prometedores MMORPGs, se vio obligado a cerrar sus puertas antes de expandirse más allá del territorio asiático.

Sin embargo, su legado y el enorme trabajo de fondo elaborado para él si ha conseguido perdurar gracias a proyectos posteriores, como Dragon Ball Xenoverse o Super Dragon Ball Heroes. No hace falta ser un lince para ver que el nuevo videojuego de la saga, titulado "Project Age 1000" parece ser una clara referencia a Dragon Ball Online.

Imagen del lobby de Dragon Ball Xenoverse 2, cuya premisa da continuidad a las ideas del MMORPG

Dicho lo cual, uno de los aspectos más fascinantes de Dragon Ball Online es el mimo que los estudios involucrados (y el propio Toriyama) pusieron a la hora de recrear su lore. Qué ocurrió durante esos más de doscientos años de historias en el mundo (y el universo) Dragon Ball para fascinar a los jugadores y fans y, lo más importante, qué legado dejaron nuestros personajes favoritos.

Por ello, en VidaExtra te hemos elaborado una suerte de cronología de los acontecimientos de Dragon Ball Online. Un ameno repaso a ese Dragon World no tan conocido y que fue creado expresamente para los fans de Goku y compañía.

El mundo de Dragon Ball sin Goku (y sin las dragon balls)

Diez años después de la batalla en el planeta kaioshin, Goku volvió a participar en el Tenkaichi Budōkai, el mayor evento de artes marciales del mundo. ¿El motivo? El saiyan que había salvado la Tierra y el propio universo en numerosas ocasiones confiaba en que un poderoso luchador estaría presente en el evento y deseaba conocer el alcance de su fuerza. Goku no solo estaba en lo cierto, sino que quedó asombrado.

Su rival era Uub, la reencarnación del pequeño Buu al que se enfrentó y venció gracias a la energía de todos los habitantes del universo. Pero también un pequeño niño proveniente de un pueblo muy humilde. Así que, en lugar de concluir su combate, el saiyan decidió despedirse de su familia y amigos para dedicarse a entrenar a aquella promesa. El mundo necesitaría nuevos héroes y, claro, Goku también ansiaba luchar de nuevo contra aquella demoledora fuerza.

Uub, el alumno de Goku, recogería el testigo como protector de la Tierra

Así, Toriyama decidió dejar la puerta entreabierta en lo referente al futuro de sus personajes, dando el testigo a una nueva generación de héroes y aventureros, asegurando a sus fans en la última de las viñetas del manga (sin contar con su nota de despedida) que todo iría bien.

Seguro que aún les quedan muchas historias emocionantes por vivir. Pero no os preocupéis, superarán cualquier peligro. ¡Para eso están las dragon balls!

Akira Toriyama había hecho varios regresos al Dragon World desde que cerrase el manga. A veces en clave humorística a través de cameos, colaboraciones e incluso parodias propias (como Neko Majin Z) y otras regalando pequeños apuntes e historias cortas. Sin embargo, sería con su implicación en el proyecto Dragon Ball Online donde no sólo retomó el curso de su historia, sino que su Bird Studio tomó derroteros distintos a los de Dragon Ball GT de manera abierta.

Por supuesto, el primer acontecimiento registrado en esta nueva etapa nos devuelve a los orígenes de Dragon Ball. En el año 779, cinco años antes de que Goku se plantease ir a entrenar con Uub, la famosa criminal Lunch reaparece haciendo ruido en las noticias: acaba de lograr su 100º fuga de prisión. Al año siguiente, el malvado emperador Pilaf intentaría conquistar el mundo sin éxito. Todo estaba como siempre y en su sitio.

Sería en el año 787 (años después de los sucesos de Dragon Ball Z y Dragon Ball Super y con Goku entrenando a su nuevo discípulo) cuando se producirían dos nuevos sucesos singulares:

• Por un lado, la todavía creciente la popularidad de Mr. Satan y Mr. Buu a nivel mundial ha inspirado a toda una generación, quienes encuentran en las Artes Marciales mucho más que un deporte. Es más, los participantes en el Tenkaichi Budōkai son cada vez más prometedores.
• Por otro, Dende decidió desactivar las dragon balls. Y no solo por la propia desaprobación de los kaioshins, sino porque consideró que el universo estaría en riesgo mientras estuvieran dispersas por el mundo.

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El inicio de una nueva era de héroes

En el año 790 ocurriría un hecho insólito: Mr. Buu, el nuevo nombre de Majin Buu, encontraría por casualidad una de las revistas para adultos de Mr. Satan. La obra en cuestión,  titulada Bob & Margaret, despertará la curiosidad de la criatura, creando ese mismo año y a través de su magia una versión femenina de sí mismo: Miss Buu. Un año después, y a través de la técnica del Love Beam, la pareja  tendría el primero de sus muchos retoños.

Mientras tanto, Gohan continúa su carrera como científico e incluso se encuentra investigando para un libro que tendría un enorme impacto en la humanidad: The Science of Ki-Control combina sus conocimientos académicos con lo aprendido sobre la energía vital a lo largo de su vida como luchador.

Y no sería la única fuente de inspiración para la nueva generación de héroes. Trunks y Goten, los hijos de Vegeta y Goku respectivamente, inauguraron en el año 804 la Kikoukenjutsu Sword School, una escuela de artes marciales cuyas técnicas canalizaban el muy creciente interés generado en torno la obra de Gohan.

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Desafortunadamente, no todo el futuro del Dragon Ball son buenas noticias. En el 820, el mundo perdería a Mr. Satan, recibiendo un homenaje de talla mundial. Ese mismo año, el ejército galáctico de Freezer asaltará la Tierra, siendo contenido por los alumnos de la escuela de Trunks y Goten y sirviendo para que los Guerreros Z (los héroes del pasado) se reúnan una vez más.

Al año siguiente, Krillin abrirá la escuela del estilo Tortuga al mundo y Tien ShinHan hará lo propio con la escuela del estilo Grulla, dando en ambos casos el relevo, la filosofía y las técnicas de sus maestros a una nueva generación de héroes y justicieros terrícolas. Por otro lado, un Yajirobe entrado en edad comienza a cultivar las semillas del ermitaño más allá de la Torre de Korin. Mientras tanto, la raza de los Majins siguió esparciéndose por la Tierra.

Nuevos peligros, nuevas aventuras

Estamos en el año 851 y dos fuerzas misteriosas han destruido el nuevo planeta Namek. Se especuló que se trataba de enemigos capaces de viajar por el tiempo, y aquello solo era la punta del iceberg: oscuras fuerzas provenientes del Reino de los Demonios comenzaron a sembrar el caos por el tiempo y el universo.

En consecuencia de la desaparición de su planeta, Moori, el gran anciano de Namek, se establece en la Tierra junto con varios cientos de namekianos, residiendo inicialmente en la Ciudad del Oeste y, posteriormente estableciéndose en su mayoría en las colinas de Yunzabit, reformándolas y bautizándolas como las Rocas de Porunga, el dios dragón de Namek.

En el año 853 los namekianos no solo habían propagado su cultura y conocimientos entre los terrícolas, sino que habían asimilado los de su nuevo hogar. De este modo, influenciados por el furor en torno a las Artes marciales, parte del pueblo considerado pacífico (con notables excepciones) comenzó a estudiar y entrenar sus excepcionales habilidades para el combate.

La Tierra en el año 900 es muy dispersa. Unos años antes, los Majiin celebraban el 100º aniversario de su raza. Mientras tanto, una estirpe de namekianos se tornó maliciosa y volvió a vestir los hábitos del malvado rey Piccolo. Incluso comenzaron a aparecer vasallos oscuros, amenazadoras mutaciones namekianas como las que aterrorizaron el planeta cientos de años atrás. Más allá de la Tierra, las fuerzas emergentes del ejército de Freezer continuaron operando a lo largo del espacio, haciendo incursiones eventuales en el planeta.

En cuanto a los terrícolas, si la pasión por las artes marciales se popularizó, también ascendió en consecuencia la criminalidad. Y ahí no acaba la cosa: varias facciones comenzaron a alterar la paz en el planeta como el Ejército de los Red Pants liderado por el Androide 9 y el General Bon; o la banda de Paella (el sucesor de Pilaf) quienes en el año 988 reclamarán para sí la región de Kinoko.

El General Bon, del Ejército de los Red Pants

Ante este caos, Dende, el Dios de la Tierra, decide devolver las dragon balls a su actividad, limitando previamente sus poderes. En ese contexto, el mundo daría un enorme salto en lo referente a la tecnología: la tierra delegó a los habitantes del planeta Yadrat que enseñaron la técnica del Shunkan Idō a Goku (el cambio de lugar instantáneo) la creación de unas máquinas de teletransporte. Algo muy conveniente para el juego.

En el año 999 el Trunks del futuro alternativo asentará en la Tierra una nueva división de héroes: los Patrulleros del tiempo. Y es entonces cuando todo está listo y alineado para que Dragon Ball Online le de al jugador la oportunidad de participar en su mundo.

La Kaio del Tiempo ayudará a Trunks y su patrulla a restituir la historia en las series Xenoverse y Heroes

Así, llegamos al año 1.000 del Dragon World. La Tierra ahora es un crisol de culturas y razas. Pero también una fuente inagotable de aventuras. Lo cual, sumado a la incombustible pasión por las artes marciales, lo convierte en un contexto fascinante para nuevas historias y batallas apoteósicas contra las emergentes facciones que amenazan la paz.

Y ahí no acaba la cosa: Trunks lidera su propia patrulla de justicieros temporales, honrando el legado de las dragon balls y sirviendo como punto de partida (e invitación) a Dragon Ball Online.

El legado de Dragon Ball Online

Dragon Ball Online cerró sus servidores en 2013, pero Bandai Namco ha continuado aquellas ideas de Toriyama hasta nuestros días a través de sus videojuegos. E incluso más allá: tras la emisión del último capítulo de Dragon Ball Super en televisión comenzó a llegar a las pantallas niponas Super Dragon Ball Heroes, un nuevo anime que parte de estos acontecimientos como premisa.

Está claro que algunos de los sucesos de Dragon Ball Super -incluyendo el manga de Toriyama y Toyotaro- no cuadran (al menos de momento) con la trama de Dragon Ball Online. A fin de cuentas, el artista nipón tiene menos recuerdos de su propia obra publicada que sus propios fans. De hecho, salvo que se diga lo contrario, estos 2016 años de historia parecen estar en sintonía con esas historias alternativas, como las OVAs de los 90. Y, en consecuencia, fuera del canon.

Siendo justos, conviene tener en cuenta que el modo en el que se estableció el propio lore del MMORPG antes de su lanzamiento da pie a que haya cambios muy drásticos en las líneas del tiempo. Cambios como la referida destrucción del nuevo planeta Namek. Al final, todo queda reducido a la palabra de Toriyama y la predisposición de los fans.

Por su parte, varios de los personajes clave diseñados para Dragon Ball Online han aparecido en la mayoría de juegos publicados por Bandai Namco por todo el mundo, incluyendo títulos tan diversos como Dragon Ball Z: Extreme Butoden, Dragon Ball Xenoverse o, más recientemente, Dragon Ball Z: Kakarot, donde Trunks y su patrulla del tiempo toman parte y, de paso, dan al jugador una suerte de engdame.

Las diferentes razas y clases seleccionables en Dragon Ball Online

Dragon Ball Online no fue rival para World of Warcraft, pero el lore y el contexto de creado para este juego tenía  poco o nada que envidiar a las tramas de Blizzard. Y lo que es más difícil: se atrevió a dar una soberbia continuación al manganime de culto, permitiendo que nuevos héroes tomen el relevo de aquellos personajes con los que crecieron generaciones enteras.

Sin embargo, lo mejor de todo es el modo -sutil, pero magistral- en el que ese relevo que siempre quiso dar Toriyama a Goku acaba en manos de sus propios fans. Permitiéndoles volar, lanzar cañones de energía y vivir aventuras en los escenarios de la etapa más aventurera de su obra. De manera consciente (o no) el maestro del manga puso el futuro de su obra en manos de aquellos que más la disfrutaron. Y, al tomar forma de videojuego, le dio vida propia. Ante eso, uno solo puede quitarse el sombrero.

Sabíamos que se venían novedades sobre Dragon Ball y Bandai Namco no ha decepcionado para nada. Dragon Ball New Game Project AGE 1000 es el título que recibe el nuevo videojuego de la legendaria saga y que aterrizará en 2027 para que alucinemos con nuevos diseños de Akira Toriyama.

No se ha concretado una fecha exacta para su desembarco, del mismo modo que desconocemos las plataformas en las que podremos jugar. En cualquier caso, lo que sí tenemos claro es que hablamos de una producción que ha estado en desarrollo durante seis o siete años, incluyendo la fase inicial de concepto, y cuenta con un nuevo personaje diseñado por el icónico mangaka.

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Estamos hablando de un mundo nuevo, así como personajes que surgieron de la mente de Toriyama antes de su fallecimiento en 2024. No está claro qué clase de propuesta tendremos a nivel jugable ni contextual, ya que únicamente hemos visto al que parece ser el protagonista peleando contra enemigos en una sala repleta de tecnología. Posteriormente aparece Son Goku, el personaje se transforma en Super Saiyan y nos quedamos con la duda de qué es lo que está ocurriendo.

Quizás hablemos de una línea temporal distinta a la que hemos conocido a lo largo de estos años, pero sí se nos ha indicado que Project AGE 1000 presentará más personajes a medida que se desarrolle la aventura. ¿Se refiere Bandai Namco a expansiones o a un juego como servicio que se irá nutriendo de contenido progresivamente?

Sea como sea, tendremos más información sobre el juego en el Dragon Ball Games Battle Hour 2026, que se celebrará los días 18 y 19 de abril de 2026 en el Shrine Auditorium and Expo Hall de Los Ángeles, California.

Divertidísimo, brillantemente absurdo y eternamente alegre. Dr. Slump es un derroche de genialidad y bendito surrealismo en el que el lector siempre orbita entre la ciencia ficción y el humor escatológico. Y pese a que las aventuras de Arale y Senbei Norimaki están a la sombra de Dragon Ball, ningun manga representa tanto y tan bien el auténtico espíritu de Akira Toriyama. Por eso te va a gustar tanto.

Leer Dr. Slump o adentrarse en su anime es como abrir una ventana a un mundo donde la lógica se toma vacaciones y la imaginación gobierna con absoluta libertad. Desde la primera página, Toriyama te invita a un viaje que mezcla inocencia, humor absurdo y una energía creativa que parece inagotable. Es una obra que no solo se lee: se experimenta, se respira y se disfruta con una sonrisa constante.

La emoción proviene de su capacidad para sorprender. Cuando crees que ya has entendido el tono, aparece un gag inesperado, un personaje imposible o una situación tan surrealista que solo puedes reírte y seguir adelante. Dr. Slump no busca la épica ni el drama; busca el placer puro de contar historias que desafían cualquier expectativa.

Y quizá lo más emocionante es que, pese a su humor desenfadado, el manga transmite una calidez especial. Los habitantes de la Villa del Pingüino se sienten como viejos amigos, y cada capítulo es una visita a un lugar donde la alegría es la norma y la imaginación carece de límites. Esa mezcla de ternura, locura y creatividad es lo que convierte a Dr. Slump en una lectura inolvidable. En algo insólito y, a la vez, infinitamente especial.

El manga más divertido de Akira Toriyama

La trama de la mayoría de capítulos gira en torno al excéntrico inventor Senbei Norimaki, un genio tan brillante como torpe, que decide crear a la niña androide perfecta: Arale. Y aunque su intención es fabricar una compañera adorable y funcional, el resultado es una niña de apariencia inocente pero con una fuerza descomunal, una ingenuidad encantadora y una tendencia natural a provocar caos sin querer. Desde ese momento, La Villa del Pingüino nunca vuelve a ser la misma.

A partir de ahí se acaban las premisas precocinadas. El hilo narrativo no sigue una línea argumental rígida; más bien se compone de episodios y mini-arcos autoconclusivos donde Toriyama explora situaciones absurdas, parodias de géneros, viajes en el tiempo, invasiones extraterrestres y hasta rupturas de la cuarta pared. El humor es el motor de todo: juegos de palabras, chistes visuales, exageraciones físicas imposibles y un sentido del ritmo y la comedia que Toriyama domina como pocos mangakas.

Las relaciones entre los personajes son el corazón del manga. Arale y Senbei forman una dupla cómica perfecta: ella es la fuerza imparable y él, el cerebro despistado (y bastante picarón) que intenta mantener el orden. A su alrededor orbitan figuras memorables como las Gatchan, los angelitos glotones capaces de comerse cualquier cosa; Akane, la chica rebelde del pueblo; o el Dr. Mashirito, el villano más ridículo, malvado y entrañable que jamás ha hecho Toriyama.

El estilo visual de Akira Toriyama era sencillo, pero colmado de alegría y dinamismo

El humor también nace de la convivencia en la Villa del Pingüino, un lugar donde todos parecen aceptar lo imposible con absoluta naturalidad. Allí, un robot puede ir al colegio, un dinosaurio puede ser mascota y un extraterrestre puede pedir direcciones sin que nadie se inmute. Esa normalización de lo absurdo es una de las claves del encanto del manga.

Finalmente, la relación entre los personajes evoluciona de forma sutil pero significativa. Aunque Dr. Slump es una comedia, Toriyama deja entrever vínculos afectivos, amistades sinceras y una comunidad que, pese a su rareza, funciona como una gran familia sin frenar el dinamismo del conjunto o poner límites a una obra en la que literalmente puede ocurrir cualquier al pasar de página. Esa humanidad escondida entre chistes es lo que hace que el lector regrese una y otra vez.

La creación de Dr. Slump: inspiración y surrealismo

Akira Toriyama concibió Dr. Slump en un momento en el que buscaba una obra ligera, divertida y sin las presiones narrativas de un shonen tradicional. Su inspiración provino de su amor por la comedia slapstick, los dibujos animados que llegaban de los Estados Unidos y su propio sentido del humor, marcado por la irreverencia y la espontaneidad. De hecho, Toriyama siempre ha confesado que disfruta más creando humor que acción, y Dr. Slump es la prueba perfecta.

Personajes del rechazado Ageha Town Observation Diary que más tarde será Dr. Slump

En este aspecto, del mismo modo en que Dragon Boy sirvió de trampolín para la existencia de Dragon Ball, la propuesta Ageha Town Observation Diary que rechazó Kazuhiko Torishima, el primer editor de Toriyama, fue la base sobre la que se construirá este divertido universo de personajes en el que había espacio para robots, extraterrestres, estudiantes de instituto, animales antropomórficos, inventos con personalidad propia, superhéroes y en el que, además, participaba de manera activa el propio autor como un vecino más de la Villa del Pingüino.

El diseño de personajes refleja influencias del manga clásico, la animación de los años 60 y 70 y la estética juguetona que Toriyama desarrollaría más tarde en Dragon Ball. Arale, por ejemplo, combina la ternura de un personaje infantil con la fuerza de un héroe de acción, creando un contraste que alimenta muchos de los mejores gags de la serie.

Para desarrollar historias surrealistas, Toriyama adoptó un enfoque casi improvisado. Muchas tramas nacían de ideas espontáneas, juegos visuales o simples ganas de dibujar algo absurdo. Su proceso creativo se basaba en la libertad total: si quería introducir un dinosaurio, lo hacía; si quería romper la cuarta pared, también. Esa falta de restricciones convirtió al manga en un laboratorio de creatividad.

Los personajes de Dr. Slump en una de las elaboradísimas portadillas de Toriyama

Además, Toriyama utilizó Dr. Slump para experimentar con estilos, formatos y recursos narrativos. Desde capítulos mudos hasta parodias de ciencia ficción, pasando por humor escatológico o referencias culturales inesperadas, el autor exploró todas las posibilidades del medio. Esa experimentación constante es una de las razones por las que el manga sigue sintiéndose fresco décadas después.

El encanto único y a la vez universal de la Arale de Toriyama

Hablar de Arale Norimaki es hablar de uno de los personajes más singulares y, paradójicamente, más universales del manga. Akira Toriyama la concibió como una androide infantil, torpe en lo social pero desbordante de energía, y terminó creando un icono que trasciende generaciones. Su encanto nace de esa mezcla entre inocencia absoluta y poder descomunal, un contraste que Toriyama explota con precisión quirúrgica para generar humor, ternura y caos a partes iguales.

En Dr. Slump, Arale funciona como catalizador de un mundo donde la lógica se dobla, se retuerce y finalmente se rinde ante el absurdo. Pero lo interesante es que, pese a lo delirante del entorno, ella nunca es la broma: es el corazón. Toriyama la dibuja con una expresividad que combina simplicidad y carisma, logrando que cada gesto, desde su sonrisa ingenua hasta su famosa coletilla de "¡N'cha!", se convierta en un sello emocional reconocible incluso para quienes jamás han leído el manga.

Su universalidad también proviene de su rol como "outsider perfecto". Arale no entiende las normas sociales, pero tampoco las cuestiona: simplemente las atraviesa con una sinceridad tan pura que desarma. Esa cualidad la convierte en un personaje que conecta con lectores de cualquier edad, porque encarna la libertad de ser uno mismo sin pedir permiso. Toriyama, maestro del gag visual, utiliza esa perspectiva para construir humor que no depende del idioma ni del contexto cultural.

Toriyama disfrutaba como un niño dibujando el universo y las portadillas de Dr. Slump

Además, Arale representa un punto clave en la evolución del propio Toriyama. En ella se ve el germen de su estilo narrativo: la mezcla de slapstick, ternura y acción exagerada que más tarde definiría Dragon Ball. Su presencia en crossovers y cameos posteriores no es solo un guiño nostálgico, sino un recordatorio de que Toriyama siempre consideró a Arale una pieza esencial de su identidad creativa. Es su musa traviesa, su recordatorio de que el manga puede ser profundamente divertido sin perder alma.

Y es que el encanto único y universal de Arale reside en su capacidad para unir mundos: el de la comedia absurda y el de la emoción sincera, el de la ciencia ficción y el de la infancia eterna. Es un personaje que no envejece porque nunca pretendió ser realista; su fuerza está en lo genuino. Toriyama creó con ella un símbolo de alegría desbordante, un pequeño terremoto con gafas que sigue recordándonos que el humor, cuando nace del corazón, no conoce fronteras.

10 curiosidades sobre Dr. Slump

Arale no iba a ser la protagonista. Es más, solo iba a salir una vez

Pese a que fue creada antes que Senbei, Arale solo iba a aparecer en el primer capítulo de Dr. Slump. Lo cierto es que Toriyama diseñó primero a la niña robot, queriendo que fuese un robot enorme y luego inventó al científico para justificar su existencia. Al final vio que iba a ser muy difícil de dibujar y adaptar a las viñetas y acabó siendo una niña pequeña y, tras perder una apuesta con Torishima, se convirtió en la estrella del manga.

Toriyama justificó su cambio de estilo al dibujar a Arale

Como todos los artistas de manga en el que la comedia es el ingrediente principal, el estilo de Akira Toriyama al dibujar se adaptaba a cada historia y situación. Con todo, al principio Arale era una chiquilla con unas características más o menos normal para su edad y su cuerpo se fue hasta parecer el de una niña pequeña. ¿A qué se debe? Según descubrimos en el manga, resulta que tiene varios cuerpos de reemplazo. ¡Toriyama se las sabe todas!

Gatchan originalmente iba a ser un personaje único.

Gadzilla Norimaki, cuyo nombre se le ocurrió a Arale al fusionar el de Gamera y Godzilla, es un personaje verdaderamente especial: no va a la escuela pero siempre ha tenido sus propias aventuras en La Villa del Pingüino. En un momento del manga Toriyama decidió duplicarlo porque "dos eran más divertidos". Por cierto, quien las envió a la Villa es exactamente igual al Maestro Roshi.

Toriyama aparece mucho en el manga 

Primero aparece caricaturizado o con forma de pájaro (Toriyama significa Monte de pájaros) y luego en forma de robot, y es un personaje muy recurrente que interactúa con sus propias creaciones. De hecho, a menudo organiza eventos delirantes y les promete a Arale y sus amigos grandes premios que dibujará en los siguientes capítulos.

La Villa del Pingüino existe

El pueblecito en el que transcurre la obra está inspirado en la ciudad natal del autor, Nagoya, aunque exagerada hasta el absurdo. De hecho, a Toriyama le encantaba recordar al lector que este divertidísimo universo tuviese un aire pueblerino, pero sus protagonistas incluso vivían aventuras en el espacio o a través del tiempo. Un contraste que funcionaba de maravilla.

El gran villano de Dr. Slump es el editor de Toriyama

 El Dr. Mashirito es una parodia directa del editor de Toriyama, Kazuhiko Torishima. El mismo que ahora se dedica a sacarle los colores a Dragon ball Super. En Dr. Slump es el archienemigo jurado de Senbei, su casa es igualita a R2-D2 de Star Wars  y su aspecto es una caricatura descarada de Torishima.  

Arale hace varios cameos en Dragon Ball 

El mundo de Dragon Ball y el de Dr. Slump están conectados. La primera vez que se cruzan ambas obras es durante el arco de la Red Ribbon, demostrando que Arale y Goku comparten continuidad. Luego aparecerán juntos en películas, las versiones de anime, los videojuegos... Y muchos años después la veremos de nuevo, junto a Senbei y el Dr. Mashirito en el anime de Dragon Ball Super. 

Los dos mayores honores que Toriyama ganó con Dr. Slump

El manga ganó el Premio Shogakukan en 1982, uno de los más prestigiosos de Japón. Además, durante la publicación conoció a la que finalmente será su mujer Yoshimi Kato (quien también era dibujante de manga bajo el pseudónimo de Nachi Mikami) y, tras su boda, ayudaba tanto a Toriyama como a su asistente para evitar los retrasos en los plazos de entrega. Algo que jamás fue un secreto: ¡se mencionaba en el propio manga!

Cómo Toriyama creó muchos inventos imposibles 

Las ocurrencias imposibles de Senbei Norimaki eran, en esencia, juguetes que le gustaría tener a Akira Toriyama. Aunque, en honor a la verdad, también hay cacharros que este disparatado científico utiliza para fines bastante pervertidos. En el manga deja implícito que esos, en específico, se los sugirió su editor. ¿Será verdad?

Dr. Slump ha vendido más de 30 millones de copias

El manga Dr. Slump fue publicado en 18 tomos entre abril de 1981 y febrero de 1986 superando las 30 millones de copias. Además, el primer anime tuvo más de 240 episodios y cinco películas, convirtiéndose en un fenómeno televisivo en Japón y España (especialmente Cataluña). Luego se produjo un segundo anime en los 90s.

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Legado e influencia de Dr. Slump

El legado de Dr. Slump es inmenso. Aunque a menudo queda eclipsado por el éxito colosal de Dragon Ball, esta obra fue la que consolidó a Toriyama como un autor de culto y demostró su capacidad para crear mundos vibrantes y personajes inolvidables. Su humor, su estilo visual y su energía creativa marcaron a toda una generación de lectores y artistas.

Y es que Dr. Slump demostró que un manga no necesita grandes batallas ni tramas complejas para triunfar. A veces, basta con personajes carismáticos, situaciones ingeniosas y un autor dispuesto a divertirse. Esa filosofía sigue inspirando a creadores de todos los medios.

Además, es fácil encontrar mangakas y creativos de diferentes medios contemporáneos que citan Dr. Slump como una influencia clave, especialmente en el ámbito de la comedia y el slice of life surrealista. La libertad narrativa que Toriyama mostró abrió puertas para que otros autores experimentaran sin miedo a romper las reglas del género. 

Sin ir más lejos, la manera en la que corre Super Mario está inspirada en Arale. Y no es lo único que Nintendo tomó prestado de Dr. Slump.

Si has jugado a Super Mario estoy seguro de que el disfraz de Arale, las montañas y el estilo artístico te resultan muy familiares

En el terreno del anime, la primera serie animada del Dr. Slump ayudó a popularizar un tipo de humor más físico, absurdo y visual que luego se convertiría en un sello de la animación japonesa. Arale, con su risa característica y su inocencia explosiva, se convirtió en un icono cultural que aún hoy es reconocible en todo el mundo. 

Y es que el legado de Dr. Slump es el de un manga que celebra la imaginación sin límites. Su influencia se siente en la comedia de todos los mangas que llegaron después, su ritmo sentó nueva cátedra en el papel y la televisión y, no menos importante, definió el toque maestro de Toriyama que definirá propia evolución del manga shonen hasta nuestros días. Pero, por encima de todo lo anterior, es una obra que sigue viva porque su humor es universal y su espíritu eternamente joven.

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Pocos personajes de Dragon Ball han tenido una evolución tan rica, compleja y sorprendente como Piccolo. Lo conocimos como villano, lo vimos convertirse en mentor y, con el tiempo, en uno de los héroes más respetados del universo creado por Akira Toriyama. Pero detrás de su figura solemne, su capa blanca y su eterna seriedad, siempre ha existido una pregunta que los fans han repetido durante décadas: ¿cómo se llama realmente Piccolo?  

La cosa no es tan simple como parece, porque su identidad está profundamente ligada a su origen, a su linaje y a los eventos que marcaron su vida antes incluso de llegar a la Tierra. De hecho, no fue hasta el estreno de Dragon Ball Daima, en 2024, que descubrimos que su linaje procede del Reino Demoníaco, aunque ya se nos había puesto sobre la mesa el nombre de su padre. De modo que hay ciertos puntos de partida.

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Lo más esencial: en Dragon Ball somos testigos de cómo Piccolo nace como la reencarnación del Rey Demonio Piccolo (Piccolo Daimao), un ser que, a su vez, era la mitad malvada del Namekiano que más tarde conoceríamos como Kami-sama. Y esto es importante: cuando Rey Demonio Piccolo muere a manos de Goku, expulsa un huevo que contiene a su hijo y sucesor: por eso, durante años, se asumió que su nombre completo era simplemente Piccolo, heredado de su antecesor. 

Posteriormente, y dado el terror sembrado por su padre en todo el planeta, el namekiano adoptará el nombre de MaJunior, siendo un juego de palabras que evoca a ser el "hijo del demonio". Y técnicamente es un acierto ya que, no tenía otro nombre: era la continuación de un linaje roto, un ser nacido para vengar a su padre y reclamar el título de Rey Demonio. Sin embargo, esta explicación se volvió insuficiente cuando Toriyama expandió el lore namekiano y reveló que Piccolo no era un demonio, sino un extraterrestre de Namek. Y ahí empezó el rompecabezas.

La revelación de Namek: el verdadero nombre del padre

En la saga de Freezer, se descubre que el padre original de Piccolo antes de dividirse en el Dios de la Tierra y Piccolo Daimao era un namekiano llamado Katas (o Kattatsu en algunas traducciones). Esto significa que Piccolo, como reencarnación del Rey Demonio Piccolo, es a todos los efectos hijo de Katas, aunque nunca lo conoció. De modo que, cuando Kami Sama y "Piccolo Jr." volvieron a ser un mismo namekiano él mismo dejó claro que era alguien que olvidó su propio nombre.

Pero aquí viene el detalle importante: los namekianos no suelen tener apellidos ni nombres compuestos, y durante el desarrollo de la historia el personaje de Piccolo Daimao y su hijo nunca recibieron un nombre propio de su especie. Su identidad quedó marcada por la herencia demoníaca, no por la tradición namekiana. Salvo una única vez en una nota dejada por el propio Akira Toriyama.

Tal y como se puede leer en los extras de la edición Legend de Dragon Ball, Toriyama dejó escrito que la reencarnación de Piccolo Daimao y el adversario definitivo de Goku durante el 23º Gran Torneo de las Artes Marciales se iba a llamar Koma. Lo que desconocemos es si este nombre evoca al que conocemos como Piccolo Jr. o se trata directamente del nombre original del namekiano que llegó a la Tierra desde Namek.

En cualquier caso, cuando con la llegada de Dragon Ball Super, Toriyama y Toyotaro ampliaron aún más la cultura namekiana. En el arco de Granolah, por ejemplo, se explica que los namekianos pertenecen a clanes y que sus nombres suelen tener significados o patrones lingüísticos. De modo que hay una resonancia entre los nombres de Katas y Koma.

Un caso singular: Piccolo no es "Piccolo", aunque todos le llamen así

La otra realidad: el personaje que hoy conocemos como Piccolo nunca tuvo un nombre namekiano propio. De hecho, tras volver a unir su cuerpo con el del Dios de la Tierra se presentó como el de un Namekiano que había olvidado su propio nombre. Y pese a que Goku trató de fusionar los nombres de Kami Sama y Piccolo como "Kamiccolo", dado que la base que se había usado era la de Piccolo, aquel namekiano que olvidó su nombre decidió que lo más práctico es continuar respondiendo al nombre de "Piccolo".

De modo que tenemos dos conclusiones: un nombre olvidado por todos, y que Toriyama anotó como "Koma", y su nombre oficial que sigue siendo Piccolo. Sin apellidos, sin títulos heredados y sin variantes más allá de las que le pongan los hijos y nietos de Goku por respeto. Y es un caso único: un namekiano criado en la Tierra, con un nombre heredado de un ser que ni siquiera representaba su verdadera especie. De modo que, por darte una respuesta definitiva, el nombre de Piccolo… es Piccolo. Incluso cuando, técnicamente, dejó de existir ese namekiano durante la saga de los Androides y de Cell.

Y pese a que dicho así puede sonar tan simplón como Toriyamesco, tiene sentido dado que pese a que su linaje viene de Katas, pero su nombre no. Pero es que lo fascinante es que Piccolo no necesita otro nombre. Su historia es la de un ser que nació para ser malvado, pero eligió ser bueno. Que heredó un nombre oscuro, pero lo transformó en un símbolo de honor. Y que, como ya dijo Toriyama, cuando se transformó en Piccolo Naranja durante Dragon Ball Super: Super Hero, tampoco tiene mucho talento a la hora de inventarse nombres.

Y, pese a todo, su identidad no está en un nombre secreto o el que heredó del Gran Rey de los demonios, sino en su evolución: de enemigo mortal de Goku a maestro de Gohan, de guerrero solitario a uno de los pilares morales Dragon Ball.

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Leer Dragon Ball es una experiencia en sí misma. Puedes hacerlo a través de una pantalla, en formato Kindle o como prefieras, y tienes una barbaridad de ediciones ya publicadas en español: la Ultimate con un formato más grande, la FullColor con cada página rebosante de color, las originales... pero si tienes que elegir una manera de disfrutar y tener la obra maestra de Akira Toriyama de manera integral, que sea a través de la Dragon Ball Edición Legend. No es barata, pero si las aventuras de Goku y compañía son parte de tu vida vale cada céntimo.  

Pasar las páginas de Dragon Ball es y siempre será más que seguir la historia de un héroe intrépido sediento de aventuras y deseoso de hacerse cada vez más fuerte: es reencontrarse con una obra esencial que, más que un fenómeno, es una parte de nuestra cultura. La Edición Legend de Planeta Cómic recupera esa sensación primigenia de descubrimiento, como si volviéramos a abrir una revista de los 80 y los 90 y nos encontráramos con Goku por primera vez. Y si jamás has leído una sola página no te preocupes: el manga de Toriyama tiene ese extraño poder de conectar con cualquier lector, sin importar la edad, porque su humor, su ritmo y su sentido de la aventura siguen siendo universales.

Para quienes crecieron con la serie en televisión, esta edición funciona como un puente emocional entre generaciones. Padres que leyeron el manga en su adolescencia ahora pueden compartirlo con sus hijos, y ambos encuentran algo distinto en sus páginas: los mayores redescubren la chispa original, mientras que los pequeños se sorprenden con un estilo narrativo que, pese a su antigüedad, sigue sintiéndose fresco. Sigue dando lecciones magistrales a los autores. Y no es una apreciación personal, sino algo confeso y consensuado. Toriyama tenía un talento único para la claridad visual y la comedia física, y eso no envejece.

Pero es que, incluso en esas, Dragon Ball es una obra que ha marcado a toda una industria del cómic y el entretenimiento. Muchos autores actuales, desde Eiichiro Oda de One Piece y Masashi Kishimoto de Naruto hasta Kohei Horikoshi de My Hero Academia, han reconocido que Toriyama fue su faro creativo. Volver a leer la serie en un formato tan cuidado, tan auténtico y fiel a como se publicó por primera vez, permite apreciar mejor esa influencia: la composición de página, la expresividad de los personajes, la mezcla perfecta entre acción y humor. Todo está ahí, intacto, como si el tiempo no hubiera pasado.

La Edición Legend también despierta una emoción especial porque llega tras la pérdida de Toriyama. Cada página se siente como un recordatorio de su genio, de su capacidad para crear mundos que se quedan grabados en la memoria colectiva. Leer Dragon Ball hoy es también rendir homenaje a un autor que cambió la historia del manga para siempre.

Y, sobre todo, esta edición permite experimentar la obra con una mirada renovada. No es solo nostalgia: es la constatación de que Dragon Ball sigue siendo un pilar cultural, un relato que ha acompañado a millones de personas y que continúa inspirando a nuevas generaciones. Muy pocas obras actuales o clásicas pueden presumir de semejante legado. 

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Un formato que celebra el 40 aniversario recuperando el espíritu del Weekly Shonen Jump

La Edición Legend de Dragon Ball no es un simple recopilatorio: es un proyecto editorial diseñado para replicar la experiencia original de lectura en el Weekly Shonen Jump. Planeta Cómic ha apostado por un formato más grande, cercano al tamaño revista, que permite disfrutar del trazo de Toriyama con una claridad y una presencia que las ediciones estándar no podían ofrecer. Es un homenaje directo al modo en que los lectores japoneses descubrieron la serie semana a semana.

Este tamaño ampliado no solo mejora la legibilidad, sino que resalta la composición de página, un aspecto en el que Toriyama era maestro absoluto. Sus escenas de acción, sus silencios cómicos y sus transiciones funcionan de manera distinta cuando se ven en gran formato: la narrativa respira, los golpes tienen más impacto y los gags visuales recuperan su timing original.

Además, la edición respeta la estructura de capítulos tal y como se publicaron en la revista, incluyendo portadillas, páginas a color restauradas y hasta los detalles como las anotaciones de los márgenes que se habían perdido en ediciones anteriores. Esto convierte cada tomo en una cápsula histórica, un viaje directo a la época dorada del manga impreso entre los 80s y los 90s.  

El papel elegido también contribuye a esa sensación retro. No es el papel satinado moderno, sino uno más cercano al tacto y al tono del papel de revista, aunque con una calidad superior para garantizar durabilidad. Es un equilibrio perfecto entre fidelidad histórica y estándares actuales. Quizás no tiene el grosor de los tomos de la edición Ultimate de Dragon Ball, pero lejos de ser un paso hacia atrás se agradece ya que cada volúmen incluido en los cofres incluye aproximadamente 500 páginas. Es decir, no necesitarás un atril para leer. 

Finalmente, el formato de publicación, con volúmenes que abarcan arcos completos o bloques narrativos coherentes, permite revivir la progresión natural de la obra. Cada uno de los cofres abarca una etapa específica de modo que el primero contiene los orígenes y la parte más aventurera de la obra, mientras que el segundo se centra la llegada de los saiyans hasta el despertar y triunfo del super saiyan, ofreciendo las sagas de los androides, Cell y Buu para el tercer y último set. Ahora bien, no es una lectura fragmentada: es una experiencia fluida, casi ceremonial, que celebra los 40 años de Dragon Ball como se merecen.

Detalles especiales: lomos por sagas, nueva traducción y guiños para fans veteranos

Uno de los elementos más llamativos de la Edición Legend es el diseño de los lomos, que cambian de color según la saga. Desde los tonos cálidos de la etapa clásica hasta los colores más intensos de la Saga de Freezer o los matices más oscuros de la Saga de Buu, cada tomo funciona como una pieza de un mosaico visual que los coleccionistas van a disfrutar enormemente. En conjunto, la colección forma una línea cromática que resume la evolución emocional de la serie. De hecho, aquellos volúmenes en los que se celebra un Gran Torneo de las Artes Marciales tienen su propio color. Cada detalle suma.

La nueva traducción española es otro de los grandes atractivos y, para muchos de nosotros, le añade un valor superior. Planeta ha revisado completamente el texto para acercarlo más al original japonés, corrigiendo licencias que no han estado acertadas o directamente no funcionan. Y sí, se han recuperando nombres auténticos. El caso más celebrado es el de Vegetto, que por fin recupera su nombre original tras demasiadas reimpresiones en las que Planeta trató -sin suerte- de rebautizarlo como Vegerot. Este tipo de cambios no solo aportan fidelidad, sino que demuestran un respeto mucho más profundo por la obra de Toriyama.

También se han restaurado onomatopeyas, chistes visuales y matices lingüísticos que en ediciones anteriores se habían perdido o suavizado. Esto permite que el humor toriyamesco (tan físico, tan absurdo, tan preciso) brille como debe. Como resultado, los fans más puristas y tiquismiquis notarán la diferencia desde el primer capítulo. Tanto, que cuesta horrores no seguir leyendo hasta completar los 18 volúmenes. Y pese a que no abarca el manga de Dragon Ball Super, el cual fue dibujado por Toyotaro, vas a tener lectura para mucho rato: despídete de tus horas libres, amigo.

Otro detalle especial es la inclusión de páginas a color restauradas con una calidad excepcional. A diferencia de la edición Dragon Ball FullColor la mayoría son en blanco y negro con la excepción de aquellas que estaban coloreadas por el autor o usaban el sistema de colores limitados. Toriyama tenía un talento particular para el color, con tonos vibrantes y composiciones limpias que rara vez se ven en el manga moderno. Ver esas ilustraciones en gran formato es un auténtico regalo para los seguidores del autor.

Finalmente, cada tomo incluye pequeños extras editoriales. El que más te gustará descubrir son los pósters, aunque quizás seas como yo y prefieras dejarlos dentro de cada volúmen a tenerlos por separado. Pero es que además hay una barbaridad de notas, curiosidades, elementos del Shonen Jump restaurados, declaraciones y detalles de producción que contextualizan la obra. ¿Lo mejor? No son añadidos invasivos, sino pinceladas que enriquecen la experiencia sin romper la lectura.

Una edición literalmente irrepetible para fans y coleccionistas

La Edición Legend de Dragon Ball es, sin exagerar, la mejor edición que se ha publicado de la obra de Toriyama en España. Su combinación de fidelidad histórica, calidad de impresión y respeto por el legado y el trabajo del autor la convierten en un producto imprescindible para cualquier fan. No es solo una reedición: es un homenaje cuidadosamente construido.

Su precio, eso sí, es más elevado que el de una edición estándar: cada cofre (con seis volúmenes) está valorado en 150 euros y son tres en total. 450 euros si compras todos los cofres de una. De hecho, no puedes comprar los volúmenes sueltos. ¿Está justificado? Bueno, si te decantas por los 34 tomos de la Edición Ultimate pagarás casi lo mismo y son más pequeños, aunque con mejor papel y la "otra" traducción. 

Ahora bien, el formato, la restauración, la traducción revisada, los extras y la calidad general del producto son lo que hace que me decante por la Legend: es una edición pensada para durar, para ocupar un lugar destacado en la estantería y para ser releída con el paso de los años.

Además, el hecho de que Planeta Cómic haya confirmado que no volverá a ser editada aumenta su valor como pieza de colección. Cada tomo es, en cierto modo, una edición limitada que captura un momento histórico: el 40 aniversario de una de las obras más influyentes del manga. Una iniciativa que, por cierto, se lanzó originalmente en Japón para celebrar las tres décadas y comenzó a publicarse en España no mucho después de la pérdida del propio Toriyama.

Para los fans de Toriyama, la Edición Legend de Dragon Ball tiene un valor emocional añadido. Es una forma de celebrar su legado, de agradecerle décadas de aventuras, risas y batallas inolvidables. Cada página es un recordatorio de su genio y de su capacidad para crear personajes que ya forman parte de nuestra vida. 

¿Un capricho? Lo que te puedo asegurar es que la Edición Legend es el tributo definitivo a Dragon Ball. Una edición que respeta el pasado, celebra el presente y asegura que la obra de Toriyama seguirá viva en las estanterías (y en los corazones) de los fans durante muchos años.

Ficha de Dragon Ball Edición Legend

• Autor: Akira Toriyama
• Editorial: Planeta Comic (Colección Manga Shonen) 
• Lanzamiento: 27 noviembre 2024 - 11 diciembre 2025 
• Tamaño: 18,3 x 25,5 cm
• Formato: rústica sin solapas tamaño revista + estuche
• Serialización: tres cofres cofres con 18 volúmenes en total 
• Precio: 150 euros cada cofre

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¿Qué tienen en común los dos mejores JRPGs del Cerebro de la Bestia? Dado que en Europa tardamos muchos años en poder jugar a Chrono Trigger y empezamos la legendaria saga de Sakaguchi por la séptima entrega jamás nos lo llegamos a plantear, pero los soldados Biggs y Wedge que aparecen en Final Fantasy VI son los mismos. Literalmente. ¿Cómo es posible? Bueno, el asunto tiene miga.

Hagamos las presentaciones como es debido: en el vasto universo de referencias internas, cameos y guiños que pasaban de un juego al siguiente en la saga Final Fantasy durante los años noventa, pocos casos son tan peculiares y celebrados por los fans como las apariciones de Biggs y Wedge. El primero, tradicionalmente, suele ser el oficial superior del segundo, pero en cada juego tienen un papel diferente. En Final Fantasy VII son miembros de AVALANCHA.

Estos dos soldados, con nombres inspirados en los personajes Biggs Darklighter y Wedge Antilles de Star Wars, se convirtieron en un cameo recurrente dentro de la saga Square. Ahora bien, una publicación japonesa llevó aquello un paso más allá. Tanto, que traspasó la propia franquicia.

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Según una edición de la revista japonesa V-Jump, después de que Valigarmanda (también conocido como Tritoch) hiciera desaparecer a Biggs y Wedge en Final Fantasy VI, el destino de ambos se dejó intencionadamente sin resolver. ¿Habían sido desintegrados? ¿Aparecieron en la otra punta del planeta? Según Square, ambos habrían terminado accidentalmente en la dimensión de Chrono Trigger. 

Allí, según se puede leer en, fueron encontrados por Norstein Bekkler, el excéntrico maestro de ceremonias del Tent of Horrors, quien les habría ofrecido nuevos trabajos. Y eso nos lleva a la penúltima cuestión: ¿dónde están en el juego?

En Chrono Trigger, Biggs y Wedge aparecen como dos de los soldados que trabajan en el Tent of Horrors durante la Feria del Milenio. Allí están acompañados por un tercer soldado llamado Piette, cuyo nombre es casi con total seguridad un guiño a Firmus Piett, el almirante imperial que aparece en El Imperio Contraataca y El retorno del Jedi. 

¡Biggs, Wedge y Piette en Chrono Trigger!

Ahora bien, aunque la afirmación no tiene valor canónico, la anécdota se convirtió en una de las historias más queridas por los fans, reforzando la idea de que Square disfrutaba jugando con sus propios universos narrativos. Y que los tres personajes comparten el mismo sprite genérico de soldado, es un detalle que refuerza su papel como cameo más que como figuras relevantes para la trama.

Un guiño que une dos clásicos... ¡Y tiene sentido!

Al igual que ocurrió en Final Fantasy VI, el nombre de Biggs sufrió un error de localización en las versiones de Chrono Trigger para SNES y PlayStation, donde apareció como Vicks. Este fallo, que se convirtió en un chiste recurrente entre los fans, fue finalmente corregido en la versión de Nintendo DS, que restauró el nombre original.

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Dicho lo cual, y aunque la conexión entre ambos juegos nunca ha sido más pretenciosa que bromear sobre el destino de estos personajes, la idea de que Biggs y Wedge "viajaron" de un RPG a otro encaja perfectamente con el espíritu creativo de la época y ambos juegos: tanto Final Fantasy VI como Chrono Trigger exploraban mundos, dimensiones y destinos cambiantes, por lo que imaginar a estos dos soldados perdidos entre universos no solo es divertido, sino sorprendentemente coherente con el tono de ambos títulos.

Más allá de su papel menor, Biggs, Wedge (y Piette) representan una tradición de humor interno que ayudó a definir la identidad de la Squaresoft de la época y que, incluso si no nos lo tomamos en serio, sigue siendo parte del cautivador encanto atemporal que rodea a estos clásicos.

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